Comus

First Utterance, 1971/Inglaterra
Folk Progresivo/ "Acid" Folk                                                      

Comus (Dios Griego del jolgorio), 1971, una portada interesante, dibujo del vocalista principal Roger Wootton; un trabajo musical asombroso. Posteriormente de adquirir por primera vez este disco, escuché apenas unos segundos de la primera canción y los sonidos que Comus maneja, no me parecieron en absoluto digeribles, desde que Roger Wootton  escupe las primeras palabras en un tono que pareciera de un lunático queriendose hacer el buen cantante con un arrastrado acento en la pronunciación del Inglés lo que te hace creer inmediatamente en que es británico. Algún otro buen día me decidí hacerle caso a ese disco, Firt Utterance, que rogando por ser escuchado me ponía una triste cara... finalmente el que puso la triste cara fuí yo, rogando porque el disco volviese a reproducirse.

1971, inicios de la primera mitad de la década de 1970 (época de auge musical). Las manos del Rock Progresivo a penas comenzaban a verse en el aire, la influencia del ambiénte psicodélico de 1960 estaba  ya dejando algunas de sus cenizas, y la madurez de los grupos musicales aclamaba su resplandor. Comus fue uno de los más claros ejemplos de maduración y víctima de un cierto sincretismo en la misma composición. Después de haber escuchado el album me resultó un tanto difícil poder hacer una clasificación de este dentro de la taxonomía musical, pues las composiciones integradas en el trabajo muestran una impresionante fusión de géneros, y creo que decir géneros suena a "fácil encasillado, mejor dicho: de sonidos que oscilan entre el Folk principalmente, sonidos paganistas, nórdicos tradicionales en una combinación con los sonidos étnicos del medio oriente, claro, más paisajes sinfónicos que van de extrema estabilidad y obscuridad, pasando por lugares sumamente rítmicos a paisajes de tiránicos "desordenes" musicales". A menudo se ha hecho énfasis en la mención de es notable una influencia Jazzística en el sonido del First Utterance, sin embargo, yo jamás le he encontrado la influencia Jazzística a la estructura melódica de las canciones. El álbum se concentra en su sonido mucho más rústico y étnico, o tradicional, esto por la casi ausencia total de aparatos electrónicos en la elaboración. Es por todo esto y por otros factores musicales más por lo que yo podría clasificar esta obra musical como Folk Progresivo, (la mayor influencia es del Folk) toques psicodélicos + folk; así es, Folk Progresivo en comparación con el trabajo de Roy Harper en su Stormcock que presenta una tremenda similitud con First Utterance, ó con el trabajo de The Incredible String Band indudablemente.

El álbum está compueto por 7 piezas con la suficiente carga musical para atormentar a cuelquier analítico del álbum. Empezamos con "Diana", pista abridora del álbum como inicialmente lo mencionaba, creo que "Diana" es la composición con más facilidad de digestión para el escucha, y es la pieza perfecta para intruducirte en el sonido de Comus, un sonido "cómico" hasta cierto punto en esa línea del bajo, un coro con influencia del sonidos orientales, flautas, una excelente ejecución de las percussiones (no se usa batería en ningún momento, sino Bongoes y Yembes entre otras percusiones). La canción pasa rápidamente para empezar a conocer verdaderamente el hogar de comus, la bienvenida perfecta a este es la segunda canción: con poco más de 12:00 minutos de duración "The Herald", arriva a tus oídos con unos lindos coros de mujer que se hacen presentes mientras entre una onírica y melosa ambientación se combinan con el arpegio de la guitarra para que al terminar nos lleve de la mano por una parte con un indiscutible, y en serio indudablemente maravilloso trabajo de la guitarra, arpegio sobre arpegio, serenidad, los sonidos de la guitarra evocan relajación. Enseguida se hace presente el Violín de Colin Pearson que pareciera discutir en completa calma con el hermoso sonido de la flauta; hasta ahora todo es sinfónicamente hermoso, todo se vuelve atransformar en los coros de mujer del inicio para concluir la canción."Drip Drip", ¿la mejor canción del álbum o me quivoco?. La pieza que a mi parecer es la mejor del álbum, cambios radicales, larga duración (poco más de 10:00 minutos), excelente trabajo en la voz de Wootton muy acercado a veces al tono de Peter Hammill de Van der Graaf Generator, paganismo, sincretismo musical, impresionante ritmo que los violines enfatizan, el sonido va descomponiendose en la parte intermedia de la canción para cambiar radicalmente de lugar con extrañas percusiones y ambientes cada vez menos posibles de digerir, enloquecida combinación vocal y todo esto posteriormente se reacomoda en el ritmo inicial de manera inesperada para culminar con una conclusión bastante desalineada pero que forma parte de esta escencia de la música de Comus.Tnego que destacar porque cabe hacerlo que la composición lírica es realmente asomrbosa en esta pieza.Posteriormente pasamos a "Sing To Comus", "The Bite" postergan la tendencia marcada por "Drip Drip" hasta llegar a la pieza más carente de sentido en el álbum: "The Bitten" de 2:26 segundos con una ambientación que desorienta y que invoca cierto "lunatismo", bueno podemos tomar esta pieza como preludio a "The Prisoner" última canción con un sonido perfecto para concluir el álbum, hablo de un sonido más "alegre" que exilia finalmente de todos los caóticos lugares musicales por los que antes se tiene que pasar (al adjetivar como "caóticos" no estoy afirmando mi disgusto por estos sino al contrario). Una excelente manera de terminar el álbum. El magnífico y álbum debut de comus First Utterance.

La composición lírica del álbum se mueve entre temas de la psique, desordenes mentales, amargura, dramatísmo, psicodelia y obscuridad. Comus fue muy admirado por David Bowie y consecuentemente Bowie invitó a esta banda a ser sus teloneros durante el término de la segunda mitad de la década de los 60'. Realmente First Utterance es un trabajo musical colosal y completamente asombroso, creo que una de las obra maestras y una de las bases esenciales en el posterior desarrollo del Rock Progresivo. First Utterance es un álbum por el cual definitivamente una persona con la disposición a la apreciación de las obras musicales más bellas y de la música con una bella arte en general, debe tomarse un tiempo para escuchar este impresionante trabajo.

                     DISCO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.

Mc Donald & Giles

Mc Donald & Giles, 1971/Inglaterra                                                       
Progresivo/ Sinfónico                                                                      

Después de un arduo trabajo en Julio de 1970 los músicos responsables de esta obra maestra pudieron ver su disco a la luz hasta Enero del siguiente año. 1971, el primer año de la década de los setentas, década de auge musical en diversas partes del mundo y en cuanto a diferentes estilos musicales en desarrollo. A las faldas de el primer disco de King Crimson, "In The Court of The Crimson King", músicos como Ian Mc Donald, los hermanos Giles (Peter Giles y Michael Giles) y Peter Sinfield pudieron pulir su brillante calidad de ejecución y de composición musical, para así poder grabar juntos con la ayuda de otros músicos un álbum que se apartaría relativamente del estandarte de Robert Fripp en King Crimson.

Si bien ya la he mencionado a los principales músicos, este álbum fue principalmente una idea de los ex King Crimson, Ian Mc Donald (alientos) que fue parte elemental en el desarrollo del primer álbum de la banda de Fripp, y que después de la grabación de este dejó la banda. Y de Michael Giles (percusiones) que aun permaneción para la grabación del segundo album de Crimson: "In a Wake of Poseidon"; además de estos dos grandes músicos, Peter Giles (hermano de Michael), Steve Winwood (Traffic), Michael Blakesley y Peter Sinfield (letrista de King Crimson) cumplen un importante papel en la construcción de esta obra maestra de título "Mc Donald & Giles" que aún con tendencias de King Crimson en el sonido, se convirtió en un disco sumamente influyente dentro del Rock Progresivo, además de ser uno de los primeros discos innatos de este género que para finales de la primera mitad y toda la segunda mitad de la década de 1970 se desenvolvió enloquecidamente por todo el mundo.

El álbum está compuesto de cinco canciones de diferente duración. La canción que honoríficamente abre el trabajo es llamada "Suite in C", una pieza de poco más de once minutos de duración compuesta por Ian Mc Donald. La pieza comienza con un tranquilo ritmo que marca un alegre tempo con ligeros pero complejos destiempos en la batería de Michael Giles y con pequeños cortes sinfónicos que al último se descomponen en una pieza claramente diferente con una gran influencia jazzística, un tempo más acelerado, la deseperada flauta de Mc Donald acompaña el agresivo bajo de Peter Giles, mientras Michael destroza el ritmo de la batería en complejos compases; la pieza va desintegrandose en un caos isntrumental muy al estilo de King Crimson para que después el caos se convierta en una linda melodía que forma parte de la misma "Suite in C", llamada "Here I Am", la intrumentación es excelsa y conduce a un cuarto cambio "Turnham Green" que es una muy rítmica pieza que acaba en un asombroso blues que podría hacer que sigas el ritmo al compás. ¡Vaya manera de terminar una canción!. Las canciones posteriores a "Suite in C" son: "Flight of the Ibis" una pacífica balada que estoy seguro que tiene casi la misma estructura musical y melódica que "Cadence and Cascade", pieza compuesta y grabada en el segundo álbum de King Crimson, "In a Wake of Poseidon". Después de terminar esta pieza el álbum continúa con una de las composiciones más bellas de este, "Is She Waiting?", se trata de otra balada con poca instrumentación pero un excelente trabajo en la guitarra y en la composición lírica, remite a una gran tristeza en la melodía; finalmente un puente de relleno a la siguiente canción: "Tomorrow's People/ The Children of Today" (Michael Giles) esta obra presenta un gran ritmo que Michael Giles marca en las percusiones (a menudo se le ha catalogado un sólo de batería; por comodidad puedes llamarlo así) mientras Mc Donald acompaña con el dulce sonido de su flauta transversal.

Para finalizar la pieza más larga del álbum: "Birdman". Una composición de 21:00 minutos de duración estructurada a su vez por distintas secciones que Peter Sinfield escribió (la letra está inspirada en un soñador e inventor de Aeroplanos: Alliott Verdon Roe) y que Ian Mc Donald compuso musicalmente: The Inventor's Dream/ The Workshop/ Wishbone Ascencion/ Birdman Flies/ Wings in The Sunset/ Birdman-The Reflection. Al igual que "Suite in C", "Birdman" presenta influencias jazzísticas con cortes sinfónicos y a veces tediosos, hasta llegar a "Wings in the Sunset" el pequeño preludio de la eminente parte final de esta pieza: "Birdman- The Reflection". Un sereno piano empieza a marcar los acordes sobre los que unos coros van haciendo hincapié, después de unos tiempos, Michael Giles entra con la batería aún en un volúmen tranquilo que va tentando el oído. El sonido y la intrumentación cada vez va incrementando (todo sobre las mismas notas) y va proyectando distintos matices en la ambientación, mientras Peter Giles en el bajo hace un excelente trabajo, incitando a Ian Mc Donald a hacer sonar las sublimes notas de una trompeta que dan el toque final de la pieza instrumental para terminar de una manera formidable la única obra artística (álbum) que estos músicos grabarían juntos.

En general el álbum es excelente, a pesar de que la calidad de grabación es un poco sucia, la instrumentación, composicón y ejecución que forman parte del trabajo son de una gran calidad. El álbum tiene un sonido muy apegado aún al sonido que King Crimson estuvo manejando al menos en sus primeros tres discos, paisajes sinfónicos y cortes de gran influencia jazzística y bluesera; la "apatía" influyente de la psicodelia también muestra algunas de sus cenizas en el trabajo de los Giles y Mc Donald, aunque en muy ligera porción, pues la inovación es mucho más prominente, ya que como incialmente mencionaba, este álbum es uno de los parteaguas en la música de la década de 1970.

                            
                               OBRA MAESTRA. MUY RECOMENDADO.

Roy Harper


Stormcock, 1971/Inglaterra                                                                                     
Acid Folk

El año de 1970 y más en específico, 1971 fué una época que envolvió en una tremenda significancia a algunos de los más grandes músicos del Rock en Inglaterra y en las tierras Norteamericanas. Discos de suma importancia acababan de publicarse: "Meddle" de Pink Floyd, "Led Zeppelin IV" de los mismos, "Tago Mago" de CAN, el grandioso "Mc' Donald & Giles" por Mc' Donald y Giles; por mencionar algunos. Se tenía que sobrevivir en la selva de la producción musical pues la comptencia se tornaba bastante fuerte a medida que el típico Rock Psicodélico de la segunda mitad de 1960 iba tocando el fondo de su auge y las bandas trataban de inovar.

Roy Harper, un músico inglés; al igual que Bob Dylan amante de Woody Guthrie. Un músico que no encajaba en el Mainstream de aquellas épocas; Roy Harper se resistió a los encantos del mercado musical pues una tremenda seriedad formaba parte de su "obscura" personalidad. Sin embargo uno de los más grandes genios de la música. Las influencias de Harper son claras: Blues. Roy Harper participó con diferentes músicos o agrupaciones que se interesaron en su excelente trabajo. Colaboró con Pink Floyd, siendo el intérprete de "Have a Cigar" del "conocido" Wish You Where Here. Así mismo llegó a colaborar con Pete Townshend de The Who y con el famoso flautista de Jethro Tull, Ian Anderson. Roy Harper fué amigo de muchos músicos que se volverían importantes, tuvo la oportunidad incluso de conocer a Nick Drake en un bar de inglaterra.

Ya con anteriores trabajos por su parte, Roy Harper decide grabar para 1971 el disco que se convertiría en el mejor trabajo de su carrera musical y que además para mi punto de vista, el disco que competiría sin problema alguno con los mejores discos del año: "Stormcock".
El impresionante trabajo discográfico del maestro es una de las más grandes obras de la historia de la música. Con sólo 4 largas piezas de entre 8 y 13 minutos de duración, el trabajo refleja una compleja e intensa travasía musical por pasajes de hermosos y a veces "incompresibles" arreglos de guitarra acústica, ligeros arreglos en los teclados y excelente y muy completo trabajo por parte de la ingeniería en audio (en cuestión de calidad). Entre otros ingenieros el disco fué producido por nada más y nada menos que Alan Parsons, ingeniero y músico que dió gran parte del color al Dark Side of The Moon. Y por si no fuera poco además del los arreglos en los teclados de David Bedford, la participación en todas la canciones de Jimmy Page (Led Zeppelin) fue el punto culminante de la estructura cualitativa del trabajo musical en el álbum y para el cultivo de éste.

Como ya lo había mencionado, el álbum está compuesto de cuatro piezas de "larga" duración, con la clásica técnica de Parsons "Non Stop" entre cada una de las piezas, lo que hace que no se marque una clara diferencia entre cada una de las piezas (el disco bien podría escucharse como una gran canción). La estructura de las canciones presenta una rara organización de las partes, con esto me refiero a que no están basadas en el típico: verso, estribillo, coro. La canción abridora y una de las más bellas recibe el nombre de "Hors d'Oeuvres" una hermosa composicion con bellísimos arreglos en las guitarras, coros en tonos perfectos, una impresionante melodía y una excelente composición lírica. La segunda pieza: "The Same Old Rock" , sin duda alguna la mejor composición del disco, se trata de una complicada canción con una compleja estructura pues dentro de la misma se encuentran dos canciones sobre mismos acordes pero en diferente melodía, excelentes pero complicadas guitarras, el uso de efectos en la edición de la canción es bastante notable, por ejemplo, el uso de "Reverb" o de algunos "Fade Out" en ciertas partes de ella. La composición lírica es igualmente impresionante sobre todo por el peculiar tono de Roy Harper (semejante al de Bob Dylan) que seduce con matices y contrastes impresionantes, cambios sorpresivos y una ejecución indiscutible de Jimmy Page que acentúa su influencia de guitarra española en cada una de las notas durante toda la pieza pero significativamente en la parte final de ésta donde pareciera que se empeña en la perfección coclusiva de la pieza con un majestuoso solo de guitarra (con un sonido muy español) tengo que aclarar que en ningún momento se hace presente alguna guitarra eléctrica.
"One Man Rock & Roll Band" otra colosal y devastadora pieza que compite a la altura de su antecesora, se caracteriza por ser más "austera", ésta vez es sólo Harper y su guitarra sin muy notables detalles pero con una composición igualmente asombrosa; la canción termina con un golpe en las teclas graves de un piano muy similar al final del "A day in the life" de The Beatles, dejando su resonancia para comenzar con la cuarta y última canción del álbum: "Me and My Woman" que como era de esperarse se trata de de una asombrosa composición que a mi punto de vista también está divida en dos partes similarmente a los trabajado en "The Same Old Rock". Una instrumentación más extensa en ésta pieza es muy notable, el piano de David Bedford se subleva e incluso lo que pareciera una pequeña orquestación se hace presente durante la pieza, violín, cello, y algunos cornos y trompetas. Ésto, más las cambiantes estructuras de Harper hacen de "Me and My Woman" la pieza más dinámica y la pieza perfecta para concluir el maravilloso trabajo discográfico de Sir Harper.

En cuanto al género musical desarrollado en el trabajo de Harper, hasta la fecha existen arduas diferencias en si clasificarlo dentro del Folk netamente, viéndolo desde mi ángulo y considerando que siempre se concibió a Harper como un artísta de Folk Británico; podría decir que el género de harper en éste album es un género híbrido o collage pues no muestra el concretismo que buscaría la taxonomía musical, creo que el trabajo de Harper en éste álbum favorece al llamado Folk Progresivo, desarrollado al igual por otras bandas como The Incredible String Band o Comus. Sin embargo la relevancia del género musical del Stormcock   carece de mucho al hablar sobre un tema más enfocado al desarrollo musical de éste e indiscutiblemente Stormcock se trata de una de las obras maestras de la historia de la música en general, una parte elemental de todo músico de todo apreciador de esta bella arte.

                TRABAJO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.

Harmonium

Harmonium, 1974/Canadá
Folk/Progresivo Sinfónico

Primera mitad de 1970, el rock progresivo se expresaba de una manera salvaje en diferentes partes del mundo, Canadá no fué la excepción. Canadá nunca se caracterizó por grandes generaciones de músicos o de géneros en los cuales se hiciera un importante énfasis. Serge Fiori se convertiría en uno de los más importantes músicos de Montreal, a sus 18 años ya era casi un músico profesional y empezaba con composiciones y estructuras musicales. Tras conocer a Michel Normandeau y posteriormente en el 73 a Louis Valois (el que sería el futuro bajista), Fiori formó con ellos Harmonium, una de las bandas musicales canadienses  francófonas que más sobresaldría dentro de la década de 1970 en éste país.

Después de haber compuesto cierto número de canciones (principalmente por Serge Fiori) Harmonium grabó su primer disco de título homónimo bajo una llamativa portada de lo que podría ser un boceto "renacentista" de un hombre con una rara indumentaria formada de instrumentos musicales. Harmonium manejó desde un principio un sonido bastante rústico por lo que los críticos musicales lo encasillaron dentro del Folk Rock, en realidad es una rara mezcla de sonidos con escencia "boscosa", alegre, y rústica. El uso de instrumentos eléctricos es escaso, de ahí que el sonido de Harmonium tienda a sonar lo suficientemente natural y rústico; guitarras de caja (acústicas), flauta transversal, piano, percusiones (yembes, batería), bajo, un fliscorno o flugelhorn. La voz de Serge Fiori es espectacular sobre todo por su buen francés, su manejo de tonos es bastante agradable, proyecta un tremenda serenidad que matiza a la perfección los armoniosos sonidos de las guitarras, la técnica de ejecución es aplaudible y muy respetable. El álbum contiene piezas con una maravillosa composición tanto lírica como musical (son pegajosas), tal es el caso de "Aujourd'hui, je dis bonjour a la vie" en la que el trabajo en las cuerdas de Fiori y de Normandeau es maravilloso. Otra de las piezas que definitivamnete describe la alta calidad de éstos músicos es la pieza abridora: y de título homónimo "Harmonium" que comienza con una bellísima y serena estructura armónica que Fiori ilumina con su excelente tono de voz; cambios musicales drásticos (principalmente de velocidad de ritmo) caracterizan la canción a lo largo de ésta, el trabajo efectuado en la guitarras es impresionante, pero lo más impresionante de ésta pieza es un magnífico arreglo en los minutos finales con el Fliscorno que avanza sobre fantásticos coros haciendo énfasís, una tranquila batería acentuante, y una verdaderamente impresionante sinfonía se va creando para llegar al final monumental de la pieza.

En lo personal creo que el Francés es uno de los idiomas más hermosos que existen  y Fiori lo hace sonar fantástico, esa también es una de las características que en Harmonium perduró. "Si Doucement", "Veilles Courroies", "Attends-moi", "Un musicien parmi tant d'autres" son cuatro de las piezas más sobresalientes del trabajo discográfico y por supuesto el sencillo "Pour un Instant" que fué transmitido en la radio de Québec y Montreal durante un cierto tiempo. "Pour un Instant" ha generado mis dudas en cuanto a la estructura de la canción, pues para mis oidos es bastante parecida a "Here comes the sun" de The Beatles, algunos arreglos en la guitarra parecerían conicidentemente o a propósito a algunos fragmentos de ésta cancion de el cuarteto de Liverpool, sólo suposiciones.

En general Harmonium es una banda que desde un principio dejó mucho de que hablar, su propuesta fué y es interesante, pues trataron una atípica mezcla de diferentes colores musicales para la primera mitad de 1970 en donde muchos músicos virtuosos en Europa y en E.U.A devastaban al público con potentes composiciones y shows extravagantes. Hamonium es una banda que definitivamente vale escuchar y ésta su primera produccion discográfica es el mejor de los comienzos.

                            EXCELENTE TRABAJO, MUY RECOMENDADO.
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Si on Avait d'une Cinquieme Saison, 1975.

Progresivo Sinfónico/Folk

Un año más tarde después de su artísticamente y no socialmente exitoso primer disco homónimo, éste impresionante trio Canadiense reclutó a nuevos músicos dejando de ser un trio para convertirse en un quinteto. Serge Locat en piano y teclados (incluyendo Melotrón), Pierre Daigneault en flautas (diferente afinación a las de Fiori), clarinete, saxofón y otros intrumentos de viento, Louis Valois, Michel Normandeau y por supuesto Serge Fiori más una colaboración especial Judy Richard una linda mujer con una maravillosa tonalidad vocal.

Ya con el notable enriquecimiento de músicos, Harmonium decide grabar a mediados de 1975 el álbum qye se convertiría en la obra maestra de toda su carrera como agrupación. Ésta obra fué titulada "Si on Avait d'une Cinquieme Saison", "Si tuviera que existir una quinta estación", evidentemente el título alude a las cuatro estacíones del año y al pensamiento hipotético desde su punto de vista de como sería una quinta estación (tema bastante inspirador) obviamente musicalmente representado. Siempre he sostenido (desde el ángulo artístico-musical) que las obras que están cargadas de un concepto en específico son mucho más interesantes que una conjunción de canciones sin relación alguna, tengo que aclarar que no estoy descartando la posibilidad de la belleza artística que podría derramar un disco sin una "carga conceptual". Simplemente creo que existe en las producciónes discográficas conceptuales una magnificencia incomparable en cuanto a totalidad artística. Precisamente ésta segunda producción de Harmonium carga un concepto, lo cual la hace mucho más interesante para el oido del apreciador.

Primitivamente Harmonium se caracterizó por su diversidad en cuanto a uso de intrumentación además de su naturalidad en el sonido, es decir su rusticidad sonora, "Si on Avait d'une Cinquieme Saison" no es la excepción, sin embargo, es sumamente notable una expansión en la instrumentación, factor que enriquece de una manera impresionante a los resultados (composiciones) musicales de la agrupación. Sin bien he mencionado que la "naturalidad" sonora de Harmonium es latente aún en éste álbum, es cierto, si embargo una pregunta es impactante para el escuha después de haber asimilado la bella obra y es pregunta es: ¿En donde carajos está la batería?. Pues bien como te estarás imaginando, no existe tal en ésta obra, el uso de percusiones hace acto de ausencia ésta vez lo cuál es un trinche al corazón de las composiciones, pero, posiblemente ésta obra no hubiese sido tan solemne, es difícil imaginar una batería en la completidad del álbum, pues una vez escuchado el disco la concepción de él te dice que ese álbum no lleva batería porque nunca la necesitó y porque en realidad no la necesita.

El trabajo de Harmonium consta de cinco impresionantes piezas las cuales representan a la perfección los sentimientos que las condiciones climáticas de cada época de año puede transmitir hacia el ser humano y lo que para ellos transmitiría una quinta y nueva época (es difícil de imaginarlo, ¿lo has intentado?).

Musicalmente hablando la escencia de las composiciones del trabajo discográfico retoma la sonatas melosas del primer álbum más una sinfonía imponente, atmósferas que pueden perderte dentro de su mismo onirísmo, paisajes musicales de ensueño, y un manejo maravilloso de la melodía. La voz de Serge Fiori es espectacular además de que Normandeau es ahora mucho más participativo como voz trasera. El trabajo de Serge Locat en los teclados es imprescindible al igual que el trabajo de los otros músicos. "Vert" la pieza abridora del álbum que representa la primavera, ésta irradia un tremendo enfoque positivo, el performance vocal empieza a dar de que hablar desde el principio de ésta y que decir del excelente trabajo de. Algo que me parece maravilloso es la forma en que tratan con efectos electrónicos retardantes del sonido a las flautas y al saxofón, le da un toque especial. "Dixie" la pieza que representa el verano y así mismo la composicion más enfática y alegre del álbum, curiosos sonidos en los teclados, un ritmo que alude a un "swing" en el cuál puedes chasquear los dedos al compás; clarinete, excelente trabajo en el piano, excelente trabajo en los arreglos de los coros, definitivamente ésta canción es muy pegajosa y rítmica. Después de un poco de alegría para comenzar bien el año, la melodía, armonía y la impresionante sinfonía de la que hablaba empieza a hacerse presente con "Depuis l'automne" (Otoño) ésta pieza ya tiende más a el uso de ambientaciones sobre las cuales lo paisajes oníricos empiezan a tomar color, un color agonizante que proyectan a la perfección Fiori y Normandeau con un destacable trabajo en las guitarras (también tratadas con efectos electrónicos). "En Pleine Face" la melancolía y el romanticismo sigue surgiendo mientras el tiempo transcurre, "En Pleine Face" es indiscutiblemente la mejor pieza del álbum, magnífica melodía en la voz, un acordeón se hace presente, bonitos arreglos de piano, la serenidad de la voz de Fiori y finalmente un hermoso verso que marca repetidamente "Ou es-tu j'en plus, je ne t'entends plus, ou es-tu? ..." cabalgando sobre una serena melodía del acordeon que después magníficamente se transforma en un hermoso arreglo que debería durar muchos minutos más (lamentablemente sólo dura unos segundos) para así finalizar la pieza y dejar un en el escucha un sincero suspiro (de menos en mí lo dejó). Después de las simulaciones de cada estación en las canciones se hace presente la quinta abstracción sobre la quinta estación: "Historie Sans Paroles", 17 minutos y trece segundos de duración en los que los músicos de Harmonium nos dan a entender como la belleza puede reflejarse en hermosos hambientes musicales sin necesidad del virtuosismo en la ejecución. Una hermosa pieza que para mi gusto encasilla a todas las anteriores, la participación de la cantante Judy Richard aquí es en donde destaca completamente, armonizando bajo los indudablemente hermosos arreglos de piano de Locat, hermosos coros los que nos brinda Judy; el sonido del mar, gaviotas, contrastes y matices instrumentales y vocales bellísimos. Realmente creo que no puedo decir más sobre ésta obra de arte, es totalmente imprescindible dentro de cualquier colección musical.

Sin lugar a dudas "Si on Avait d'une Cinquieme Saison" es una majestuosa obra conceptal llena de símbolos y hermosas proyecciones de la belleza de la naturaleza y claro, el mejor trabajo discográfico de la respetable agrupación canadiense (aplausos).

                        OBRA MAESTRA, ALTAMENTE RECOMENDADO.



Cream

Disraeli Gears, 1967/Inglaterra.
Hard Rock/Piscodélico.                                                      
"Sunshine of your love" el éxito de la segunda mitad de la década de 1960, la pieza en inglés que mis abuelos gozaban, la canción que distingue a los años del apogeo Hippie en Estados Unidos, libertad, verano, drogas, juventud, y Cream junto a The Jimi Hendrix Experience ya eran la cagada más grande en el universo (musicalmente hablando), Eric Clapton era Dios (Clapton is God) el guitarrista de Blues prodigio, nadie podía hablar mal de éstas bandas más que los fanáticos religiosos y conservadores.¿Que carajos se había atrevido a hacer Cream un trio de reconocidos y virtuosos músicos?. Eric Clapton el exYarbird, el súper baterista Ginger Baker que con su agilidad y su gran técnica jazzística impresionó, Jack Bruce un hombre con actitud y un excelente bajista y cantante, el exGrahamBond; se atrevieron a jugar. Las críticas llamaron a éste y algunos otros trios de excelsos músicos: Power Trios posteriormente Supergroups, el Power Trio "The Cream", la crema de lo mejor de los músicos blancos de Blues.

Como ya lo había mencionado cream estaba formado por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce, los tres excelentes músicos que crecieron educados con la música popular de los negros en los E.U.A., las influencias de éstos tipos estaban muy claras y era obvio que en cojunto haría maravillas. Cream se formó alrededor de 1966 bajo el nombre de "Sweet & Sour Rock n' Roll" (posteriormente Cream), el trío grabó su primer disco en éste año llamado Fresh Cream, el contenido del álbum estaba básicamente compuesto por intepretaciones de canciones populares del Blues convertidas en versiones mucho más enérgicas entre escasas composiciones propias como la exitosa por el trabajo virtuoso de Baker en la batería: "Toad". La banda logró imprimir un sonido bastante "atrevido" para aquella época, lograron combinar el Blues y el Jazz con una impetuosa y peculiar energía con brochazos de Psicodélia que vaya que para esos años sobraba. Las críticas y el público (los hippies) recibieron de muy buena manera el trabajo que Cream había explotado pero los recibieron tan bien que Cream se volvió es una banda sumamente sobrevalorada.Y ese sobrevalor no se dió hasta la grabación en 1967 de una de las joyas del rock: Disraeli Gears. Bajo una psicodélica y colorida portada por Martin Sharp, se podia ver un disco con un impecable trabajo y que es sumamente imprescindible en tu colección musical.Para ésta produccion discográfica, los miembros ya habían compuesto la mayoría de las canciones por su propia cuenta, muchas de las composiciones se convirtieron en un total éxito, éxitos devastadores de la radio: "Strange Brew","World of Pain" que es para mí una de las mejores composiciones del álbum (excelente),"Tales of Brave Ulysses" y por supuesto la conocidísima "Sunshine of Your Love", la canción que volvía locos a los jóvenes por su pegajoso y "sensual" rítmo que manisfestaba la calidad de músicos que la pudieron componer, la implacable guitarra de Clapton, la poderosa voz de Bruce y la acentuante batería de Baker convertían la simpleza en complejidad (lo único malo de ésta canción, es el asqueroso e inconcreto final en Fade Out que al menos a mí me dejó muchas interrogantes).

En mi opinión el Disraeli Gears sí fué uno de los mejores discos grabados en 1960, él está impreso un gran texto de energía, virtuosisimo, contrastes, matices, excelentes composiciones, excelsas intrumentaciones pero creo que Disralei Gears se convirtió en un superfluo y valorado trabajo cuando detrás de éste existían grabaciones musicales igual de bellas que nunca se consideraron por encima de éste álbum, claro que mi opinión o más bien la realidad sobre la ultravaluación de éste álbum no lo alejan de su calidad musical.El álbum es excelente como ya lo había dado a entender es sumamente importante la energía implicada por Cream porque ésta fué la pauta del nacimiento de posteriores y muy exitosas bandas de Hard Rock en diversas partes del mundo que siguieron bajo un método similar al de Cream en cuanto a la combinación del Blues y  Jazz con el ímpetu de la energía y el virtuosísimo.Y bien, creo que la mayoría de las personas amantes de los "Oldies" deben conocer éste gran trabajo discofráfico que marcó bastantes puntos importantes dentro del Rock y de la Música en general.

                                TRABAJO BASTANTE RECOMENDADO.


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Wheels On Fire, 1968.

Hard Rock/Psicodélico                                                          

Tras haber editado el excelente y muy popular Disraeli Gears, Cream gozaba de una tremenda popularidad entre la gente que disfrutaba de su música, los mejores momentos de ésta banda fueron entre aquellos dos años: 1967 y 1968. Aunque algunos problemas entre Baker y Bruce empezaban a surgir, a la gente no le importaba, ellos querían más de Cream. Wheels on Fire es su tercer y aún más exitoso trabajo discográfico y vaya que la banda demostró más madurez (clara diferencia) en la grabación de éste disco, aunque algo fué sumamente notable y eso fué que el grupo comenzaba a ser menos restringido en cuestión de improvisación y virtuosismo. En ésta época de grabación y en tiempos posteriores a la edición definitiva del disco las presentaciones en directo de la banda eran mucho más "sueltas" y largas. El sonido de Cream ya había alcanzado la definición buscada.

Entre las composiciones de Wheels on Fire se encontraba como pieza abridora la magnífica e igualmente popularizada "White Room" en la que el uso de variada instrumentación es destacable, la técnica de Clapton parece mejorada y la sinfonía en los asombrosos coros es esplendida. Entre otras composiciones también destacó  la versión  de "Sitting on Top of The World" (de uno de los grandes del blues: Howlin' Wolf), el éxito "Politician" y la version de "Born Under A Bad Sign" de Albert King. Curiosamente éste álbum alcanzó mayores puestos en las listas de popularidad en E.U.A. y en Inglaterra, llamativamente "superó" a su antecesor Disraeli Gears, pero es algo que aún no logro comprender pues creo que la creatividad (a pesar de la extensión instrumental) en cuanto a la arquitectura musical se vino ligeramente abajo, el virtuosismo aumentó (en vivo) pero la creatividad quedó atrás en comparación con su anterior trabajo. Wheels on Fire originalmente salió a la venta como un álbum doble en el que se incluyeron extensas versiones de canciones en el B- side grabadas en directo desde Fillmore West (si estoy en lo correcto sólo "Toad" fué tomada del Fillmore las otras tres fueron grabadas de otros lugares, pero bueno, es "Wheels on Fire Live at Fillmore"). Éstas grabaciones en vivo incluían dos versiones de canciones populares del Blues: "Crossroads" de  el legendario Robert Johnson y una fojísima y larga versión de la mítica "Spoonful" del maestro Willie Dixon; éstas versiones junto con "Traintime" (compuesta por Jack Bruce) en donde Jack desmuestra sus impresionantes habilidades con la Armónica y la muy pedida y extensa "Toad" en donde muy al estilo de Moby Dick (Led Zeppelin) el efectista de Ginger Baker ejecuta un tremendo sólo de batería de casi 15 minutos de duración, fueron incluidas en éste lado del disco.

A mi parecer Wheels on Fire es un muy buen trabajo pero no supera al Disraeli Gears y una de las cosas más interesantes de éste disco es el "Wheels on Fire Live at Fillmore" o el B-Side.Claro que el contendio del álbum de estudio no seja de ser interesante y de calidad pero llamó más mi atención las versiones en vivo de ésta banda.Wheels on Fire escompletamente imprescindible para adentrarte en Cream, es uno de sus mejores y más logrados trabajos de la banda y vale la pena darle una escuchada para así poder abrir la boca acerca de Cream.

                                         TRABAJO MUY RECOMENDADO.

Colin Bass

An Outcast of the Islands, 1998/Inglaterra.                   
Crossover Progressive.

"Sabah Habas Mustapha" o para mí y como debe ser: Colin Bass, es uno de los más grandes músicos británicos que sobre la tierra han puesto sus pies, desarrollando su capacidad principalmente en el Bajo, Colin trabajó un largo periodo con la legendaria banda de Andrew Latimer, CamelColin Bass se desarrolló con Camel en lo que podemos nombrar como la segunda parte de la carrera musical de ésta banda, desde 1979 con el "I Can see your house from here", partiendo de éste álbum para después colaborar con muy importantes trabajos discográficos de Camel y volviendose entonces gran compañero y miembro permanente de la banda de Latimer.A mi parecer Colin Bass le fué una sumamente importante herramienta musical y uno de los hombres clave en la armoniosa melodía de trabajos excelentes de Camel por ejemplo el impresionante RAJAZ.


En 1998 Colin decide grabar lo que podría llamarse su primer álbum como "Solista" y más que referirse a que el sólo hizo todo con la palabra, se refiere a que la mayor influencia y la responsabilidad ideológica para la estructura de las canciones recae en   él, en este caso recae en Colin Bass pero lo mejor y lo que hizo a éste álbum una maravilla es la imponente y muy destacada colaboración de músicos de Camel y obviamente pensamos principalmente en el centro de ésta banda, el fantástico Andrew Latimer (aplausos); además de la participación de algunos excelentes músicos de bandas Polacas de Neoprogresivo y por si no fuera suficiente el álbum incluye pequeños y elegantes interludios orquestales creados por la Orquesta Filarmónica de Ponzan (Polonia).A pesar de que el álbum ha sido encasillado  por su clara influencia en el progresivo y su notable extensión de las raíces de Camel, en el subgénero del Rock Progresivo llamado "Crossover" (básicamente el subgénero que tiene como epicentro una estructura mucho más digerible o "Pop" pero sin dejar las raíces del progresivo) es dífil poder encerrar el contexto musical de An Outcast of the Islands en algún género, pero dejémoslo en Crossover Prog.;El álbum enfoca su sonido en una rara mezcla del Progresivo "Pop" que algunas bandas como Camel manejaron en 1980 con excelente melodía y romanticismo en el que se imprime la escencia de Camel indudablemente.

El álbum abre con un hermoso instrumental que recuerda a los tiempos de Camel en 1970 y sí, Latimer nos recuerda que sigue vivo él y su guitarra: "Macassar" es el nombre del instrumental, después de éste bello preludio o más bien bella introducción al sonido del álbum, continuamos con la eternamente bella "As far as can you see" para pasar a la primera instrumentación por parte de la orquesta llamada "First Quartet", la melodía y la tremenda imágen de gran composición armónica entre los instrumentos se sigue revelando con "Goodbye to albion", "The straits of Malacca" y "Aissa" para dar paso a una de las más sorprendentes composiciones de éste trabajo y no porque contenga un virtuosísmo impresionante o Sincopas sino porque  "Denpasar Moon" tiene un sonido bastante rítmico pero tonos que pueden que nos remitan a un ambiente gitano y mucho más étnico, fuera de eso el sonido es bastante digerible, la estructura de la canción es básica pero ésto no lo hace mala composición, es al contrario una de las mejores baladas compuestas por éste gran músico."Second Quartet" otro de los elegantes interludios orquestales, "No way back" y después "Holding out my hand to you" que en verdad que desde la primera vez que escuché ésta canción me di cuenta completamente de la fantástica expresión que éste álbum refleja.Es una romántica y realmente emotiva composición (la mejor del álbum, para mí) el ritmo es muy bien marcado por la batería, los arreglos del órgano de Zbyszeck Floreck son realmente maravillosos, la melodía en la composición lírica es simplemente impactante, pero además del lento y disfrutable tempo en el que la mayoría del tiempo la canción corre, ésta guarda una sopresa y esa sorpresa es un tremendo y dinámico cambio de rítmo al minuto 4:48 que remonta a los tiempos excelsos del Progresivo de 1970 y el responsable de ésto es el maestro de maestros Andrew Latimer que, como siempre, impone con un colosal sólo de guitarra que hace vibrar hasta la última parte de tu cuerpo (muy recomendada pieza).

Continuamos con el último arreglo y el más bello por parte de la Orquesta: "The Outcast"; 3 minutos y 27 segundos de duración , de bellísimo ambiente y completo suspenso para "romperte" las espectativas posteriormente con la inesperada entrada de otra de las excelentes composiciones de éstos músicos "Burning Bridges" y me he preguntado: ¿En qué demonios pensaban cuando compusieron ésta inigualable pieza?...entrando con un excelente arreglo en la batería dispuesto a llamar la atención de los que tocan éste instrumento, la batería marca el contundente ritmo bajo el teclado de Floreck, el rítmo logrado en ésta pieza es asombroso, el sonido es ya un poco más "pesado" a comparación de piezas anteriores como "As far as can you see" el sonido ya nos envuelve más en una escena de Rock progresivo neto pero la esplendida melodía sigue sin sucumbir."Reap What You see" otra de las bonitas baladas para calmar la euforia que causó "Burning Bridges" , finalmente el álbum cierra con una bonita canción únicamente con guitarra acústica bajo un lindo arpegio y una bonita composición lírica cierran el telón del teatro de una muy buena manera.

En general An outcast of the Islands no es un disco que deban escuchar personas con gusto en específico, me refiero a amentes del progresivo o no amantes del progresivo, tenemos bien claro que este disco es una saliente de éste génro pero es completamente digerible para cualquier amante de la hermosa melodía en la música, El trabajo es una obra maestra y es completamente imprescindible, mejor aún si ya conocías los trabajos de Camel y el trabajo de Colin y Latimer en conjunto.

                         OBRA MAESTRA, ALTAMENTE RECOMENDADA

Roger Dean

Pintor/Arquitecto/Publicista 

Roger Dean es un pintor inglés que inició su trabajo artístico alrededor de la primera mitad de 1960 trabajó constantemente en el "Artwork" de diversas producciones discofráficas de algunas grandes bandas de Rock Progresivo en 1970 como con Yes y/o Gentle Giant por ejemplo; el gran caracter orgánico y fantástico que Dean lograba imprimir en sus obras pictóricas logró influir en en concepto musical de algunos de los albums sobre los que trabajó, el ejemplo más claro quedó impregnado en alguno de los más representativos tarbajos de Yes en los que lograba conectar la fantástica idea sonora de la música de ésta agrupación con los oníricos,extravagantes futurístas y fantásticos paisajes con arquitecturas impresionantes que Dean pintaba.
En honor a uno de los artístas gráficos que más impactaron dentro del contexto musical de 1970 en adelante, he decidido adjuntar algunos de sus mejores trabajos con los pinceles:


Roger Dean  

Clive Nolan & Oliver Wakeman

The Jabberwocky, 1999.
Progresivo/Sinfónico                                        

Como bien todos sabemos (o deberíamos saber) Charles Lutwidge Dodgson o bien mejor conocido en todo el mundo como Lewis Carroll autor de la famosísima novela Alicia en el país de las maravillas (Alice in wonderland), fué uno de los escritores ingleses más importantes dentro de la historia de la literatura mundial y además de escribir Alice in wonderland, Carroll escribió uno de los mejores poemas fantásticos y curiosamente polémico por su "carencia de sentido" o coherencia (por el simple hecho de la inclusión de palabras que nunca se habían visto, cierto tipo de "neologísmos" inventados por Carroll para éste poema),la obra fué llamada "The Jabberwocky", ésta al mismo tiempo fué incluida por él mismo en Alice in wonderland (Trough the Looking Glass) siendo parte de una escena en ésta novela. 
Imprimiendo el contexto del poema (temática) con mis propias palabras, he supuesto que éste trata básicamente de una distorsionada historia mediaval de un joven aventurero que se adentra en la boca de un gran bosque para enfrentar a una de las creaturas más problemáticas y feroces en el poblado: "The Jabberwock".

En 1999 el tecladista de Pendragon y el hijo de Rick Wakeman (súper tecladista que grabó importantes trabajos con la legendaria banda de rock progresivo: Yes), Oliver Wakeman formaron junto con una gala de grandes músicos un gran trabajo discográfico conceptual basado en éste mítico poema de Lewis Carroll bajo el título del mismo (The Jabberwocky). The Jabberwocky es un impresionante álbum perfectamente pensado para poder incluir estrofas del poema entre las canciones (narradas por Rick Wakeman), el contenido musical de álbum desarrolla perfectamente las letras del poema en magníficos arreglos sonoros sobretodo por el destacable y tremendo trabajo de los dos tecladistas dentro de todas las canciones. El álbum logra atrapar perfectamente la escencia del poema, si conoces la historia y conoces algunas imágenes y estrofas importantes de ésta podrás alinear muy bien momentos de la obra musical con la obra literaria, porque además de la narración de Rick Wakeman algunas personas interpretan textos de los personajes más importantes del poema como: Bob Catley (The Boy), James Plumridge (The Jabberwock), Tracy Hitchings (The Girl) y Paul Allison como "The Tree".

El sonido de el trabajo discográfico concentra su escencia en las influencias del Rock Progresivo de 1970 de Oliver Wakeman y las poderosas tendencias del Neoprogresivo de Clive Nolan, el sonido captura cierto aroma fantástico medieval.En cuanto a la estructura, la ejecución, y la composición musical puedo opinar que me parece fantástica (músicos de calidad), el trabajo en los teclados es impresionante, el trabajo vocal es sutíl y armonioso, el manejo sinfónico es espectacular, la técnica en la ejecución de los arreglos de guitarra Peter Banks (primer guitarrista de Yes) es indiscutible aunque ligeramente escaso.El álbum contiene una estructura musical tan similar entre las canciones, que el álbum puede pasar como una sólo pieza musical de larga duración, es decir es un excelente trabajo conceptual aunque creo que para algunas personas podría parecerles algo pesado o tedioso de escuchar. Para mí es un albúm impresionante sobre todo porque conosco el contexto de la obra de Carroll,es un trabajo bastante interesante y creo que es un maravilloso tributo musical a la impecable e importante obra de éste escritor.

                                         TRABAJO MUY RECOMENDADO.

Chick Corea

Return To Forever, 1972.                                                           
Jazz/Fusion

Siendo uno de los mejores Pianistas que se han involucrado de una manera arriesgada con el Jazz y las impresionantes fusiones impresas en éste género, Chick Corea ha sido uno de los más grandes músicos que han puesto sus pies sobre la tierra.Desde muy temprana edad Corea empezó a involucrarse dentro del mundo musical y siendo más específicos, dentro del Piano.Las influencias Jazzísticas que Corea tomó fuerón posteriormente importantes para la colaboración en el desarrollo de un subgénero que, desde mediados de los 60' y principios de 1970 brillaba con intensidad: Jazz/Fusión (o bien, "Jazz Rock") el nombre de éste género fué propuesto por primera vez por el productor discográfico y crítico Denis Preston.El subgénero adjudica la fusión de ya desarrollado y conocido Jazz (Bebop, Hardbop, Cool, etc.) con algunas de las influencias de éste como la Bossa Nova o como el denominado HOT, ritmos latinos con influencias primitivas Africanas ésta fusión o mejor dicho: éste retomar de géneros primitivos acentúan el olvido del Swing que fué lo que le dió el sabor al Jazz que ya conocemos de Art Blakey, Guillespie o Charlie Parker entre muchos más músicos.

En 1971 Chick Corea y su asombroso virtuosísmo, decíde formar una súper agrupación con músicos de gran calidad: Return To Forever, una banda que estaba dispuesta a la tremenda fusión del Jazz y sus raíces junto con una improvisación destacable y muy apegada al Rock Progresivo. La agrupación estaba formada originalmente por el bajista Stanley Clarke, Joe Farrel en los vientos (sax, flauta), Airto Moreira en la batería y la colaboración vocal de Flora Purim (esposa de Moreira) que es la especialidad que retoca finalmente la música de la banda para darle el toque latino, todos ellos liderados por su puesto por el impresionante teclado de Chick Corea. Posteriormente la banda sufrió importantes cambios en la alineación con un guitarrista (Bill Connors) y el cambio de baterísta por el impresionante Lenny White; Connors fué posteriormente sustituido por la maravilla de músico Al Di Meola que le daría a Return to forever & Chick Corea una alineación legendaria.

Éste trabajo discográfico de título homónimo fué el primer álbum grabado con la alineación original de Chick Corea.Musicalmente el álbum es maravilloso, los ambientes musicales van desde largas y complicadas experimentaciones hasta cabales rítmicos sumamente interesantes con toques de Bossa Nova e influencias latinas, instrumentaciones sincopadas del Saxofón y la Flauta de Farrel, claras influencias Jazzísticas en la batería de Moreira, una hermosa voz de Flora que acentúa perfectamente los hermosos arreglos de Corea.En general es un álbum que refleja la imponente serendidad y al mismo tiempo la complejidad del arriesgado subgénero, un trabajo fantástico, muy disfrutable y sin duda bastante interesante.

                           TRABAJO INTERESANTE Y MUY RECOMENDADO


También recomendados (posteriormente reseñados):
_Light as Feather, 1972.
_Hymn To The Seventh Galaxy, 1973.
_Romantic Warrior, 1976.


Charlie Parker

Jazz/Bebop 
1920-1955

Creo que todo aquel que en algún momento de su larga o corta vida a abordado el atrevimiento de poder declararse amante o bien "gustoso" del Jazz, ya debió entonces aquella persona haber escuchado a uno de los más, influyentes, impresionantes y magníficos músicos de Jazz o de Bebop (más específico) que han puesto los pies sobre el campo de la maravillosa música...

Charles Christopher Parker, Charlie Parker alias el respetado "THE BIRD".Charlie Parker fué un jóven que desde sus más tempranos años de vida estuvo educado con una impresionante cultura musical por parte de sus padres y por parte de todo el contexto musical que en New York se desenvolvía ya para 1930 y claro que me refiero a el Jazz y al Swing, además de su posteriormente desarrollada pasión por el instrumento (Saxofón Alto) ;Charlie fué convirtiendose en un gran y respetado músico gracias a su dura y pasional rutina de práctica a la que se sometía; claro que Charlie Parker no tenía una vida fácil pero en base a esto se convirtió en una gran figura.Su asombroso y veloz estilo al momento de ejecutar el Sax impresionó a los grandes músicos con los que tuvo oportunidad de codearse: el impresionante Bud Powell y Dizzy Guillespie que en conjunto con el genio Parke fueron los inciadores del subgénero del Jazz: Bebop, que se caracterizó por la impresionante velocidad de ejecución y la improvisación completa que se oponía a el estructural Swing; Charlie llegó incluso a tener colaboraciones musicales con Miles Davis y con Thenolious Monk. Lamentablemente Charlie declinó absurdamente su carrera musical que para la primera mitad de 1940 estaba en pleno esplendor debido a su ya arraigada adicción desde la adolescencia con la Heroína.

El artísta del Saxofón, una leyenda, uno de las personas más creativas y geniales musicalmente hablando que indudablemente vale la pena escuchar si es que piensas convertirte en amante del Jazz y que debiste haber escuchado si te dices ya amante de éste, uno de los géneros más imprescindibles para la historia de la música.

Recomendaciones discográficas:
_The gratest jazz concert ever, 1953.
_The quintet'.
_The Essential Charlie Parker (unofficial).

Caravan

If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You, 1970.                    
Progresivo/"Cantenbury"                                                                          
Caravan fué una de tantas bandas iglesas formadas en los inicios de la gloriosa década de 1970 para el Rock Progresivo, ésta agrupación estaba formada originalmente por Richard Coughlan, Richard Sinclair, Pye Hastings y Dave Sinclair,todos éstos integrantes formaron parte anteriormente de una banda de Rock Psicodélico que junto con más músicos, incluído en gran Robert Wyatt, se hacían llamar Wilde Flowers y así mismo tras la disolución de ésta se formó Caravan.Ésta agrupación formó parte de la lista de bandas que según los críticos recae dentro del "Sonido de Cantenbury" género y clasificación de la cuál ya había dado mi opinión en las publicaciones de Camel.


Caravan fué una de las bandas iniciadoras del Rock Progresivo en 1970 por la clarísima influencia jazzística de cada uno de los grandes músicos, por el uso de complejos compases musicales y por el vanguardísta y "avanzado" sonido que pudieron lograr.If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You, es el segundo y uno de los mejores trabajos discográficos de Caravan grabado en 1970; el álbum nos introduce dentro de un sutíl y elegante virtuosísmo el cual está envuelto en un color muy particular del sonido que Caravan manejó aún algunos años adelante, uno de los  responsables de la particularidad sonora es el excelente tecladísta Dave Sinclair.Éste trabajo discográfico de Caravan es un pieza muy importante porque es un ejemplo claro del sonido que "ya no quiere ser parte del Rock Psicodélico de 1960 y ya quiere irse trasformando en Rock Progresivo de 1970", es claramente la transformación musical de las bandas que se encontraban dentro de ésta consecuencia del vanguardismo.Él contenido y la calidad de composición tanto lírica como musical es impecable, saxofones agresivos, flautas bellísimas, la técnica en la ejecución musical es inigualable; piezas como "Hello Hello","Can't Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock" y "A Day In The Life of Maurice Haylett" hacen de éste trabajo una gran pieza llena de contrastes y matices maravillosos que es imprescindible dentro de la historia del Rock Progresivo.

                                     OBRA TOTALMENTE RECOMENDADA.
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In The Land Of Grey And Pink,1971.
Progresivo/Sinfónico/"Cantenbury"                                                         
Después de su anterior e inovador álbum, en 1971 Caravan decide grabar lo que sería su tercer disco bajo una llamativa portada: "In the land of grey and pink" es un disco conservador que aún sigue mantienendo la cálida escencia de los trabajos anteriores de ésta banda pero claro que esxcisten diferencias en torno por ejemplo a la calidad del audio, ligera diferencia en la técnica dfe ejecución y estructura musical.Al igual que en su antecesor álbum, el calor psicodélico sigue latente en In The Land Of Grey And Pink pero además de la latente psicodélia, el álbum maneja sonidos algo fantasiosos y en ciertos momentos infantíles pero sarcásticos, por ejemplo en piezas como la primeriza "Golf Girl" (Group Girl) que inicia con una trompeta con un toque cómico y termina con un bonito solo de flauta, sin embargo el trabajo discográfico no deja atrás sus raíces o influencias Jazzísticas "características del cantenbury" sobre todo por la sustitución del antiguo tecladista Dave Sinclair por el igualmente excelente Steve Miller; desde el momento en el que observas la portada del álbum, éste nos da toda la impresión del fantasioso mundo en el que nos va a introducir éste al mismo tiempo con la genialidad de éstos músicos.


La improvisación es uno de los temas centrales en éste álbum sobretodo dentro de "Nine Feet Underground", la pieza es una obra maestra del álbum, con una duración de 22:30 (aproximadamente) y bajo diversos cambios de ritmo, ésta pieza incluye a lo largo impresionantes jams de diferentes intrumentos inluyendo saxofón e intrumentos de viento; la pieza puede ir desde momentos muy sucios (musicalmente hablando) hasta momentos de completa claridad y sinfonía que reflejan enteramente una vez más la calidad de los cuatro integrantes, Nine Feet Underground es el claro contraste entre las análogas composiciones de Caravan en éste trabajo y las composiciones mucho más apegadas al Free-jazz.


Caravan es una muy impresionante banda por la capacidad inovadora y por su impresionante versatilidad en cuanto a composición musical, el cálido sonido que ésta banda popularizo fué sumamente influyente dentro del Rock Progresivo.Para mi punto de vista la pieza "In the land of grey and pink" es la mejor composición dentro de éste su tercer trabajo discográfico pues posee una magnífica forma estructural al momento de componer la canción, posee fantásticos arreglos de Steve Miller en los teclados, el bajo es  sumamnete rítmico y la batería junto con éste maneja un agradable y ligero destiempo por cada cuatro tiempos que me encanta seguir y una de las cosas más sobre salientes es la bella compocisión lírica de ésta incomparable pieza.

En general In The Land Of Grey And Pink es un álbum que deja mucho de que hablar, es un disco inovador y arriesgado, es así mismo el trabajo más conocido de Caravan pero no por ésto el álbum deja de ser una obra maestra primitiva y escencial en la amplia colección del libro del Rock Progresivo.


                                    TRABAJO ALTAMENTE RECOMENDADO

Captain Beyond

Captain Beyond, 1971.
Rhythm & Blues/Hard Rock                                                
En los inicios de la primera mitad de la década de 1970 muchas bandas (no todas) en diferentes partes del mundo comenzaron a evolucionar el sonido del Rock Psicodélico para convertirlo en algo mucho más contundente y poderoso gracias a las influencias del Rhythm & Blues, Rock & Roll, Free Jazz y el Electric Blues (posteriormente se trasformaría en Rock Progresivo). Éste fué el caso de un llamado "supergrupo" formado en Estados Unidos y que anadaba bajo el nombre de Captain Beyond, la agrupación estaba alineada por diferentes músicos que anteriormente habían estado en bandas "reconocidas": Liderado por el vocalista Rod Evans ex Deep Purple, en la guitarra Larry Reinhardt de Iron Butterfly, en el bajo Lee Dorman igualmente de Iron Butterfly y en la batería el fantástico Bobby Caldwell que anteriormente había trabajado con el "Bluesman Alvino" o mejor conocido como Johnny Winter.La alineación era muy prometedora y claro que así como prometía, cumplió.

Muy en lo personal siempre me he declarado fan del aquel peculiar sonido Hard Rock con insinuaciones progresivas que se desarrolló en la primera mitad de los setentas; tajantes cambios de velocidad, guitarras devastadoras, baterías poderosas, veloces y complicadas, una potente voz, letras muy "juveniles" y "vale madres", asombrosas líneas de bajo, hammond a todo lo que da y sobre todo un ritmo impresionante.

"Captain Beyond" es el primer trabajo discográfico de la agrupación con un título evidentemente homónimo, el álbum es una pieza maestra sin embargo en su época no pudo ser tan ámpliamente difundido como algunos otros álbums de bandas más populares, fué hasta despúes (como siempre) que a Captain Beyond se le consideró como una agrupación de "culto" por la ya antes mencionada calidad de composición y contundencia en sus piezas.Bajo una impresionante pintura de Joe Garnett, el álbum está compuesto de 11 piezas y pareciera que éste es un álbum conceptal pues en cierto grupo de canciones fué utilizada la técnica de grabación entre las canciones llamada Non-Stop (la misma utilizada por ejemplo en el Dark Side of the moon) que no permite la diferencia audible entre cada cambio de cancíón.Todas y cada una de las piezas musicales manejan un increíble trabajo por parte de estos músicos pero sin duda la canciones que se llevan el premio son "Dancing Madly Backwards (On A Sea Of Air)" con un trabajo impresionante en la guitarra de Larry al igual que en "Mesmerization Eclipse" más un asombroso trabajo en la batería de Caldwell y "Thousand Days Of Yesterday (Time Since Come And Gone)" que es una pieza más rútica pero igual de poderosa.

En general el álbum es enteramente fantástico y no cabe duda que es una gran pérdida para aquellos que no han podido disfrutar aún de esta maravilla musical, he leído ya en varias partes que a éste disco se le considera parte elemental del Rock Progresivo sin embargo yo creo que eso es una completa mentira ya que existe una diferencia clarísima entre lo que Captain Beyond hizo en éste álbum y lo que Camel hizo en el Moonmadness (mucho más sinfónico) por ejemplo.
                  
DISCO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.
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Sufficiently Breathless, 1973.
Fusión/Rhythm & Blues                                                         
Después de dos años y tras la notable separación de el baterista Bobby Caldwell por el mismo problema de la lamentable y escasa difusíon de el trabajo musical elabroado en su disco homónimo, Captain Beyond sustituyó la perdida de éste integrante por el bateísta de orígenes latínos Marty Rodriguez además de la nueva y perfecta colaboración del tecladista Reese Wynans y el percusionista Guille García escencialmente en instrumentos membráfonos como los Yembés entre otros.La importante participación de éstos músicos le dió a Captain Beyond contrastes muy diferentes a los colores manejados en el disco antecesor del 71.Es muy notorio en éste nuevo trabajo musical influencias latinas (al igual que Blues Image) muy parecidas a las popularizadas por Carlos Santana en 1970.

Suficciently Breathless muestra un sonido mucho más calido y tranquilo pero de la misma calidad y escencia con la que trabajaban Larry, Dorman y Evans, aquel toque contundente y preciso que es tan agradable; la mezcla de las influencias de los nuevos integrantes convirtieron el ambiente musical sobre todo por la melodía de las canciones matizada con el nunca antes escuchado en ésta agrupación sonido de un órgano y de los casi siempre presentes Yambés de García, y ésto no está para nada mal, nos refleja destellos menos "agresivos" y nos demuestra tonos mucho más rúticos y tranquilos.En escencia éste álbum es enteramente Captain Beyond aún y no tiene nada que envidiarle al primer álbum desde mi opinión.La capacidad creativa de Rod Evans sigue siendo impresionante al igual que la mejora técnica en los demás músicos (sobretodo en Larry Reinhardt).

El álbum está campuesto de ocho canciones originalmente cuatro por lado del disco vinil entre las que puedo acentuar varias impresionantes composiciones como la primeriza "Bright Blue Tango", "Distant Sun" en el que asombra el trabajo de García en las percusiones de apoyo al igual que en la maravillosa y dinámica "Drifting In Space" que discute el ser la mejor canción con la fantástica pieza que le da el título al álbum: "Sufficiently Breathless" ésta es una de las mejores canciones del álbum si no es que la mejor...el trabajo en la guitarra acústica conduce con arreglos muy bien estructurados que contrastan perfectamente con la voz de Evans mientras las disfrutables percusiones de García le dan un toque especial y muy rítmico canalizando el sonido hasta llegar al impresionante y trabajado sobre efectos electrónicos sólo de guitarra de Larry "Rhino" Reinhardt; "Sufficiently Breathless" es la más serena y melodiosamente hermosa composición musical de Captain Beyond que definitivamente logra atraparte en total calidad y calidez sonora, muy admirable de éstos músicos que desafortunadamente continuaron con su proyecto hasta 1976 y ya sin la participación de Rod Evans.

                           DISCO MUY RECOMENDADO, EXCELENTE.