Tangerine Dream (1975)

Rubycon, 1975.
Ambient/ Kosmische Musik     


Después de tanto tiempo de no haber continuado con la redacción del Blog, por fin me decidí a reiniciarla. Pero el re-comienzo no podía ser sólo eso, sino un "volver" con una de las más grandes obras de la Música Electrónica en la trayectoria histórica de la Música: Rubycon.


El opus magnum fue llevado a su realización, por nada más y nada menos que Tangerine Dream, uno de los grupos líderes de la flotilla de los elevados grupos alemanes. Él álbum está compuesto de dos obras de larga duración, sencillamente, el Rubycon dividido en dos partes: Rubycon I y Rubycon II. Como es de esperarse, ambas pistas están inter-conectadas por el final de una y el comienzo de otra, para conceptualizarlas como una sola pieza, es importante recordar la importancia del concepto musical en los álbumes de las bandas de culto en el decenio de los 70. 


El ambiente musical de Rubycon se halla excelentemente logrado, desde la inventiva ambiental hasta la cuasi-exacta ejecución de cada uno de los sonidos; parecieran matemáticamente calculados. El álbum comienza con una especie de campanas reverberadas que remiten inmediatamente a pasajes sumamente mistéricos, mágicos y de índole fantástica; la mejor manera de comenzar para introducir al escucha en una esfera, dentro de la cuál podría rehusarse a convivir con la imaginería o podría dejarse cautivar por el encanto de los abismos sonoros. Después del largo preludio en el que ya millones de seres fantásticos y de abismos sempiternos engendraron de tu cabeza, la misma musicalidad (arrítmica aún) pareciera transportarte a escenarios tras escenarios místicos, hasta que las verdaderas máquinas que encarnaron la personalidad del Ambient Alemán comienzan a despegarte del suelo: los secuenciadores. Las secuencias de Rubycon, junto a las de Klaus Schulze,  son un ejemplo clarísimo del Efecto Hypnosis que despide en el cerebro. Conforme las pistas avanzan, es casi imposible salir de el éxtasis en el que envuelven; de pasajes a pasajes, de enfoques a enfoques, de pasividad a explosividad y viceversa. La expresión del Rubycon es una expresión grandilocuente, que habla de la gran capacidad de Baumman, Franke y Froese para fecundar emociones y alteraciones mentales, que utiliza un lenguaje perfectamente orgánico, en una interesante combinación con lo sintético. Rubycon es una verdadera joya a la cuál debe apartársele un resquicio en la biblioteca musical de cualquier persona. 

Klaus Schulze (1976)

Moondawn, 1976/Alemania.
Kosmische Musik/ Escuela de Berlín/ Electronic

Actualmente he notado en las personas que hablan sobre Krautrock (Kosmische Musik) que  existe una gran confusión a la hora de aplicar el término generalizando a todas las bandas Alemanas de música electrónica que se desarrollaron durante la década de 1970, y que no se hace una parada para enfatizar las subdiviones de este género, es decir: Motorik, Escuela de Berlín y Escuela de Düsseldorf. Es importante hacer la aclaración precedente, pues el sonido entre cada una de las vertientes del género es (supuestamente) de sonoridades y "dogmas" diferentes. Y a propósito, me enfocaré esta vez en la Escuela de Berlín: la Escuela de Berlín para Música Electrónica se referie a la brecha generacional de músicos que se desarrollaron en esta región y que se enfocaron principalmente en el uso de aparatos puramente electrónicos para la elaboración de su música, detalle que les daría una sonoridad absolutamente espacial y más sintética en comparación con la Escuela de Düsseldorf por ejemplo, que manejaban un sonido un poco más orgánico; los músicos berlineses como Klaus Schulze, Edgar Froese, Christopher Franke, Peter Baumman (Tangerine Dream) o Manuel Göttsching, cabecilla de Ash Ra Tempel, enfocaron, según la taxonomía musical, enfocaron su trabajo en una línea estilística vanguardista que se expandiría por todo el mundo para influenciar a otros músicos, tal es el caso del francés Jean Michel Jarre1. No obstante a la taxonomía y las clasificaciones toda esta música de índople anímica, vanguardista y de sonoridades cargadas de misticismo son parte de una generación que marcaría para siempre la estética musical y los lineamientos artísticos. Esta vez el post va abocado a uno de los líderes más impresionantes y novedosos de la generación de músicos Alemanes más creativos e inteligentes que su tierra vió nacer: Klaus Schulze.

Tras haber trabajado como baterista en el álbum debut de Tangerine Dream: Electronic Meditation, Klaus Schulze decide comenzar su carrera en solitario para grabar su álbum debut, Irrlicht en 1971, el experimento de Klaus Schulze fue desenvolviéndose más en un proceso enajenador que despilfarró novedad en todo el sentido de la palabra. Ante sus primitivas experimantaciones con LSD, y bajo la influencia de la ya casi muerta Psicodélia de la segunda mmitad de 1960, Klaus Schulze comenzó sus experiemntaciones en su cuarto de casa, con algunos teclados y grabadoras para enfocarese en la creación de ambientaciones penumbrales, místicas y casi rítmica y melódicamente ausentes. La evolución de Schulze es notable si se pone atención en su línea estilística desde la sonoridad de ambientes sobrepuestos para la creación de ambient de los tempranos 1970, hasta el uso de completo y la técnica avanzada de los Sintetizadores y Secuenciadores a mediados de la década con su álbum Blackdance (1974), instrumentos clave en la creación de la música que definiría el camino vanguardista de su característico sonido. Moondawn: he decidido escribir sobre Schulze por primera vez con este álbum porque es a mi gusto, es uno de los trabajos más espectaculares de su carrera y un álbum que marca un verdadero antes y un después en su madurez sobre su objetivo.

Moondawn es un álbum compuesto de dos piezas de larga duración: "Floating" (27:14 mins) y "Mindphaser" (25:37 mins) (en su edición de lujo incluye "Floating Secuence"), rasgo característico en la mayoría de sus trabajos: pocas piezas, larga duración. El álbum es algo completamente fuera de lo normal y difícil de describir, pues es la perfecta combinación entre la secuencia de sonidos y el revestimiento ambiental primitivamente manejado. Comenzaré tratando de describir cada una de las piezas. "Floating": es la pieza abridora y en mi opinión la más devastadora del álbum, bajo unos extrañamente "cristalizados" y agudos sonidos, una voz de un hombre con un acento reminiscente al de algunos países del Medio-Oriente se muestra para fundirse con un sonido "campanal" que se repite varias veces como anunciando el comienzo de la secuencia, algunos acordes que ambientan se hace presentes en diferentes tonos; poco a poco, una secuencia rítmica y sumamente repititiva se muestra en un sonido ascendente desde lo casi inaudible hasta completarse y dominar la pieza, mientras el sonido que acompaña la secuencia de un Kit electrónico de batería2  no abandona y juega con los tiempos, la secuencia sigue, saturando los oídos con sonidos que pareciecen surgir de todas partes, de pronto, cambios de tono que estremecen desde la nuca hasta las extremidades, el sonido de la secuencia es suficientemente hipnotizante como para hacer caer al escucha en una especie de trance y de desbalance del sentido del equilibrio, la secuencia muestra un ritmo que pareciese inagotable y que bajo experiencia propia es completammente enajenador, los efectos son variables en cada persona. "Mindphaser" rompe un poco con la línea estilística de la pieza antecesora: comienza con potentes masas atmosféricas que no renuncian a su belleza y que tocan el fonde del alma, los sonidos "cristalinos" siguen haciendose presentes como en el inicio de "Floating", las atmósferas ambientales casi funerales, alcazan por poco los 12:00 minutos de duración para que una supresión sonora acabe con ellas para entrar con un potenciado ritmo de batería mientras Schulze encima capas de sonido sobre capas de sonido, matizando con inumerables arreglos y dedos virtuosos sobre el Modulador Moog, sin secuencia definitiva como en "Floating", los dos músicos se disponen a caotizar la pieza para poco a poco subir la velocidad sobre el tiempo.

Moondawn es una joya que en comparación con otros trabajos del maestro, no es la gran cosa, pero que es un trabajo que en términos sumamente relativos no es tan complicado para la digestión de algun interesado que se inicie en la atípica sonoridad de Klaus Schulze, un trabajo altamente recomendado para conocer las raíces de la música electrónica y para no pasar por alto a uno de los músicos de nuestra era, paradójicamente más fuera de ella que han puesto sus pies sobre esta tierra.

1: Ver Jean Michel Jarre y "Oxygene"
2: Harald Grosskopf, asistente dominante del Electronic DrumKit

Por: Michel Loeza
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Harmonia (1973)

Musik Von Harmonia, 1973/Alemania.
Kosmische Musik/Krautrock

Harmonia fue un proyecto, llamado super grupo formado por los ya bien conocidos en el  mundo de la música electrónica Alemana: Hans J. Roedelius y Dieter Moebius más la adición del guitarrista Michael Rother proviniente de Neu!, power-trio que dejaría huella en el ambiente de la música cósmica en Alemania sobre la primera mitad de 1970, década de su auge. Musik Von Harmonia (debut) es un disco que puede ir desde los sonidos más rígidos con ritmos secuenciados y mecánicos hasta las ambientaciónes más sensuales, el trabajo con el que fue elaborado el álbum es de una calidad realmente apreciable. Obviamente el contenido del álbum es plenamente instrumental, algo caracterísco dentro de la Kosmische Musik en Alemania, por cuestiones de búsquedas anímicas, hasta cierto punto espiritistas (tal es el caso de Popol Vuh), y de cualidades de transmision sensitiva al oyente. Algo que siempre me ha parecido importante clarificar antes de recomendar un álbum que se desenvuelve con tales ambientaciones y atípicas sonoridades, es que se debe prestar la máxima atención cuando se escucha, evitando distractores, pues sólo de esa manera son parcialmente concebibles las obras de índoles similares. Musik Von Harmonia no es la excepción, sobre todo para primerizos en esta atmósfera; el álbum es definitivamente difícil a la hora digerir, pues las piezas no mantienen una línea rítmica y/o estilística en sus transiciones, por ejemplo: la pieza abridora "Watussi" que comienza en una sonoridad ascendente a proyectar un ritmo secuencial y muy consistente en su sustancia, hacia la radicalidad del cambio a la segunda"Sehr Kosmisch" , que es indudablemente severa, pues la segunda pieza de aproximadamente 11:00 minutos de duración es una hipnotizante relación entre el aparente latido de un corazón y ambientaciones anímicas y "espaciales".

Tras haber escuchado Musik Von Harmonia, alguna vez Brian Eno, sugirió de manera muy drástica que Harmonia era la banda más importante de todos los tiempos, cosa que personalmente me parece una bestialidad, pero que sin embargo, puede ser una de de las agrupaciones más importantes dentro de la historia mundial de la música, pues junto a agrupaciones como Kraftwerk, Faust (del Motorik), Lard Free, Tangerine Dream, etcétera, marcaron una brecha generacional de medidas inconmesurables para la elabroación de la actual música electrónica y del New Wave (de la cuál muchas veces se ignoran sus raíces). Musik Von Harmonia es una joya que no debe pasar desapercibida por el interesado y también, por el no (imbécil) interesado. Ambientes robóticos, espaciales, anímicos, pasajes musicales obscuros e hipnotizantes hacen del trabajo de Harmonia una obra con un balance digno y una certeza notable ad-hoc en cuanto a la rigidez de la idea sobre la que se quería trabajar. Sin duda Musik Von Harmonia es un álbum cien por ciento recomendado, y pieza para los oídos más exigentes de avant-garde musical.

Por: Michel Loeza.
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Peter Hammill (1973)

The Silent Corner and the Empty Stage, 1973.         Rock Progresivo

Peter Hammill, uno de los íconos más representativos dentro de la escena del Rock Progresivo más puro desarrollado durante la década de 1970, y uno de los músicos más influyentes e inteligentes de Inglaterra. Tras haber grabado varios discos junto a Nick Pearne, Judge Smith, Guy Evans, Hugh Banton, Nick Potter, Ian Ellis y David Jackson1 bajo el igualmente icónico nombre de Van der Graaf Generator, la agrupación tuvo un importante periodo de recesión en 1971 por distintos factores y habiendo dejado como último trabajo el importantísimo de medidas colosales "Pawn Hearts" antes de que Hammill comenzara a "trabajar por su cuenta" en su tercer y más desulmbrante álbum: "The Silent Corner and the Empty Stage". Antes de entrar de lleno a la reseña sobre el trabajo discográfico de Hammill, quiero hacer énfasis en que el trabajo de Hammill como solista siempre ha causado una importante polémica, pues si bien es sabido que una carrera como solista es tomada en el sentido más literal del solitas, The silent Corner and the Empty Stage es un trabajo en el que todos los miembros del Van der Graaf presente en aquellos años, son partícipes, lo cual ha puesto en duda estupideces como si el disco es parte de la discografía de la banda o no. El apartado solitario de Hammill está definido por la plenitud sobre sus letras y por la predominación de las ideas en cuanto a la composición y estructura del álbum, en estos casos es casi obsoleta la participación de los músicos asistentes.

Estando lo anterior enfatizado, entramos al trabajo de Hammill: bajo una sujestiva y enigmática pintura de Bettina Hohls diseñadora y ex-miembro de Ash Ra Tempel,The silent Corner and the Empty Stage, es sin duda alguna uno de los mejores trabajos discográficos dentro del ambiente del Rock Progresivo mundial y dentro de la carrera de Hammill, si no es que aquí el más importante y elaborado de sus trabajos. Este es sin duda un trabajo sumamente obscuro, continente de composiciones líricas poetizadas, con metáforas complejas, cuestiones melodramáticas de índole filosófica y notable combinación del conocimiento artístico, literario, científico y astronómico, factor característico de Hammill. La fineza en la estructura de las composiciones es notable desde que los primeros acordes de la pieza abridora se sublevan: "Modern" , una de las piezas más enigmáticas del repertorio y una belleza que abre las puertas de la mística atmósfera en la que el álbum se desenvolverá en las piezas venideras. Pasajes musicales que van desde la más bella melodía hasta los trances más inescrutables y perturbadores para el oído, que sin dejar de ser espectaculares seducen a la atención más establecida. La voz de Peter Hammill es otro de los factores que contrastan el misticismo, una voz sumamente brillante y llena de vicisitudes impresionantes, cambios inesperados y un manejo sublime en sus tonalidades. Sin embargo no todo es penumbroso, también son mostrados trabajos más calmos y melódicamente más digeribles, tal es el caso de "Wilhelmina" y "Rubicon" . La ejecución musical e instrumentación (hasta la post-producción) es indiscutiblemente una maravilla. Me parece importante hacer una parada en la pieza que atrapó mi ateneción desde el momento en que la escuché por primera vez: "Red Shift" 2 que por el título alude al fenómeno astronómico del distanciamiento solar, y con el cual curiosamente Hammill hace una interesante mezcla, tomando como referencia el issue fenomenológico, y jugando en primera persona del singular con cuestionamientos filosóficos-existenciales. La instrumentación es enérgicamente ascendente hasta que rompe con una atmósfera serena para volver a entrar con más fuerza, si ya la voz de Hammill es impresionante, en esta pieza se vuelve una calamidad por la cantidad de efectos vibrantes con los que es tratada; un ritmo acabalgado que se muestra agresivo se transporta sobre potentes líneas de bajo que son matizadas por el saxofón de David Jackson, junto al sonido desalineado de una guitarra eléctrica que juega con su dispar; el álbum finaliza con una pieza de 12:00 mins de duración: "A louse is not a Home" , obra cumbre de el álbum.The Silent Corner and the Empty Stage es indudalemente un trabajo épico que debe ser parte de cualquier colección musical de culto, sin importar la afinidad de esta. Y es un trabajo que requiere de de respeto y paciencia para poder digerirlo.

1: No todos los integrantes formaron parte del grupo desde 1968 hasta la 1974 como un conjunto, sino todos formaron parte alguna vez en              
    diferente combinación.
2: Más información sobre el "Red Shift"

Por: Michel Loeza
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Ross Daly (2004)

Microkosmos, 2004, Grecia.
World Music.

Ross Daly ha sido uno de los músicos de mundo tal vez más underrated durante un gran tiempo, y claro no es nada anormal si de cuestiones de usufructo musical masivo y popular hablamos. Pues siendo un músico con una pasión extraordinaria, Ross Daly vivió durante más de 30 años en la isla de Creta una de las islas más importantes que forman parte del terriorio de Grecia. Estando en constante convivenvia con la cultura Creta, Ross Daly comenzó sus estudios musicales especializados en la Lyra de Creta uno de los instrumentos más importantes del Imperio Bizantino en Europa, y que precisamente si uno escucha, el sondio nos es reminiscente al Medio Oriente: regiones del Imperio Persa, Turquía, Siria, etc. Ross Daly tuvo una gran influencia e idea de los sonidos de distintas partes del mundo oriental, siendo esto con sus estudios, la pauta que le permitió inspirarse para componer sobre las tonalidades tradicionales de las regiones. Microkosmos es uno de sus últimos y más elaborados trabajos de su carrera musical. El sonido de Microkosmos está basado en la música tradicional de Creta con ligeros matices de la música Oriental externa. La ejecución musical es absuloutamente una joya indiscutible, el virtuosismo se hace presente desde las percusiones que marcan el paso rítmico acabalgado hasta los presentes sonidos de un Santur, Neys, Koras, Bandires, todos, instrumentos clave dentro del Medio Oriente; la veracidad con la que la representación de la música es lograda no tiene formas de descripción, esencialmente en "Momentus": una pieza de medidas inconmensurables dominada por misteriosos y supensivos vientos que rompen con un impetuoso ritmo de las percusiones acentuadas con la el poder de la Lyra de Daly y de los demás intrumentos.


Microkosmos un trabajo musical que definitivamente tiene mucho que ofrecer en cuanto a la vitalidad, y la pureza del contenido. Es la forma perfecta de abrir perspectivas musicales y de rescatar el tradicionalismo de regiones del mundo a veces desconocidas para un gran porcentaje de la póblación mundial, además de reconocer el trabajo de músicos como Ross Daly, que emprenden en base a verdaderas pasiones artísticas. Absoluta recomendación.


Por: Michel Loeza.
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                 Parte 2                          

Fraction

Moon Blood, 1971/E.U.A.
Acid/Hard Rock [Infl.Blues]

Otra de las raras gemas de los tempranos 1970. Fraction es otra de las bandas que seguían curiosamente una línea estilísitica en su sonido para principios de 1970, como Atomic Rooster, The Doors, Captian Beyond, Hairy Chapter, Warhorse, por nombrar algunos de esta gran gamma de agrupaciones. Un sonido crudo, con toques psicodélicos aún, solos de guitarra agresivos, voces poderosas, etc.. Fraction fue una banda que, como muchas otras desafortunadas, sólo pudieron grabar un álbum debido a cuestiones de oportunidad, apoyo y difusión. Sin embargo si pudiese sustituir a una banda afamada por Fraction sería a The Doors a propósito de sus issues. La banda estaba liderada por el impresionante vocalista Jim Beach que en algún tiempo tuvo algunos roces con Jim Morrison en el escenario y claro, si existiera alguien que pudiese destruir la fama de Morrison, sería Jim Beach si de cuestiones cualitativas se tratara. Pero, ¿Por qué The Doors?...en repetidas ocasiones fue comparada la agrupación de Jim Beach con la de Morrison, ya que seguidores y críticos encontraban una extrema simulitud en su ambiente, desde los rangos vocales de Beach hasta las formas e influencias de sus composiciones. No obstante a dichas comparaciones creo que el Moon Blood de Fraction, grabado para 1971, y perdido para siempre, podría derribar sin problemas tres álbumes de The Doors juntos. El poder de Fraction es impresionante, su música se puede sentir mucho más sincera a pesar de la pobre produccion del álbum.

El sonido de la banda oscila entre virtuosismo y una melodía majestuosa, una perfecta combinación entre energía y pasividad, tal es el caso de "Eye of The Hurricane". Cambios repentinos, Blues, la poderosa y sensible voz de Jim Beach, guitarras devastadoras que también matizan con sutilezas, una ejecución en las percusiones sentencial al igual que la de las poderosas líneas de Bajo. Sin más, un Rock crudo y energético en contraste con hermosa melodía es el sonido que caracteriza a Fraction, y el sonido que hace una varavilla de su álbum Moon Blood, una de las más maravillosas obras perdidas de los tempranos años de la década de 1970. Algunos dicen que tal vez el Moon Blood es el disco que The Doors siempre quisieron grabar. Poder irremediable, absoluta recomendación.


Por: Michel Loeza.
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The Advancement

The Advancement, 1969/E.U.A.
Jazz Fusion/Jazz-Rock [World Music]

Tras una interesante y bonita portada se esconde la agrupación de finales de 1960: The Advancement. Conformada por músicos de alta reputación en diversas escenas del Jazz de mediados de la década, The Advancement es una agrupación que a nivel artístico logro un fuerte impacto con su obra homónima pero que a nivel comercial logró un lamentable y casi nulo usufructo, cuestiones de difusión, de producción o a veces hasta cuestiones regionales son influyentes en la forma de elevación comercial y de lucro musical no obstante a que muchas de las veces existían y existen agrupaciones con una calidad compositiva incluso más interesante y jugosa que algunas de las bandas más comerciales, y actualmente este problema sigue siendo un temor para los músicos independientes. The Advancement fue formada en el mismo año de grabación de su álbum por el percusionista Hal Gordon y el bajista Lou Kabok, posteriormente se fueron reclutando un conjunto de excelsos músicos que concretarían el peculiar estilo del sexteto. La peculiaridad del sondio de The Advancement y su escasa atención recae en la temporalidad en la que se desarrolla, pues para 1969 el resultado del trabajo de las agrupaciones constitía básicamente en la Psicodélia en boga y en los sonidos apáticamente aturdidores. A causa de estos factores externos, la agrupación llegó a su casi inmediata disolución póstuma a la grabación del trabajo discográfico.

La propuesta rasga la vanguardia musical estilística y técnicamente virtuosa sin caer en la exageración; es notable un impresionante eclecticismo en las formas musicales, siendo únicamente instrumental la música de la agrupación (a excepción de "Stone Folk" donde sólo se usan coros) se puede notar una importante influencia del Jazz con vertientes como el Latin Jazz o el Hot Jazz (aún no tan desarrollado para tal época), un poco de Folk, algunos tintes de Rock más austero con guitarras distorsionadas, sonidos étnicos de Asia Occidental y Oriental , sonidos típicos de la técnica española en la guitarra, etcétera. Al igual que el sincretismo musical en la obra de esta banda, es muy sobresaliente el uso de una instrumentación variada que entre su diversiadad es muy caracterítico el sonido de un Vibráfono, casi siempre presente y a veces como una singular representación de la ausente voz, creo yo. Flautas, Pandero, Teclados, Contrabajo, Percusiones, Guitarra, Bajo Eléctrico, Armónica son también parte del ambiente de The Advancement, un sonido bastante agradable que no está ni estuvo en algún momento por debajo de los estándares de calidad musical. Un disco altamente recomendado y que debería ser considerado dentro de colecciones musicales con verdadero aprecio a la música bien lograda. Una Joya de los ya casi muertos 1960.


Por: Michel Loeza.
Descarga: The Advancement-1969 [Rapidshare]

Fresh Maggots

Hatched, 1971/Inglaterra.
Folk/Acid Folk

Fresh Maggots es otra de las agrupaciones perdidas de Folk Inglés durante finales de 1960 y principios de 1970. Poca difusión y sobresaliente similitud con el sonido de la escena. Pero vaya, entre grupo y grupo de Folk ¿que tanta diferencia pudiese haber?. No obstante a esta similitud prejuicial Fresh Maggots logró conseguir un peculiar sonido que sin exgararlo logró marcar una sutil línea entre la rectitud del género sobre el que trabajaron y la peculiaridad y el estilo de su sonido. Forma imponente que consiguió considerárseles por muchos actualmente, una de las agrupaciones de culto dentro del Folk más influyentes, principalmente para gran parte del sonido actual en inglaterra. Las tierras del condado de Warwickshire en Inglaterra fueron las que vieron nacer a Mick Burgoyne y a Leigh Dolphin, dúo de intrumentistas que conformó Fresh Maggots y que únicamente lograría grabar su disco homónimo para principios de la década de 1970. El sonido de Fresh Maggots se mueve entre las sutiles formas del Folk tradicional inglés y el Folk-ácido infludio por la Psicodélia de la época. El uso de diversos intrumentos es notable, flautas, pandero, glockenspiel, un hermoso violín que se hace presente en algunas piezas para armonizar a la perfección, una armoniosa voz que sin mucho color matiza, y obviamente, las guitarras pioneras de ambos músicos que a veces combinan el sonido acústico con guitarras distorsionadas con un fuzz agresivo, característica que resalta el sonido tan peculiar del dúo. El álbum está lleno de piezas que van desde la completa serenidad y bella melodía, hasta piezas que tienen ritmos bastante pegajosos y alegres, cambios repentinos y dinámica impresionante de este par de excelentes músicos. A diferencia de bandas como Trees, Forest, Comus o The Incredible String Band, Fresh Maggots logra desengancharse un poco más del sonido "Medieval" o Pagano que estas agrupaciones solían considerar. Fresh Maggots es un álbum al que vale la pena echarle un vistazo, y un álbum que sorprende tras el prejucio de considerar a veces el Folk inglés de la época como tedioso y pedantemente análogo. El álbum además en su grabación original incluye una pequeña lista de piezas como bonus tracks grabadas en vivo. Recomendación absoluta y pieza esencial para seguidores del Folk en general.

Por: Michel Loeza
Descarga: Fresh Maggots (Rapidshare)

Paul Horn

Inside The Great Pyramid, 1976/E.U.A
Ambient/New Age

Se trata esta vez de Paul Horn, músico que dentro de una formación familiar musical, desarrolló primitivamente excelsas habilidades en el piano y posteriormente en instrumentos de viento. Habiéndose quedado un perdiodo en el Saxofón, Paul Horn interiorizó en agrupaciones de Jazz Yorkino entre la primera y segunda mitad de 1960. Para finales de 1960, y entre el auge de la Psicodélia y de los comienzos la música anímica, Horn decide grabar un trabajo de solo flauta dentro de la maravillosa estructura del Taj Mahal, considerolo una experiencia puramente estética. Tras su gran éxito alrededor del mundo, Paul Horn inicia una serie de "turismo musical" para combinar los sentimientos étnicos de las locaciones con los sentimientos personales de su música. En 1976 decidiría concretar uno de los atrevimientos más grandes de su carrera: grabar dentro de la mayor pirámide de la necrópolis de Guiza en Egipto, la pirámide de Jufu o Keops. El trabajo está básicamente pensado en, al igual que dentro del Taj Mahal1, hacer una especie de performance con solo una flauta transversal, dejando que la acústica del lugar matice naturalmente los sonidos de Paul Horn.

El álbum está dividido en cuatro movimientos: Iniciación, Meditación, Ilustración y Cumplimiento; cada parte dividida en: una invocación y 7 salmos, 6 salmos, 6 salmos y 8 salmos respectivamente. Durante toda la duración del álbum, y es más, desde el primer movimiento es posible notar cierta intriga, por la gran cantidad de misterio sonoro que rodea todo el trabajo, la serenidad de los sonidos de la flauta  con su reverberación natural dentro de la Cámara del Rey de la pirámide, envuelven en un manto de completa incertidumbre logrando una perfecta recreación aural de el estado físico de la estancia dentro de este tan impresionante monumento. Es casi imposible poder describir la sutileza del sonido de la flauta de Paul Horn dentro de la pirámide y durante todo el desarrollo del álbum, sin embargo el trabajo está cargado de un mecanismo tan sensibilizador que al combinarse con la contextualización que se abstrae mediante el conocimiento de los aspectos espacio-temporales donde fue creada la obra, el escucha engendra un sentimiento de belleza enajenadora y de fuerza tranquilizante. Sin duda alguna Inside The Great Pyramid es una obra de tallas magnas y que sin más preámbulos es necesario que sea escuchada por cualquier seguidor de el preciosismo en el arte. Absoluta recomendación.


1_Inside the Taj Mahal, Horn Paul/1968.
Por: Michel Loeza.
Descarga: CD 1
                 CD 2
                 CD 3

Asia Minor

Between Flesh and Divine, 1981/Turquía.
Progresivo Sinfónico

La cohesión del Rock Progresivo para finales de la década de 1970 comenzaba a ser más incongruente y a centrar la mirada en las nuevas tecnologías que para 1980 revolucionarían la manera de hacer música, así como el sonido de esta. Muchas de las bandas icónicas del Rock Progresivo en el mundo comenzaban dando los primeros pasos en sus periodos de decadencia en cuanto a creatividad y virtuosismo (1980), lamentablemente el perdiodo de máximo esplendor de muchas de las bandas fue de unos pocos años durante toda la primera mitad de 1970 y gran parte de la segunda, no obstante a esto y no generalizando, para 1990 hubo una notable recuperación. Asia Minor fue una banda originaria de Turquía que para finales de 1970 tenían una visión muy centrada y conservadora de su creación, sin embargo los escasos medios de difusión en su tierra los obligaron a viajar a Francia para ahí poder grabar y difundir su música. Una vez estando en Francia deciden grabar para 1979 su primer álbum "Crossing The Line" y en vista del poco éxito graban para 1981 "Between Flesh and Divine" , último disco oficial  que marcaría para siempre su impresionante estilo. El sonido de Asia Minor en "Between Flesh and Divine"  habla de una fuerte influencia del sonido tradicional de las bandas que pulieron el Rock Progresivo como Camel y King Crimson, el sonido de esta agrupación es una muy inteligente mezcla de virtuosismo incomparable con hermosas melodías que a veces tienen toques étnicos, puntos que caracterizaron siempre al estilo sobre el que trabajaron.

Asia Minor se trata de una agrupación con músicos de medidas cualitativas colosales que en conjunto fueron capaces de crear uno de los discos más hermosos en toda la absoluta historia del Rock hasta nuestros tiempos, un ejemplo claro de la potencia ingenieril y creativa del artísta. El álbum está lleno de hermosas melodías matizadas con asombrosos arreglos y precisión de cada uno de los instrumentos, flautas flotantes, baterías y líneas de bajo sumamente dinámicas y complicadas por Lionel Beltrami y Robert Kempler1, teclados de que desde crear pasajes atmósfericos impresionantes hasta acentuar detalles mínimos complementan el trabajo, y qué decir del trabajo de la guitarra y de la nostálgica y peculiar voz de Setrak Bakirel con un inglés duro que quiere volverse turco y que nada deja que desear. El trabajo de Asia Minor es realmente cautivante, es un trabajo completo, senzibilizador, emotivo, es el continente de paisajes volteantes que sin preguntar, abordan de un momento a otro momentos de diferentes sentimientos que no pierden relación. La composicón lírica al igual, es fascinante, es notable una vehemente influencia intelectual, filosófica y poética en las letras.Sin duda alguna Asia Minor rescató y retomó de una forma sumamente inteligente algo que para principios de la nueva década estaba perdiéndose. Between Flesh and Divine es en definitiva uno de los discos que más me han impactado, una obra que sin problemas podría ser comparada con mejuestuosidades como el Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, con Close To The Edge de Yes o incluso con In The Court Of The Crimson King de King Crimson, discos icónicos de gran talla. Between Flesh anbd Divine es una obra maestra, sumamente recomendada.

1_.Integrante no fundador, posteriomente adicionado.


Por: Michel Loeza.
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