Mike Oldfield

Ommadawn, 1975/Inglaterra.
Progresivo Sinfónico/Instrumental

Se trata de Mike Oldfield uno de los músicos multiinstrumentistas más detscados en todo el mundo hasta la fecha. Caracterizado por sus proyectos ambiciosos y su técnica de ejecución en la guitarra, Oldfield ha adquirido un infalible respeto alrededor del mundo y un status que lo han llevado a la cumbre de la gloria. Empezezando su carrera musical estable en 1973, Mike Oldifield grabó el tan exitoso Tubular Bells, seguido de Hergest Ridge en el año de 1974, hasta llegar a Ommadawn editado ya para 1975. Ommadawn es uno de sus más ambicisos trabajos y en opinion personal el trabajo de mayor potencia compositiva y sinfónica. El contenido del disco está, como acostumbraba Oldifield, dividido en dos movimientos de larga duración cada uno (al. 20 mins). Simplemente "Part One" y "Part Two"[1]. Tras haber escuchado Tubular Bells, me dí cuenta de la gran capicidad que en Oldfield radicaba para poder crear todo un mundo sonoro que gira en torno a ambientes puramente oníricos, complejidad, una naturaleza innata, pasajes fantásticos, a una capacidad expresiva simplemente impresionante. El contenido altamente sinfónico del álbum logra envolver en un espectro en el que evolutivamente se penetra, cada sonido recorriendo tus huesos, trabajos instrumentales finísimos, técnica insuperable, registros musicales que oscilan entre influencias del sonido tradicional Nórdico y Celta. Sin lugar a dudas Ommadawn es una de las obras musicales más finas y mejor elaboradas dentro de la música en general, pieza infaltable en cualquier colección y definitivamente OBRA MAESTRA SIN PRECEDENTES.


[1]_Originalmente el álbum contenía una tercera pieza: "On Horseback". Posteriormente (actualemnte) fue incluida en la parte final de "Part Two".

Por: Michel Loeza
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Big Star

Third/Sister Lovers, 1978/EUA.
Power Pop

Big Star fue una banda que se desarrollo en la época de los 70's donde tal vez no fueron tomados con la importancia que se les debía ,este álbum es la expresión artística mas cercana a la nostalgia de ser un joven feliz, Alex Chilton se encarga de demostrarlo, el fue capaz de interpretar ese sentimiento,Third/Sister Lovers PVC fue lanzado en 1978,y reeditado en formato CD en 1992. La mayoría de las personas,tienen un extraño y diferido concepto sobre el termino pop,Big Star es un power pop contundente,entre tantas buenas canciones el álbum se conforma también de algunos covers ejemplo: "Femme Fatale". Big Star;peculiar,sonido fresco,amable,son y serán incondicionales para la buena referencia del pop

por :david
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Shelagh McDonald

Stargazer, 1970/Escocia.
Folk

Existen infinidad de grupos, y artístas que durante la segunda mitad de 1960 desarrollaron además de Psicodélia, un excelente trabajo dentro de la escena del Folk en general. Muchas voces femeninas que quedaron olvidadas y sepultadas por personajes más importantes como Joni Mitchell o Joan Baez, por un status de ventas muy por los suelos. Uno de los ejemplos claros de las voces que quedaron más enterradas es la escosesa Shelagh McDonald, cantante de orgien escosés que residió al término de 1960 en Londres. Fue hasta el año de 1971 que Shelagh lanzó su segundo y álbum debut Stargazer, ese mismo año Shelagh desapareció misteriosamente de todos y de todo, suceso que truncaría su dearrollo musical. Posteriomente explicó ante notario público que había desaparecido por efectos póstumos a un mal-viaje de LSD, paranoia y alucionaciones, una vida que había arruinado su voz. Stargazer es realmente una joya digna de alta valoración, piezas hermosas, canciones tradicionales[1] de Folk versionadas de manera sublime, arreglos de piano que recorren el cuerpo de extremo a extremo, melodías con toques paganos referentes a la alta edad media, pequeñas orquestaciones, en fin, técnicamente el álbum no deja nada que desear. Un álbum muy completo que se mueve entre tranquilas y melosas baladas hasta piezas más dinámicas, todo esto siempre matizado con la hermosa voz de Shelagh que sin duda dió a conocer un tremendo potencial, dió a conocer una de las voces más maravillosas de toda una era.

[1]_#5: "Dowie Dens of Yarrow", canción tradicional folk en Escocia, se desconoce su autor original.

Por: Michel Loeza
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Sebastian Hardie

Four Moments, 1975/Australia.
Porgresivo Sinfónico

Sebastian Hardie uno de los grupos máximos exponentes del Rock Progresivo en Australia. La banda se formó en 1967 bajo el liderazgo de Graham Ford (guitarra) y Peter Plavsic (bajo) ante el nombre de Sebastian Hardie Blues Band. Después de un arduo desarrollo musical, no fue hasta 1975 que su álbum Four Moments dió a la luz al público local y en su posteridad al internacional. El álbum es uno de los trabajos discográficos mejor elaborados dentro del la escena del Progresivo. Por su edición casi en totalidad sobre nonstop (piezas ligadas) y por los leitmotivs en la composición, nos remite este a pensar en que está trabajado bajo un concepto, y si no me equivoco así es. Con perfectas sinfonías, hermosas melodías y una voz extraordinaria de Ford, el álbum está lleno de pasajes musicales que oscilan entre momentos agresivos con una técnica en la ejecución impresionante, hasta momentos de serenidad que roban el alma. Sebastian Hardie alude mucho al sonido de bandas como Yes principalmente, Genesis y Camel. No obstante a las alusiones, el sonido de Hardie es característico, un sonido más aterrizado (menos trippie); un sonido que no deja de ser hermoso y alucinante en momentos. Moog Modulador, solos de guitarra devastadores, líneas de bajo profundas, la técnica en las percusioness igualmente devastadora y ambientes expresivos de derramante sentimentalismo. Sin duda una obra maestra y pieza elemental dentro de esta escena y de la música en general.

Por: Michel Loeza
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Spacemen 3 - Perfect Prescription

Perfect Prescrption, 1987/Inglaterra
Este disco es realmente infaltable en su colección,el trabajo que realizo Jason Pierce y  Peter Kember,tiene su definición mas clara en este album,sin duda es una gran influencia para sus posteriores proyectos como lo fue spiritualized y spectrum,dos grandes referentes de la musica en el aspecto que deseen verlo,hace algunos dias salio el disco tomboy de Panda Bear y bueno,es Peter Kember quien hizo la mezcla.Sin mas preambulos les dejo el primer disco de lo que espero sea una buena contribución para su percepción musical.
Por:David 

Pyranha

Pyrahna, 1972/Suiza.
Prog/Psicodélico.

Banda Suiza de la primera mitad de la década de 1970, etapa de los inicios del Rock Progresivo, de los comienzos en la superación del Folk y de la Pisicodélia. La brasas de la Psicodélia aún arden y un ejemplo claro es: Pyrahna. Sonidos poco digeribles con pasajes que pueden oscilar entre el Jazz y el Blues, básicamente improvisación, poca composición lírica, destiempos, rarezas sonoras, The Velvet Underground + LSD, experimientación con objetos de uso cotidiano,  Francés, ambientes ácidos, todo esto hace del disco una propuesta bastante interesante dentro de la experimentación en el Rock Suizo de la escena underground. A pesar de las composiciones desestructuradas y de los casi indigeribles paisajes experimentales, se pueden encontrar piezas de índole rítmica y bastante agradable como "Clepsydre", primera pieza, Jam, con Hammond, Saxofón, un buen riff en el bajo con un sonido pegándole al Jazz/Fusion y al Funk parecido a sobre el que Can se pasearía anteriormente con su Tago Mago. Sin duda este disco es una rareza la cual merece un espacio de tiempo para tus oídos.

Por: Michel Loeza.

Comus

First Utterance, 1971/Inglaterra
Folk Progresivo/ "Acid" Folk                                                      

Comus (Dios Griego del jolgorio), 1971, una portada interesante, dibujo del vocalista principal Roger Wootton; un trabajo musical asombroso. Posteriormente de adquirir por primera vez este disco, escuché apenas unos segundos de la primera canción y los sonidos que Comus maneja, no me parecieron en absoluto digeribles, desde que Roger Wootton  escupe las primeras palabras en un tono que pareciera de un lunático queriendose hacer el buen cantante con un arrastrado acento en la pronunciación del Inglés lo que te hace creer inmediatamente en que es británico. Algún otro buen día me decidí hacerle caso a ese disco, Firt Utterance, que rogando por ser escuchado me ponía una triste cara... finalmente el que puso la triste cara fuí yo, rogando porque el disco volviese a reproducirse.

1971, inicios de la primera mitad de la década de 1970 (época de auge musical). Las manos del Rock Progresivo a penas comenzaban a verse en el aire, la influencia del ambiénte psicodélico de 1960 estaba  ya dejando algunas de sus cenizas, y la madurez de los grupos musicales aclamaba su resplandor. Comus fue uno de los más claros ejemplos de maduración y víctima de un cierto sincretismo en la misma composición. Después de haber escuchado el album me resultó un tanto difícil poder hacer una clasificación de este dentro de la taxonomía musical, pues las composiciones integradas en el trabajo muestran una impresionante fusión de géneros, y creo que decir géneros suena a "fácil encasillado, mejor dicho: de sonidos que oscilan entre el Folk principalmente, sonidos paganistas, nórdicos tradicionales en una combinación con los sonidos étnicos del medio oriente, claro, más paisajes sinfónicos que van de extrema estabilidad y obscuridad, pasando por lugares sumamente rítmicos a paisajes de tiránicos "desordenes" musicales". A menudo se ha hecho énfasis en la mención de es notable una influencia Jazzística en el sonido del First Utterance, sin embargo, yo jamás le he encontrado la influencia Jazzística a la estructura melódica de las canciones. El álbum se concentra en su sonido mucho más rústico y étnico, o tradicional, esto por la casi ausencia total de aparatos electrónicos en la elaboración. Es por todo esto y por otros factores musicales más por lo que yo podría clasificar esta obra musical como Folk Progresivo, (la mayor influencia es del Folk) toques psicodélicos + folk; así es, Folk Progresivo en comparación con el trabajo de Roy Harper en su Stormcock que presenta una tremenda similitud con First Utterance, ó con el trabajo de The Incredible String Band indudablemente.

El álbum está compueto por 7 piezas con la suficiente carga musical para atormentar a cuelquier analítico del álbum. Empezamos con "Diana", pista abridora del álbum como inicialmente lo mencionaba, creo que "Diana" es la composición con más facilidad de digestión para el escucha, y es la pieza perfecta para intruducirte en el sonido de Comus, un sonido "cómico" hasta cierto punto en esa línea del bajo, un coro con influencia del sonidos orientales, flautas, una excelente ejecución de las percussiones (no se usa batería en ningún momento, sino Bongoes y Yembes entre otras percusiones). La canción pasa rápidamente para empezar a conocer verdaderamente el hogar de comus, la bienvenida perfecta a este es la segunda canción: con poco más de 12:00 minutos de duración "The Herald", arriva a tus oídos con unos lindos coros de mujer que se hacen presentes mientras entre una onírica y melosa ambientación se combinan con el arpegio de la guitarra para que al terminar nos lleve de la mano por una parte con un indiscutible, y en serio indudablemente maravilloso trabajo de la guitarra, arpegio sobre arpegio, serenidad, los sonidos de la guitarra evocan relajación. Enseguida se hace presente el Violín de Colin Pearson que pareciera discutir en completa calma con el hermoso sonido de la flauta; hasta ahora todo es sinfónicamente hermoso, todo se vuelve atransformar en los coros de mujer del inicio para concluir la canción."Drip Drip", ¿la mejor canción del álbum o me quivoco?. La pieza que a mi parecer es la mejor del álbum, cambios radicales, larga duración (poco más de 10:00 minutos), excelente trabajo en la voz de Wootton muy acercado a veces al tono de Peter Hammill de Van der Graaf Generator, paganismo, sincretismo musical, impresionante ritmo que los violines enfatizan, el sonido va descomponiendose en la parte intermedia de la canción para cambiar radicalmente de lugar con extrañas percusiones y ambientes cada vez menos posibles de digerir, enloquecida combinación vocal y todo esto posteriormente se reacomoda en el ritmo inicial de manera inesperada para culminar con una conclusión bastante desalineada pero que forma parte de esta escencia de la música de Comus.Tnego que destacar porque cabe hacerlo que la composición lírica es realmente asomrbosa en esta pieza.Posteriormente pasamos a "Sing To Comus", "The Bite" postergan la tendencia marcada por "Drip Drip" hasta llegar a la pieza más carente de sentido en el álbum: "The Bitten" de 2:26 segundos con una ambientación que desorienta y que invoca cierto "lunatismo", bueno podemos tomar esta pieza como preludio a "The Prisoner" última canción con un sonido perfecto para concluir el álbum, hablo de un sonido más "alegre" que exilia finalmente de todos los caóticos lugares musicales por los que antes se tiene que pasar (al adjetivar como "caóticos" no estoy afirmando mi disgusto por estos sino al contrario). Una excelente manera de terminar el álbum. El magnífico y álbum debut de comus First Utterance.

La composición lírica del álbum se mueve entre temas de la psique, desordenes mentales, amargura, dramatísmo, psicodelia y obscuridad. Comus fue muy admirado por David Bowie y consecuentemente Bowie invitó a esta banda a ser sus teloneros durante el término de la segunda mitad de la década de los 60'. Realmente First Utterance es un trabajo musical colosal y completamente asombroso, creo que una de las obra maestras y una de las bases esenciales en el posterior desarrollo del Rock Progresivo. First Utterance es un álbum por el cual definitivamente una persona con la disposición a la apreciación de las obras musicales más bellas y de la música con una bella arte en general, debe tomarse un tiempo para escuchar este impresionante trabajo.

                     DISCO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.

Mc Donald & Giles

Mc Donald & Giles, 1971/Inglaterra                                                       
Progresivo/ Sinfónico                                                                      

Después de un arduo trabajo en Julio de 1970 los músicos responsables de esta obra maestra pudieron ver su disco a la luz hasta Enero del siguiente año. 1971, el primer año de la década de los setentas, década de auge musical en diversas partes del mundo y en cuanto a diferentes estilos musicales en desarrollo. A las faldas de el primer disco de King Crimson, "In The Court of The Crimson King", músicos como Ian Mc Donald, los hermanos Giles (Peter Giles y Michael Giles) y Peter Sinfield pudieron pulir su brillante calidad de ejecución y de composición musical, para así poder grabar juntos con la ayuda de otros músicos un álbum que se apartaría relativamente del estandarte de Robert Fripp en King Crimson.

Si bien ya la he mencionado a los principales músicos, este álbum fue principalmente una idea de los ex King Crimson, Ian Mc Donald (alientos) que fue parte elemental en el desarrollo del primer álbum de la banda de Fripp, y que después de la grabación de este dejó la banda. Y de Michael Giles (percusiones) que aun permaneción para la grabación del segundo album de Crimson: "In a Wake of Poseidon"; además de estos dos grandes músicos, Peter Giles (hermano de Michael), Steve Winwood (Traffic), Michael Blakesley y Peter Sinfield (letrista de King Crimson) cumplen un importante papel en la construcción de esta obra maestra de título "Mc Donald & Giles" que aún con tendencias de King Crimson en el sonido, se convirtió en un disco sumamente influyente dentro del Rock Progresivo, además de ser uno de los primeros discos innatos de este género que para finales de la primera mitad y toda la segunda mitad de la década de 1970 se desenvolvió enloquecidamente por todo el mundo.

El álbum está compuesto de cinco canciones de diferente duración. La canción que honoríficamente abre el trabajo es llamada "Suite in C", una pieza de poco más de once minutos de duración compuesta por Ian Mc Donald. La pieza comienza con un tranquilo ritmo que marca un alegre tempo con ligeros pero complejos destiempos en la batería de Michael Giles y con pequeños cortes sinfónicos que al último se descomponen en una pieza claramente diferente con una gran influencia jazzística, un tempo más acelerado, la deseperada flauta de Mc Donald acompaña el agresivo bajo de Peter Giles, mientras Michael destroza el ritmo de la batería en complejos compases; la pieza va desintegrandose en un caos isntrumental muy al estilo de King Crimson para que después el caos se convierta en una linda melodía que forma parte de la misma "Suite in C", llamada "Here I Am", la intrumentación es excelsa y conduce a un cuarto cambio "Turnham Green" que es una muy rítmica pieza que acaba en un asombroso blues que podría hacer que sigas el ritmo al compás. ¡Vaya manera de terminar una canción!. Las canciones posteriores a "Suite in C" son: "Flight of the Ibis" una pacífica balada que estoy seguro que tiene casi la misma estructura musical y melódica que "Cadence and Cascade", pieza compuesta y grabada en el segundo álbum de King Crimson, "In a Wake of Poseidon". Después de terminar esta pieza el álbum continúa con una de las composiciones más bellas de este, "Is She Waiting?", se trata de otra balada con poca instrumentación pero un excelente trabajo en la guitarra y en la composición lírica, remite a una gran tristeza en la melodía; finalmente un puente de relleno a la siguiente canción: "Tomorrow's People/ The Children of Today" (Michael Giles) esta obra presenta un gran ritmo que Michael Giles marca en las percusiones (a menudo se le ha catalogado un sólo de batería; por comodidad puedes llamarlo así) mientras Mc Donald acompaña con el dulce sonido de su flauta transversal.

Para finalizar la pieza más larga del álbum: "Birdman". Una composición de 21:00 minutos de duración estructurada a su vez por distintas secciones que Peter Sinfield escribió (la letra está inspirada en un soñador e inventor de Aeroplanos: Alliott Verdon Roe) y que Ian Mc Donald compuso musicalmente: The Inventor's Dream/ The Workshop/ Wishbone Ascencion/ Birdman Flies/ Wings in The Sunset/ Birdman-The Reflection. Al igual que "Suite in C", "Birdman" presenta influencias jazzísticas con cortes sinfónicos y a veces tediosos, hasta llegar a "Wings in the Sunset" el pequeño preludio de la eminente parte final de esta pieza: "Birdman- The Reflection". Un sereno piano empieza a marcar los acordes sobre los que unos coros van haciendo hincapié, después de unos tiempos, Michael Giles entra con la batería aún en un volúmen tranquilo que va tentando el oído. El sonido y la intrumentación cada vez va incrementando (todo sobre las mismas notas) y va proyectando distintos matices en la ambientación, mientras Peter Giles en el bajo hace un excelente trabajo, incitando a Ian Mc Donald a hacer sonar las sublimes notas de una trompeta que dan el toque final de la pieza instrumental para terminar de una manera formidable la única obra artística (álbum) que estos músicos grabarían juntos.

En general el álbum es excelente, a pesar de que la calidad de grabación es un poco sucia, la instrumentación, composicón y ejecución que forman parte del trabajo son de una gran calidad. El álbum tiene un sonido muy apegado aún al sonido que King Crimson estuvo manejando al menos en sus primeros tres discos, paisajes sinfónicos y cortes de gran influencia jazzística y bluesera; la "apatía" influyente de la psicodelia también muestra algunas de sus cenizas en el trabajo de los Giles y Mc Donald, aunque en muy ligera porción, pues la inovación es mucho más prominente, ya que como incialmente mencionaba, este álbum es uno de los parteaguas en la música de la década de 1970.

                            
                               OBRA MAESTRA. MUY RECOMENDADO.

Roy Harper


Stormcock, 1971/Inglaterra                                                                                     
Acid Folk

El año de 1970 y más en específico, 1971 fué una época que envolvió en una tremenda significancia a algunos de los más grandes músicos del Rock en Inglaterra y en las tierras Norteamericanas. Discos de suma importancia acababan de publicarse: "Meddle" de Pink Floyd, "Led Zeppelin IV" de los mismos, "Tago Mago" de CAN, el grandioso "Mc' Donald & Giles" por Mc' Donald y Giles; por mencionar algunos. Se tenía que sobrevivir en la selva de la producción musical pues la comptencia se tornaba bastante fuerte a medida que el típico Rock Psicodélico de la segunda mitad de 1960 iba tocando el fondo de su auge y las bandas trataban de inovar.

Roy Harper, un músico inglés; al igual que Bob Dylan amante de Woody Guthrie. Un músico que no encajaba en el Mainstream de aquellas épocas; Roy Harper se resistió a los encantos del mercado musical pues una tremenda seriedad formaba parte de su "obscura" personalidad. Sin embargo uno de los más grandes genios de la música. Las influencias de Harper son claras: Blues. Roy Harper participó con diferentes músicos o agrupaciones que se interesaron en su excelente trabajo. Colaboró con Pink Floyd, siendo el intérprete de "Have a Cigar" del "conocido" Wish You Where Here. Así mismo llegó a colaborar con Pete Townshend de The Who y con el famoso flautista de Jethro Tull, Ian Anderson. Roy Harper fué amigo de muchos músicos que se volverían importantes, tuvo la oportunidad incluso de conocer a Nick Drake en un bar de inglaterra.

Ya con anteriores trabajos por su parte, Roy Harper decide grabar para 1971 el disco que se convertiría en el mejor trabajo de su carrera musical y que además para mi punto de vista, el disco que competiría sin problema alguno con los mejores discos del año: "Stormcock".
El impresionante trabajo discográfico del maestro es una de las más grandes obras de la historia de la música. Con sólo 4 largas piezas de entre 8 y 13 minutos de duración, el trabajo refleja una compleja e intensa travasía musical por pasajes de hermosos y a veces "incompresibles" arreglos de guitarra acústica, ligeros arreglos en los teclados y excelente y muy completo trabajo por parte de la ingeniería en audio (en cuestión de calidad). Entre otros ingenieros el disco fué producido por nada más y nada menos que Alan Parsons, ingeniero y músico que dió gran parte del color al Dark Side of The Moon. Y por si no fuera poco además del los arreglos en los teclados de David Bedford, la participación en todas la canciones de Jimmy Page (Led Zeppelin) fue el punto culminante de la estructura cualitativa del trabajo musical en el álbum y para el cultivo de éste.

Como ya lo había mencionado, el álbum está compuesto de cuatro piezas de "larga" duración, con la clásica técnica de Parsons "Non Stop" entre cada una de las piezas, lo que hace que no se marque una clara diferencia entre cada una de las piezas (el disco bien podría escucharse como una gran canción). La estructura de las canciones presenta una rara organización de las partes, con esto me refiero a que no están basadas en el típico: verso, estribillo, coro. La canción abridora y una de las más bellas recibe el nombre de "Hors d'Oeuvres" una hermosa composicion con bellísimos arreglos en las guitarras, coros en tonos perfectos, una impresionante melodía y una excelente composición lírica. La segunda pieza: "The Same Old Rock" , sin duda alguna la mejor composición del disco, se trata de una complicada canción con una compleja estructura pues dentro de la misma se encuentran dos canciones sobre mismos acordes pero en diferente melodía, excelentes pero complicadas guitarras, el uso de efectos en la edición de la canción es bastante notable, por ejemplo, el uso de "Reverb" o de algunos "Fade Out" en ciertas partes de ella. La composición lírica es igualmente impresionante sobre todo por el peculiar tono de Roy Harper (semejante al de Bob Dylan) que seduce con matices y contrastes impresionantes, cambios sorpresivos y una ejecución indiscutible de Jimmy Page que acentúa su influencia de guitarra española en cada una de las notas durante toda la pieza pero significativamente en la parte final de ésta donde pareciera que se empeña en la perfección coclusiva de la pieza con un majestuoso solo de guitarra (con un sonido muy español) tengo que aclarar que en ningún momento se hace presente alguna guitarra eléctrica.
"One Man Rock & Roll Band" otra colosal y devastadora pieza que compite a la altura de su antecesora, se caracteriza por ser más "austera", ésta vez es sólo Harper y su guitarra sin muy notables detalles pero con una composición igualmente asombrosa; la canción termina con un golpe en las teclas graves de un piano muy similar al final del "A day in the life" de The Beatles, dejando su resonancia para comenzar con la cuarta y última canción del álbum: "Me and My Woman" que como era de esperarse se trata de de una asombrosa composición que a mi punto de vista también está divida en dos partes similarmente a los trabajado en "The Same Old Rock". Una instrumentación más extensa en ésta pieza es muy notable, el piano de David Bedford se subleva e incluso lo que pareciera una pequeña orquestación se hace presente durante la pieza, violín, cello, y algunos cornos y trompetas. Ésto, más las cambiantes estructuras de Harper hacen de "Me and My Woman" la pieza más dinámica y la pieza perfecta para concluir el maravilloso trabajo discográfico de Sir Harper.

En cuanto al género musical desarrollado en el trabajo de Harper, hasta la fecha existen arduas diferencias en si clasificarlo dentro del Folk netamente, viéndolo desde mi ángulo y considerando que siempre se concibió a Harper como un artísta de Folk Británico; podría decir que el género de harper en éste album es un género híbrido o collage pues no muestra el concretismo que buscaría la taxonomía musical, creo que el trabajo de Harper en éste álbum favorece al llamado Folk Progresivo, desarrollado al igual por otras bandas como The Incredible String Band o Comus. Sin embargo la relevancia del género musical del Stormcock   carece de mucho al hablar sobre un tema más enfocado al desarrollo musical de éste e indiscutiblemente Stormcock se trata de una de las obras maestras de la historia de la música en general, una parte elemental de todo músico de todo apreciador de esta bella arte.

                TRABAJO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.

Harmonium

Harmonium, 1974/Canadá
Folk/Progresivo Sinfónico

Primera mitad de 1970, el rock progresivo se expresaba de una manera salvaje en diferentes partes del mundo, Canadá no fué la excepción. Canadá nunca se caracterizó por grandes generaciones de músicos o de géneros en los cuales se hiciera un importante énfasis. Serge Fiori se convertiría en uno de los más importantes músicos de Montreal, a sus 18 años ya era casi un músico profesional y empezaba con composiciones y estructuras musicales. Tras conocer a Michel Normandeau y posteriormente en el 73 a Louis Valois (el que sería el futuro bajista), Fiori formó con ellos Harmonium, una de las bandas musicales canadienses  francófonas que más sobresaldría dentro de la década de 1970 en éste país.

Después de haber compuesto cierto número de canciones (principalmente por Serge Fiori) Harmonium grabó su primer disco de título homónimo bajo una llamativa portada de lo que podría ser un boceto "renacentista" de un hombre con una rara indumentaria formada de instrumentos musicales. Harmonium manejó desde un principio un sonido bastante rústico por lo que los críticos musicales lo encasillaron dentro del Folk Rock, en realidad es una rara mezcla de sonidos con escencia "boscosa", alegre, y rústica. El uso de instrumentos eléctricos es escaso, de ahí que el sonido de Harmonium tienda a sonar lo suficientemente natural y rústico; guitarras de caja (acústicas), flauta transversal, piano, percusiones (yembes, batería), bajo, un fliscorno o flugelhorn. La voz de Serge Fiori es espectacular sobre todo por su buen francés, su manejo de tonos es bastante agradable, proyecta un tremenda serenidad que matiza a la perfección los armoniosos sonidos de las guitarras, la técnica de ejecución es aplaudible y muy respetable. El álbum contiene piezas con una maravillosa composición tanto lírica como musical (son pegajosas), tal es el caso de "Aujourd'hui, je dis bonjour a la vie" en la que el trabajo en las cuerdas de Fiori y de Normandeau es maravilloso. Otra de las piezas que definitivamnete describe la alta calidad de éstos músicos es la pieza abridora: y de título homónimo "Harmonium" que comienza con una bellísima y serena estructura armónica que Fiori ilumina con su excelente tono de voz; cambios musicales drásticos (principalmente de velocidad de ritmo) caracterizan la canción a lo largo de ésta, el trabajo efectuado en la guitarras es impresionante, pero lo más impresionante de ésta pieza es un magnífico arreglo en los minutos finales con el Fliscorno que avanza sobre fantásticos coros haciendo énfasís, una tranquila batería acentuante, y una verdaderamente impresionante sinfonía se va creando para llegar al final monumental de la pieza.

En lo personal creo que el Francés es uno de los idiomas más hermosos que existen  y Fiori lo hace sonar fantástico, esa también es una de las características que en Harmonium perduró. "Si Doucement", "Veilles Courroies", "Attends-moi", "Un musicien parmi tant d'autres" son cuatro de las piezas más sobresalientes del trabajo discográfico y por supuesto el sencillo "Pour un Instant" que fué transmitido en la radio de Québec y Montreal durante un cierto tiempo. "Pour un Instant" ha generado mis dudas en cuanto a la estructura de la canción, pues para mis oidos es bastante parecida a "Here comes the sun" de The Beatles, algunos arreglos en la guitarra parecerían conicidentemente o a propósito a algunos fragmentos de ésta cancion de el cuarteto de Liverpool, sólo suposiciones.

En general Harmonium es una banda que desde un principio dejó mucho de que hablar, su propuesta fué y es interesante, pues trataron una atípica mezcla de diferentes colores musicales para la primera mitad de 1970 en donde muchos músicos virtuosos en Europa y en E.U.A devastaban al público con potentes composiciones y shows extravagantes. Hamonium es una banda que definitivamente vale escuchar y ésta su primera produccion discográfica es el mejor de los comienzos.

                            EXCELENTE TRABAJO, MUY RECOMENDADO.
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Si on Avait d'une Cinquieme Saison, 1975.

Progresivo Sinfónico/Folk

Un año más tarde después de su artísticamente y no socialmente exitoso primer disco homónimo, éste impresionante trio Canadiense reclutó a nuevos músicos dejando de ser un trio para convertirse en un quinteto. Serge Locat en piano y teclados (incluyendo Melotrón), Pierre Daigneault en flautas (diferente afinación a las de Fiori), clarinete, saxofón y otros intrumentos de viento, Louis Valois, Michel Normandeau y por supuesto Serge Fiori más una colaboración especial Judy Richard una linda mujer con una maravillosa tonalidad vocal.

Ya con el notable enriquecimiento de músicos, Harmonium decide grabar a mediados de 1975 el álbum qye se convertiría en la obra maestra de toda su carrera como agrupación. Ésta obra fué titulada "Si on Avait d'une Cinquieme Saison", "Si tuviera que existir una quinta estación", evidentemente el título alude a las cuatro estacíones del año y al pensamiento hipotético desde su punto de vista de como sería una quinta estación (tema bastante inspirador) obviamente musicalmente representado. Siempre he sostenido (desde el ángulo artístico-musical) que las obras que están cargadas de un concepto en específico son mucho más interesantes que una conjunción de canciones sin relación alguna, tengo que aclarar que no estoy descartando la posibilidad de la belleza artística que podría derramar un disco sin una "carga conceptual". Simplemente creo que existe en las producciónes discográficas conceptuales una magnificencia incomparable en cuanto a totalidad artística. Precisamente ésta segunda producción de Harmonium carga un concepto, lo cual la hace mucho más interesante para el oido del apreciador.

Primitivamente Harmonium se caracterizó por su diversidad en cuanto a uso de intrumentación además de su naturalidad en el sonido, es decir su rusticidad sonora, "Si on Avait d'une Cinquieme Saison" no es la excepción, sin embargo, es sumamente notable una expansión en la instrumentación, factor que enriquece de una manera impresionante a los resultados (composiciones) musicales de la agrupación. Sin bien he mencionado que la "naturalidad" sonora de Harmonium es latente aún en éste álbum, es cierto, si embargo una pregunta es impactante para el escuha después de haber asimilado la bella obra y es pregunta es: ¿En donde carajos está la batería?. Pues bien como te estarás imaginando, no existe tal en ésta obra, el uso de percusiones hace acto de ausencia ésta vez lo cuál es un trinche al corazón de las composiciones, pero, posiblemente ésta obra no hubiese sido tan solemne, es difícil imaginar una batería en la completidad del álbum, pues una vez escuchado el disco la concepción de él te dice que ese álbum no lleva batería porque nunca la necesitó y porque en realidad no la necesita.

El trabajo de Harmonium consta de cinco impresionantes piezas las cuales representan a la perfección los sentimientos que las condiciones climáticas de cada época de año puede transmitir hacia el ser humano y lo que para ellos transmitiría una quinta y nueva época (es difícil de imaginarlo, ¿lo has intentado?).

Musicalmente hablando la escencia de las composiciones del trabajo discográfico retoma la sonatas melosas del primer álbum más una sinfonía imponente, atmósferas que pueden perderte dentro de su mismo onirísmo, paisajes musicales de ensueño, y un manejo maravilloso de la melodía. La voz de Serge Fiori es espectacular además de que Normandeau es ahora mucho más participativo como voz trasera. El trabajo de Serge Locat en los teclados es imprescindible al igual que el trabajo de los otros músicos. "Vert" la pieza abridora del álbum que representa la primavera, ésta irradia un tremendo enfoque positivo, el performance vocal empieza a dar de que hablar desde el principio de ésta y que decir del excelente trabajo de. Algo que me parece maravilloso es la forma en que tratan con efectos electrónicos retardantes del sonido a las flautas y al saxofón, le da un toque especial. "Dixie" la pieza que representa el verano y así mismo la composicion más enfática y alegre del álbum, curiosos sonidos en los teclados, un ritmo que alude a un "swing" en el cuál puedes chasquear los dedos al compás; clarinete, excelente trabajo en el piano, excelente trabajo en los arreglos de los coros, definitivamente ésta canción es muy pegajosa y rítmica. Después de un poco de alegría para comenzar bien el año, la melodía, armonía y la impresionante sinfonía de la que hablaba empieza a hacerse presente con "Depuis l'automne" (Otoño) ésta pieza ya tiende más a el uso de ambientaciones sobre las cuales lo paisajes oníricos empiezan a tomar color, un color agonizante que proyectan a la perfección Fiori y Normandeau con un destacable trabajo en las guitarras (también tratadas con efectos electrónicos). "En Pleine Face" la melancolía y el romanticismo sigue surgiendo mientras el tiempo transcurre, "En Pleine Face" es indiscutiblemente la mejor pieza del álbum, magnífica melodía en la voz, un acordeón se hace presente, bonitos arreglos de piano, la serenidad de la voz de Fiori y finalmente un hermoso verso que marca repetidamente "Ou es-tu j'en plus, je ne t'entends plus, ou es-tu? ..." cabalgando sobre una serena melodía del acordeon que después magníficamente se transforma en un hermoso arreglo que debería durar muchos minutos más (lamentablemente sólo dura unos segundos) para así finalizar la pieza y dejar un en el escucha un sincero suspiro (de menos en mí lo dejó). Después de las simulaciones de cada estación en las canciones se hace presente la quinta abstracción sobre la quinta estación: "Historie Sans Paroles", 17 minutos y trece segundos de duración en los que los músicos de Harmonium nos dan a entender como la belleza puede reflejarse en hermosos hambientes musicales sin necesidad del virtuosismo en la ejecución. Una hermosa pieza que para mi gusto encasilla a todas las anteriores, la participación de la cantante Judy Richard aquí es en donde destaca completamente, armonizando bajo los indudablemente hermosos arreglos de piano de Locat, hermosos coros los que nos brinda Judy; el sonido del mar, gaviotas, contrastes y matices instrumentales y vocales bellísimos. Realmente creo que no puedo decir más sobre ésta obra de arte, es totalmente imprescindible dentro de cualquier colección musical.

Sin lugar a dudas "Si on Avait d'une Cinquieme Saison" es una majestuosa obra conceptal llena de símbolos y hermosas proyecciones de la belleza de la naturaleza y claro, el mejor trabajo discográfico de la respetable agrupación canadiense (aplausos).

                        OBRA MAESTRA, ALTAMENTE RECOMENDADO.