Fraction

Moon Blood, 1971/E.U.A.
Acid/Hard Rock [Infl.Blues]

Otra de las raras gemas de los tempranos 1970. Fraction es otra de las bandas que seguían curiosamente una línea estilísitica en su sonido para principios de 1970, como Atomic Rooster, The Doors, Captian Beyond, Hairy Chapter, Warhorse, por nombrar algunos de esta gran gamma de agrupaciones. Un sonido crudo, con toques psicodélicos aún, solos de guitarra agresivos, voces poderosas, etc.. Fraction fue una banda que, como muchas otras desafortunadas, sólo pudieron grabar un álbum debido a cuestiones de oportunidad, apoyo y difusión. Sin embargo si pudiese sustituir a una banda afamada por Fraction sería a The Doors a propósito de sus issues. La banda estaba liderada por el impresionante vocalista Jim Beach que en algún tiempo tuvo algunos roces con Jim Morrison en el escenario y claro, si existiera alguien que pudiese destruir la fama de Morrison, sería Jim Beach si de cuestiones cualitativas se tratara. Pero, ¿Por qué The Doors?...en repetidas ocasiones fue comparada la agrupación de Jim Beach con la de Morrison, ya que seguidores y críticos encontraban una extrema simulitud en su ambiente, desde los rangos vocales de Beach hasta las formas e influencias de sus composiciones. No obstante a dichas comparaciones creo que el Moon Blood de Fraction, grabado para 1971, y perdido para siempre, podría derribar sin problemas tres álbumes de The Doors juntos. El poder de Fraction es impresionante, su música se puede sentir mucho más sincera a pesar de la pobre produccion del álbum.

El sonido de la banda oscila entre virtuosismo y una melodía majestuosa, una perfecta combinación entre energía y pasividad, tal es el caso de "Eye of The Hurricane". Cambios repentinos, Blues, la poderosa y sensible voz de Jim Beach, guitarras devastadoras que también matizan con sutilezas, una ejecución en las percusiones sentencial al igual que la de las poderosas líneas de Bajo. Sin más, un Rock crudo y energético en contraste con hermosa melodía es el sonido que caracteriza a Fraction, y el sonido que hace una varavilla de su álbum Moon Blood, una de las más maravillosas obras perdidas de los tempranos años de la década de 1970. Algunos dicen que tal vez el Moon Blood es el disco que The Doors siempre quisieron grabar. Poder irremediable, absoluta recomendación.


Por: Michel Loeza.
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The Advancement

The Advancement, 1969/E.U.A.
Jazz Fusion/Jazz-Rock [World Music]

Tras una interesante y bonita portada se esconde la agrupación de finales de 1960: The Advancement. Conformada por músicos de alta reputación en diversas escenas del Jazz de mediados de la década, The Advancement es una agrupación que a nivel artístico logro un fuerte impacto con su obra homónima pero que a nivel comercial logró un lamentable y casi nulo usufructo, cuestiones de difusión, de producción o a veces hasta cuestiones regionales son influyentes en la forma de elevación comercial y de lucro musical no obstante a que muchas de las veces existían y existen agrupaciones con una calidad compositiva incluso más interesante y jugosa que algunas de las bandas más comerciales, y actualmente este problema sigue siendo un temor para los músicos independientes. The Advancement fue formada en el mismo año de grabación de su álbum por el percusionista Hal Gordon y el bajista Lou Kabok, posteriormente se fueron reclutando un conjunto de excelsos músicos que concretarían el peculiar estilo del sexteto. La peculiaridad del sondio de The Advancement y su escasa atención recae en la temporalidad en la que se desarrolla, pues para 1969 el resultado del trabajo de las agrupaciones constitía básicamente en la Psicodélia en boga y en los sonidos apáticamente aturdidores. A causa de estos factores externos, la agrupación llegó a su casi inmediata disolución póstuma a la grabación del trabajo discográfico.

La propuesta rasga la vanguardia musical estilística y técnicamente virtuosa sin caer en la exageración; es notable un impresionante eclecticismo en las formas musicales, siendo únicamente instrumental la música de la agrupación (a excepción de "Stone Folk" donde sólo se usan coros) se puede notar una importante influencia del Jazz con vertientes como el Latin Jazz o el Hot Jazz (aún no tan desarrollado para tal época), un poco de Folk, algunos tintes de Rock más austero con guitarras distorsionadas, sonidos étnicos de Asia Occidental y Oriental , sonidos típicos de la técnica española en la guitarra, etcétera. Al igual que el sincretismo musical en la obra de esta banda, es muy sobresaliente el uso de una instrumentación variada que entre su diversiadad es muy caracterítico el sonido de un Vibráfono, casi siempre presente y a veces como una singular representación de la ausente voz, creo yo. Flautas, Pandero, Teclados, Contrabajo, Percusiones, Guitarra, Bajo Eléctrico, Armónica son también parte del ambiente de The Advancement, un sonido bastante agradable que no está ni estuvo en algún momento por debajo de los estándares de calidad musical. Un disco altamente recomendado y que debería ser considerado dentro de colecciones musicales con verdadero aprecio a la música bien lograda. Una Joya de los ya casi muertos 1960.


Por: Michel Loeza.
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Fresh Maggots

Hatched, 1971/Inglaterra.
Folk/Acid Folk

Fresh Maggots es otra de las agrupaciones perdidas de Folk Inglés durante finales de 1960 y principios de 1970. Poca difusión y sobresaliente similitud con el sonido de la escena. Pero vaya, entre grupo y grupo de Folk ¿que tanta diferencia pudiese haber?. No obstante a esta similitud prejuicial Fresh Maggots logró conseguir un peculiar sonido que sin exgararlo logró marcar una sutil línea entre la rectitud del género sobre el que trabajaron y la peculiaridad y el estilo de su sonido. Forma imponente que consiguió considerárseles por muchos actualmente, una de las agrupaciones de culto dentro del Folk más influyentes, principalmente para gran parte del sonido actual en inglaterra. Las tierras del condado de Warwickshire en Inglaterra fueron las que vieron nacer a Mick Burgoyne y a Leigh Dolphin, dúo de intrumentistas que conformó Fresh Maggots y que únicamente lograría grabar su disco homónimo para principios de la década de 1970. El sonido de Fresh Maggots se mueve entre las sutiles formas del Folk tradicional inglés y el Folk-ácido infludio por la Psicodélia de la época. El uso de diversos intrumentos es notable, flautas, pandero, glockenspiel, un hermoso violín que se hace presente en algunas piezas para armonizar a la perfección, una armoniosa voz que sin mucho color matiza, y obviamente, las guitarras pioneras de ambos músicos que a veces combinan el sonido acústico con guitarras distorsionadas con un fuzz agresivo, característica que resalta el sonido tan peculiar del dúo. El álbum está lleno de piezas que van desde la completa serenidad y bella melodía, hasta piezas que tienen ritmos bastante pegajosos y alegres, cambios repentinos y dinámica impresionante de este par de excelentes músicos. A diferencia de bandas como Trees, Forest, Comus o The Incredible String Band, Fresh Maggots logra desengancharse un poco más del sonido "Medieval" o Pagano que estas agrupaciones solían considerar. Fresh Maggots es un álbum al que vale la pena echarle un vistazo, y un álbum que sorprende tras el prejucio de considerar a veces el Folk inglés de la época como tedioso y pedantemente análogo. El álbum además en su grabación original incluye una pequeña lista de piezas como bonus tracks grabadas en vivo. Recomendación absoluta y pieza esencial para seguidores del Folk en general.

Por: Michel Loeza
Descarga: Fresh Maggots (Rapidshare)

Paul Horn

Inside The Great Pyramid, 1976/E.U.A
Ambient/New Age

Se trata esta vez de Paul Horn, músico que dentro de una formación familiar musical, desarrolló primitivamente excelsas habilidades en el piano y posteriormente en instrumentos de viento. Habiéndose quedado un perdiodo en el Saxofón, Paul Horn interiorizó en agrupaciones de Jazz Yorkino entre la primera y segunda mitad de 1960. Para finales de 1960, y entre el auge de la Psicodélia y de los comienzos la música anímica, Horn decide grabar un trabajo de solo flauta dentro de la maravillosa estructura del Taj Mahal, considerolo una experiencia puramente estética. Tras su gran éxito alrededor del mundo, Paul Horn inicia una serie de "turismo musical" para combinar los sentimientos étnicos de las locaciones con los sentimientos personales de su música. En 1976 decidiría concretar uno de los atrevimientos más grandes de su carrera: grabar dentro de la mayor pirámide de la necrópolis de Guiza en Egipto, la pirámide de Jufu o Keops. El trabajo está básicamente pensado en, al igual que dentro del Taj Mahal1, hacer una especie de performance con solo una flauta transversal, dejando que la acústica del lugar matice naturalmente los sonidos de Paul Horn.

El álbum está dividido en cuatro movimientos: Iniciación, Meditación, Ilustración y Cumplimiento; cada parte dividida en: una invocación y 7 salmos, 6 salmos, 6 salmos y 8 salmos respectivamente. Durante toda la duración del álbum, y es más, desde el primer movimiento es posible notar cierta intriga, por la gran cantidad de misterio sonoro que rodea todo el trabajo, la serenidad de los sonidos de la flauta  con su reverberación natural dentro de la Cámara del Rey de la pirámide, envuelven en un manto de completa incertidumbre logrando una perfecta recreación aural de el estado físico de la estancia dentro de este tan impresionante monumento. Es casi imposible poder describir la sutileza del sonido de la flauta de Paul Horn dentro de la pirámide y durante todo el desarrollo del álbum, sin embargo el trabajo está cargado de un mecanismo tan sensibilizador que al combinarse con la contextualización que se abstrae mediante el conocimiento de los aspectos espacio-temporales donde fue creada la obra, el escucha engendra un sentimiento de belleza enajenadora y de fuerza tranquilizante. Sin duda alguna Inside The Great Pyramid es una obra de tallas magnas y que sin más preámbulos es necesario que sea escuchada por cualquier seguidor de el preciosismo en el arte. Absoluta recomendación.


1_Inside the Taj Mahal, Horn Paul/1968.
Por: Michel Loeza.
Descarga: CD 1
                 CD 2
                 CD 3

Asia Minor

Between Flesh and Divine, 1981/Turquía.
Progresivo Sinfónico

La cohesión del Rock Progresivo para finales de la década de 1970 comenzaba a ser más incongruente y a centrar la mirada en las nuevas tecnologías que para 1980 revolucionarían la manera de hacer música, así como el sonido de esta. Muchas de las bandas icónicas del Rock Progresivo en el mundo comenzaban dando los primeros pasos en sus periodos de decadencia en cuanto a creatividad y virtuosismo (1980), lamentablemente el perdiodo de máximo esplendor de muchas de las bandas fue de unos pocos años durante toda la primera mitad de 1970 y gran parte de la segunda, no obstante a esto y no generalizando, para 1990 hubo una notable recuperación. Asia Minor fue una banda originaria de Turquía que para finales de 1970 tenían una visión muy centrada y conservadora de su creación, sin embargo los escasos medios de difusión en su tierra los obligaron a viajar a Francia para ahí poder grabar y difundir su música. Una vez estando en Francia deciden grabar para 1979 su primer álbum "Crossing The Line" y en vista del poco éxito graban para 1981 "Between Flesh and Divine" , último disco oficial  que marcaría para siempre su impresionante estilo. El sonido de Asia Minor en "Between Flesh and Divine"  habla de una fuerte influencia del sonido tradicional de las bandas que pulieron el Rock Progresivo como Camel y King Crimson, el sonido de esta agrupación es una muy inteligente mezcla de virtuosismo incomparable con hermosas melodías que a veces tienen toques étnicos, puntos que caracterizaron siempre al estilo sobre el que trabajaron.

Asia Minor se trata de una agrupación con músicos de medidas cualitativas colosales que en conjunto fueron capaces de crear uno de los discos más hermosos en toda la absoluta historia del Rock hasta nuestros tiempos, un ejemplo claro de la potencia ingenieril y creativa del artísta. El álbum está lleno de hermosas melodías matizadas con asombrosos arreglos y precisión de cada uno de los instrumentos, flautas flotantes, baterías y líneas de bajo sumamente dinámicas y complicadas por Lionel Beltrami y Robert Kempler1, teclados de que desde crear pasajes atmósfericos impresionantes hasta acentuar detalles mínimos complementan el trabajo, y qué decir del trabajo de la guitarra y de la nostálgica y peculiar voz de Setrak Bakirel con un inglés duro que quiere volverse turco y que nada deja que desear. El trabajo de Asia Minor es realmente cautivante, es un trabajo completo, senzibilizador, emotivo, es el continente de paisajes volteantes que sin preguntar, abordan de un momento a otro momentos de diferentes sentimientos que no pierden relación. La composicón lírica al igual, es fascinante, es notable una vehemente influencia intelectual, filosófica y poética en las letras.Sin duda alguna Asia Minor rescató y retomó de una forma sumamente inteligente algo que para principios de la nueva década estaba perdiéndose. Between Flesh and Divine es en definitiva uno de los discos que más me han impactado, una obra que sin problemas podría ser comparada con mejuestuosidades como el Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, con Close To The Edge de Yes o incluso con In The Court Of The Crimson King de King Crimson, discos icónicos de gran talla. Between Flesh anbd Divine es una obra maestra, sumamente recomendada.

1_.Integrante no fundador, posteriomente adicionado.


Por: Michel Loeza.
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Popol Vuh

Hosianna Mantra, 1972/Alemania.
Kosmische Musik/Ambient

Popol Vuh es una de las bandas líderes de la vanguardia musical en Alemania en los años de 1970: la Música Cósmica (Kosmische Musik). Se trata de Florian Fricke, tecladista aleman que junto a un grupo de músicos formó la agrupación a comienzos de la década de 1970 para incluirse en la revolución y precurso de el Rock Progresivo de alto desarrollo en Alemania con bandas como Amon Duul, Ash Ra Tempel, Guru Guru. Popol Vuh da sus primeros pasos sobre el boom de la música ambiental, anímica, y espacial. En el auge de la pura experimenatción de los espacios sonoros más bastos gracias a las nuevas tecnologías así mismo en el auge de la interiorización psíquica gracias ala influencia Psicodélica de 1960. Principalmente en Alemania con el surgimiento de  la Kosmische Musik, las agrupaciones dejaron a un lado la estructura de composición clasista de las agrupaciones de músicos, la vanguardia musical alemana de 1970 significa cierta desviación de la recta tradicional de composicion musical.

Hosianna Mantra es el tercer disco de la agrupación de Fricke, inspirado en temas de contenido espiritual/religioso; el álbum es el trabajo más espiritual y místico de Popol Vuh, lleno de largos momentos de serenidad absoluta, las notas en el piano de Fricke que esporádicamente tocan fondo de hermosas melodías matizadas con el asombroso sonido de una guitarra, que sin exagerar, llena los vacios con el sostenido de sus notas, ambientaciones preciosistas de los coros de una mujer que literalmente arrullan al escucha, el apacible sonido de un violín, reverberaciones del sonido que destacan una fuerte influencia étnica. Las fuentes electrónicas hacen un perfecto juego con la acústica de los instrumentos. A comparación con el trabajo de Tangerine Dream, la agrupación de Fricke da más espacio al movimiento entre instrumentos acústicos e instrumentos de fuente electrónica, lo cuál genera grandes espectativas en el oyente, y no sólo da pie a un englobe absoluto. Hosianna mantra es uno de los trabajos más logrados de Popol Vuh, y el trabajo que marca la línea para definir la época dorada de la agrupación, su característica de composición y su acentuable levantamiento en el espacio de la música anímica. Absoluta recomendacion, pieza escencial en cualquier colección musical.

Por: Michel Loeza.
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