Steve Hillage

Rainbow Dome Musick, 1979/Inglaterra.
Ambient

Steve Hillage es uno de los más grandes representantes dentro de la escena del Rock Progresivo de Cantembury en Inglaterra, una de las figuras más importantes del glissando y del Rock Espacial (vertiente del Progresivo) de todo 1970. Habiéndose codeado con bandas de talla como Spirogyra, Caravan, Egg en ámbitos menos formales y en más formales con Khan y Gong, además de la colaboración con Mike Oldfield en sus actuaciones alusivas al Tubular Bells, Steve Hillage ha sido un hombre de apasionante seguimiento musical a lo largo de su carrera y de un estupendo trabajo en cada tierra donde plantaron sus manos. Para 1979, tras haber dejado a Gong y haber grabado varios álbumes como solista, Hillage junto a la francesa Miquette Giraudy (ambos ex integrantes de Gong), decide trabajar sobre la Ambient Music que ya para finales de la década había dejado de ser un simple juego de experimentación gracias a artistas que imprimieron la suficiente seriedad sobre ella como la verdadera progresividad de la música y el intensivo uso de aparatos electrónicos. Rainbow Dome Musick es el continente de contenido puramente instrumental, sonidos sintéticos y secuencias tal vez no tan marcadas como las que acostumbraban los alemanes, pero son notables. Dos largas piezas: La primera "Garden Of Paradise" (comp. Giraudy), con pasajes sonoros hermosos inicialmente enfocados en el sonido del caer del agua, poco a poco los sonidos van envolviendo en un ambiente sumamente agaradable, ambientaciones provenientes de los sonidos atmosféricos de los sintetizadores, notas reverberadas, secuencias estereoaurales que van brotando de lado a lado, y lo que no podía faltar: un Steve Hillage haciendo su trabajo en la guitarra tratada con efectos, tocando pequeños solos que bien pueden apreciarse como un fondo detrás de todo el desenvolvimiento ambiental. La otra pieza, "Four Ever Rainbow" (comp. Hillage), es una pieza más serena pero igual de alentadora en al ámbito atmosférico, el sonido de esta segunda pieza tiene más brochazos reminiscentes al sonido de Gong, paisajes sonoros más espaciales con momentos igual de hermosos que la pieza antecesora. Rainbow Dome Musick es sin duda uno de los álbumes más magníficos dentro de la escena del Ambient, una pieza esencial que debe tener cabida dentro de la colección de cualquier seguidor de la música preciosista.

Por: Michel Loeza
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Edgar Froese

Epsilon In Malaysian Pale, 1975/Alemania.
Prog.Electrónico/Ambient

Edgar Froese fue el funador y siempre líder de la agrupación alemana Tangerine Dream, pionera de el sonido cósmico de la Alemania de 1970, y banda cumbre en la representación de la llamada Escuela de Berlín, basada en la composición del Rock Progresivo con elementos puramente electrónicos, sintetizadores, secuenciadores y demás. Durante las giras con Tangerine Dream entre 1974 y 1975, Edgar Froese se inspiró en algunos paisajes Malayos de gran esplendor, sus selvas húmedas y su misticismo y en la bahía de Maroubra en Australia (principalmente en el mar), para grabar un disco en su apartado como solista, iniciado en el año de 1974 con su disco Aqua; el disco fue nombrado Epsilon In Malaysian Pale. El álbum está compuesto de dos piezas de larga duración: "Epsilon In Malaysian Pale" y "Maroubra Bay" por sus respectivos lugares de inspiración. Como acostumbraban estos alemanes, el contenido del álbum es puramente instrumental, ambiental, onirísmo y largos pasajes de estabilidad sonora. Froese logra capturar a la prefección la esencia natural de cada uno de los paisajes, la primera pieza inicia con sonidos referentes a una jungla, se puede sentir la humedad de ella, su ambiente está encarnado en la pieza, secuenciadores, mellotrón, sintetizadores y otros instrumentos hacen posible la sensibilización del escucha a tal grado de mandarlo de viaje a los lugares deseados. Epsilon In Malaysian Pale es un disco perfectamente logrado, muy apegado al trabajo de Tangerine Dream aunque este en un porcentaje dominante más orgánico y naturalista, sin dejar atrás el aspecto sintético que tanto caracterízaba a estos Alemanes. El álbum es realmente una obra maestra del Ambient alemán y un trabajo que definitivamente que deja de que hablar sobre el maestro Edgar Froese. Recomendado.

Por: Michel Loeza
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The Electronic Hole

The Electronic Hole, 1970/EUA
Rock Psicodélico

Un sinfín de bandas fueron las que aproximadamente a partir de los inicios de la segunda mitad de 1960 surgieron alrededor de todo el mundo y principalmente en Estados Unidos como resultado de los movimientos contraculturales que ahora inútilmente pretenden retomarse, ejemplo:Hipsters, llámense Hippies. Pero eso, es otra historia. Siendo Estados Unidos el lugar de la generación de estos movimientos contruculturales, las agrupaciones de garages aumentaban en cifras considerables, por lo mismo su difusión era poca y a veces insustancial. LSD, Marihuana, Mescalina, DMT, Psilocibina... Rock Psicodélico. The Electronic Hole fue una de esas tantas bandas con tendencias ad hoc al entrono reminisciente a la escena. Guitarras desefnadadas, tiempos distraídos, una voz naturalmente reberverada, ritmos que pueden hacer que en un momento muevas el pie al compás y que de ese momento a otro empieces a ver a través de un Kaleidoscopio; se hace uso de un Sitar, glissandos, la instrumentación es diversa y atractiva a veces tendente al sonido de la Asia Menor. Desde la primera vez que pude asimilar el contenido del disco hice una comparacíón inmediata con The Velvet Underground pues el sonido llega a ser muy similar al de esta agrupación igualmente estadounidense, desde los solillos pícaros de Sterling Morrison hasta quellas saturaciones sonoras estresantes. El contenido del álbum está dividido en dos partes The Golden Hour y Love Will Find a Way cada una dividida a su vez en distintas partes simplemente numeradas. Nos se trata de un álbum conceptual o algo por el estilo simplemente la facha de ser Hippie. En general el álbum homónimo es una excelente elección si de buscar buen rock psicodélico se trata. Muy recomendado.

Por: Michel Loeza
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Mike Oldfield

Ommadawn, 1975/Inglaterra.
Progresivo Sinfónico/Instrumental

Se trata de Mike Oldfield uno de los músicos multiinstrumentistas más detscados en todo el mundo hasta la fecha. Caracterizado por sus proyectos ambiciosos y su técnica de ejecución en la guitarra, Oldfield ha adquirido un infalible respeto alrededor del mundo y un status que lo han llevado a la cumbre de la gloria. Empezezando su carrera musical estable en 1973, Mike Oldifield grabó el tan exitoso Tubular Bells, seguido de Hergest Ridge en el año de 1974, hasta llegar a Ommadawn editado ya para 1975. Ommadawn es uno de sus más ambicisos trabajos y en opinion personal el trabajo de mayor potencia compositiva y sinfónica. El contenido del disco está, como acostumbraba Oldifield, dividido en dos movimientos de larga duración cada uno (al. 20 mins). Simplemente "Part One" y "Part Two"[1]. Tras haber escuchado Tubular Bells, me dí cuenta de la gran capicidad que en Oldfield radicaba para poder crear todo un mundo sonoro que gira en torno a ambientes puramente oníricos, complejidad, una naturaleza innata, pasajes fantásticos, a una capacidad expresiva simplemente impresionante. El contenido altamente sinfónico del álbum logra envolver en un espectro en el que evolutivamente se penetra, cada sonido recorriendo tus huesos, trabajos instrumentales finísimos, técnica insuperable, registros musicales que oscilan entre influencias del sonido tradicional Nórdico y Celta. Sin lugar a dudas Ommadawn es una de las obras musicales más finas y mejor elaboradas dentro de la música en general, pieza infaltable en cualquier colección y definitivamente OBRA MAESTRA SIN PRECEDENTES.


[1]_Originalmente el álbum contenía una tercera pieza: "On Horseback". Posteriormente (actualemnte) fue incluida en la parte final de "Part Two".

Por: Michel Loeza
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Big Star

Third/Sister Lovers, 1978/EUA.
Power Pop

Big Star fue una banda que se desarrollo en la época de los 70's donde tal vez no fueron tomados con la importancia que se les debía ,este álbum es la expresión artística mas cercana a la nostalgia de ser un joven feliz, Alex Chilton se encarga de demostrarlo, el fue capaz de interpretar ese sentimiento,Third/Sister Lovers PVC fue lanzado en 1978,y reeditado en formato CD en 1992. La mayoría de las personas,tienen un extraño y diferido concepto sobre el termino pop,Big Star es un power pop contundente,entre tantas buenas canciones el álbum se conforma también de algunos covers ejemplo: "Femme Fatale". Big Star;peculiar,sonido fresco,amable,son y serán incondicionales para la buena referencia del pop

por :david
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Shelagh McDonald

Stargazer, 1970/Escocia.
Folk

Existen infinidad de grupos, y artístas que durante la segunda mitad de 1960 desarrollaron además de Psicodélia, un excelente trabajo dentro de la escena del Folk en general. Muchas voces femeninas que quedaron olvidadas y sepultadas por personajes más importantes como Joni Mitchell o Joan Baez, por un status de ventas muy por los suelos. Uno de los ejemplos claros de las voces que quedaron más enterradas es la escosesa Shelagh McDonald, cantante de orgien escosés que residió al término de 1960 en Londres. Fue hasta el año de 1971 que Shelagh lanzó su segundo y álbum debut Stargazer, ese mismo año Shelagh desapareció misteriosamente de todos y de todo, suceso que truncaría su dearrollo musical. Posteriomente explicó ante notario público que había desaparecido por efectos póstumos a un mal-viaje de LSD, paranoia y alucionaciones, una vida que había arruinado su voz. Stargazer es realmente una joya digna de alta valoración, piezas hermosas, canciones tradicionales[1] de Folk versionadas de manera sublime, arreglos de piano que recorren el cuerpo de extremo a extremo, melodías con toques paganos referentes a la alta edad media, pequeñas orquestaciones, en fin, técnicamente el álbum no deja nada que desear. Un álbum muy completo que se mueve entre tranquilas y melosas baladas hasta piezas más dinámicas, todo esto siempre matizado con la hermosa voz de Shelagh que sin duda dió a conocer un tremendo potencial, dió a conocer una de las voces más maravillosas de toda una era.

[1]_#5: "Dowie Dens of Yarrow", canción tradicional folk en Escocia, se desconoce su autor original.

Por: Michel Loeza
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Sebastian Hardie

Four Moments, 1975/Australia.
Porgresivo Sinfónico

Sebastian Hardie uno de los grupos máximos exponentes del Rock Progresivo en Australia. La banda se formó en 1967 bajo el liderazgo de Graham Ford (guitarra) y Peter Plavsic (bajo) ante el nombre de Sebastian Hardie Blues Band. Después de un arduo desarrollo musical, no fue hasta 1975 que su álbum Four Moments dió a la luz al público local y en su posteridad al internacional. El álbum es uno de los trabajos discográficos mejor elaborados dentro del la escena del Progresivo. Por su edición casi en totalidad sobre nonstop (piezas ligadas) y por los leitmotivs en la composición, nos remite este a pensar en que está trabajado bajo un concepto, y si no me equivoco así es. Con perfectas sinfonías, hermosas melodías y una voz extraordinaria de Ford, el álbum está lleno de pasajes musicales que oscilan entre momentos agresivos con una técnica en la ejecución impresionante, hasta momentos de serenidad que roban el alma. Sebastian Hardie alude mucho al sonido de bandas como Yes principalmente, Genesis y Camel. No obstante a las alusiones, el sonido de Hardie es característico, un sonido más aterrizado (menos trippie); un sonido que no deja de ser hermoso y alucinante en momentos. Moog Modulador, solos de guitarra devastadores, líneas de bajo profundas, la técnica en las percusioness igualmente devastadora y ambientes expresivos de derramante sentimentalismo. Sin duda una obra maestra y pieza elemental dentro de esta escena y de la música en general.

Por: Michel Loeza
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Spacemen 3 - Perfect Prescription

Perfect Prescrption, 1987/Inglaterra
Este disco es realmente infaltable en su colección,el trabajo que realizo Jason Pierce y  Peter Kember,tiene su definición mas clara en este album,sin duda es una gran influencia para sus posteriores proyectos como lo fue spiritualized y spectrum,dos grandes referentes de la musica en el aspecto que deseen verlo,hace algunos dias salio el disco tomboy de Panda Bear y bueno,es Peter Kember quien hizo la mezcla.Sin mas preambulos les dejo el primer disco de lo que espero sea una buena contribución para su percepción musical.
Por:David 

Pyranha

Pyrahna, 1972/Suiza.
Prog/Psicodélico.

Banda Suiza de la primera mitad de la década de 1970, etapa de los inicios del Rock Progresivo, de los comienzos en la superación del Folk y de la Pisicodélia. La brasas de la Psicodélia aún arden y un ejemplo claro es: Pyrahna. Sonidos poco digeribles con pasajes que pueden oscilar entre el Jazz y el Blues, básicamente improvisación, poca composición lírica, destiempos, rarezas sonoras, The Velvet Underground + LSD, experimientación con objetos de uso cotidiano,  Francés, ambientes ácidos, todo esto hace del disco una propuesta bastante interesante dentro de la experimentación en el Rock Suizo de la escena underground. A pesar de las composiciones desestructuradas y de los casi indigeribles paisajes experimentales, se pueden encontrar piezas de índole rítmica y bastante agradable como "Clepsydre", primera pieza, Jam, con Hammond, Saxofón, un buen riff en el bajo con un sonido pegándole al Jazz/Fusion y al Funk parecido a sobre el que Can se pasearía anteriormente con su Tago Mago. Sin duda este disco es una rareza la cual merece un espacio de tiempo para tus oídos.

Por: Michel Loeza.

Comus

First Utterance, 1971/Inglaterra
Folk Progresivo/ "Acid" Folk                                                      

Comus (Dios Griego del jolgorio), 1971, una portada interesante, dibujo del vocalista principal Roger Wootton; un trabajo musical asombroso. Posteriormente de adquirir por primera vez este disco, escuché apenas unos segundos de la primera canción y los sonidos que Comus maneja, no me parecieron en absoluto digeribles, desde que Roger Wootton  escupe las primeras palabras en un tono que pareciera de un lunático queriendose hacer el buen cantante con un arrastrado acento en la pronunciación del Inglés lo que te hace creer inmediatamente en que es británico. Algún otro buen día me decidí hacerle caso a ese disco, Firt Utterance, que rogando por ser escuchado me ponía una triste cara... finalmente el que puso la triste cara fuí yo, rogando porque el disco volviese a reproducirse.

1971, inicios de la primera mitad de la década de 1970 (época de auge musical). Las manos del Rock Progresivo a penas comenzaban a verse en el aire, la influencia del ambiénte psicodélico de 1960 estaba  ya dejando algunas de sus cenizas, y la madurez de los grupos musicales aclamaba su resplandor. Comus fue uno de los más claros ejemplos de maduración y víctima de un cierto sincretismo en la misma composición. Después de haber escuchado el album me resultó un tanto difícil poder hacer una clasificación de este dentro de la taxonomía musical, pues las composiciones integradas en el trabajo muestran una impresionante fusión de géneros, y creo que decir géneros suena a "fácil encasillado, mejor dicho: de sonidos que oscilan entre el Folk principalmente, sonidos paganistas, nórdicos tradicionales en una combinación con los sonidos étnicos del medio oriente, claro, más paisajes sinfónicos que van de extrema estabilidad y obscuridad, pasando por lugares sumamente rítmicos a paisajes de tiránicos "desordenes" musicales". A menudo se ha hecho énfasis en la mención de es notable una influencia Jazzística en el sonido del First Utterance, sin embargo, yo jamás le he encontrado la influencia Jazzística a la estructura melódica de las canciones. El álbum se concentra en su sonido mucho más rústico y étnico, o tradicional, esto por la casi ausencia total de aparatos electrónicos en la elaboración. Es por todo esto y por otros factores musicales más por lo que yo podría clasificar esta obra musical como Folk Progresivo, (la mayor influencia es del Folk) toques psicodélicos + folk; así es, Folk Progresivo en comparación con el trabajo de Roy Harper en su Stormcock que presenta una tremenda similitud con First Utterance, ó con el trabajo de The Incredible String Band indudablemente.

El álbum está compueto por 7 piezas con la suficiente carga musical para atormentar a cuelquier analítico del álbum. Empezamos con "Diana", pista abridora del álbum como inicialmente lo mencionaba, creo que "Diana" es la composición con más facilidad de digestión para el escucha, y es la pieza perfecta para intruducirte en el sonido de Comus, un sonido "cómico" hasta cierto punto en esa línea del bajo, un coro con influencia del sonidos orientales, flautas, una excelente ejecución de las percussiones (no se usa batería en ningún momento, sino Bongoes y Yembes entre otras percusiones). La canción pasa rápidamente para empezar a conocer verdaderamente el hogar de comus, la bienvenida perfecta a este es la segunda canción: con poco más de 12:00 minutos de duración "The Herald", arriva a tus oídos con unos lindos coros de mujer que se hacen presentes mientras entre una onírica y melosa ambientación se combinan con el arpegio de la guitarra para que al terminar nos lleve de la mano por una parte con un indiscutible, y en serio indudablemente maravilloso trabajo de la guitarra, arpegio sobre arpegio, serenidad, los sonidos de la guitarra evocan relajación. Enseguida se hace presente el Violín de Colin Pearson que pareciera discutir en completa calma con el hermoso sonido de la flauta; hasta ahora todo es sinfónicamente hermoso, todo se vuelve atransformar en los coros de mujer del inicio para concluir la canción."Drip Drip", ¿la mejor canción del álbum o me quivoco?. La pieza que a mi parecer es la mejor del álbum, cambios radicales, larga duración (poco más de 10:00 minutos), excelente trabajo en la voz de Wootton muy acercado a veces al tono de Peter Hammill de Van der Graaf Generator, paganismo, sincretismo musical, impresionante ritmo que los violines enfatizan, el sonido va descomponiendose en la parte intermedia de la canción para cambiar radicalmente de lugar con extrañas percusiones y ambientes cada vez menos posibles de digerir, enloquecida combinación vocal y todo esto posteriormente se reacomoda en el ritmo inicial de manera inesperada para culminar con una conclusión bastante desalineada pero que forma parte de esta escencia de la música de Comus.Tnego que destacar porque cabe hacerlo que la composición lírica es realmente asomrbosa en esta pieza.Posteriormente pasamos a "Sing To Comus", "The Bite" postergan la tendencia marcada por "Drip Drip" hasta llegar a la pieza más carente de sentido en el álbum: "The Bitten" de 2:26 segundos con una ambientación que desorienta y que invoca cierto "lunatismo", bueno podemos tomar esta pieza como preludio a "The Prisoner" última canción con un sonido perfecto para concluir el álbum, hablo de un sonido más "alegre" que exilia finalmente de todos los caóticos lugares musicales por los que antes se tiene que pasar (al adjetivar como "caóticos" no estoy afirmando mi disgusto por estos sino al contrario). Una excelente manera de terminar el álbum. El magnífico y álbum debut de comus First Utterance.

La composición lírica del álbum se mueve entre temas de la psique, desordenes mentales, amargura, dramatísmo, psicodelia y obscuridad. Comus fue muy admirado por David Bowie y consecuentemente Bowie invitó a esta banda a ser sus teloneros durante el término de la segunda mitad de la década de los 60'. Realmente First Utterance es un trabajo musical colosal y completamente asombroso, creo que una de las obra maestras y una de las bases esenciales en el posterior desarrollo del Rock Progresivo. First Utterance es un álbum por el cual definitivamente una persona con la disposición a la apreciación de las obras musicales más bellas y de la música con una bella arte en general, debe tomarse un tiempo para escuchar este impresionante trabajo.

                     DISCO ALTAMENTE RECOMENDADO, OBRA MAESTRA.