Klaus Schulze (1976)

Moondawn, 1976/Alemania.
Kosmische Musik/ Escuela de Berlín/ Electronic

Actualmente he notado en las personas que hablan sobre Krautrock (Kosmische Musik) que  existe una gran confusión a la hora de aplicar el término generalizando a todas las bandas Alemanas de música electrónica que se desarrollaron durante la década de 1970, y que no se hace una parada para enfatizar las subdiviones de este género, es decir: Motorik, Escuela de Berlín y Escuela de Düsseldorf. Es importante hacer la aclaración precedente, pues el sonido entre cada una de las vertientes del género es (supuestamente) de sonoridades y "dogmas" diferentes. Y a propósito, me enfocaré esta vez en la Escuela de Berlín: la Escuela de Berlín para Música Electrónica se referie a la brecha generacional de músicos que se desarrollaron en esta región y que se enfocaron principalmente en el uso de aparatos puramente electrónicos para la elaboración de su música, detalle que les daría una sonoridad absolutamente espacial y más sintética en comparación con la Escuela de Düsseldorf por ejemplo, que manejaban un sonido un poco más orgánico; los músicos berlineses como Klaus Schulze, Edgar Froese, Christopher Franke, Peter Baumman (Tangerine Dream) o Manuel Göttsching, cabecilla de Ash Ra Tempel, enfocaron, según la taxonomía musical, enfocaron su trabajo en una línea estilística vanguardista que se expandiría por todo el mundo para influenciar a otros músicos, tal es el caso del francés Jean Michel Jarre1. No obstante a la taxonomía y las clasificaciones toda esta música de índople anímica, vanguardista y de sonoridades cargadas de misticismo son parte de una generación que marcaría para siempre la estética musical y los lineamientos artísticos. Esta vez el post va abocado a uno de los líderes más impresionantes y novedosos de la generación de músicos Alemanes más creativos e inteligentes que su tierra vió nacer: Klaus Schulze.

Tras haber trabajado como baterista en el álbum debut de Tangerine Dream: Electronic Meditation, Klaus Schulze decide comenzar su carrera en solitario para grabar su álbum debut, Irrlicht en 1971, el experimento de Klaus Schulze fue desenvolviéndose más en un proceso enajenador que despilfarró novedad en todo el sentido de la palabra. Ante sus primitivas experimantaciones con LSD, y bajo la influencia de la ya casi muerta Psicodélia de la segunda mmitad de 1960, Klaus Schulze comenzó sus experiemntaciones en su cuarto de casa, con algunos teclados y grabadoras para enfocarese en la creación de ambientaciones penumbrales, místicas y casi rítmica y melódicamente ausentes. La evolución de Schulze es notable si se pone atención en su línea estilística desde la sonoridad de ambientes sobrepuestos para la creación de ambient de los tempranos 1970, hasta el uso de completo y la técnica avanzada de los Sintetizadores y Secuenciadores a mediados de la década con su álbum Blackdance (1974), instrumentos clave en la creación de la música que definiría el camino vanguardista de su característico sonido. Moondawn: he decidido escribir sobre Schulze por primera vez con este álbum porque es a mi gusto, es uno de los trabajos más espectaculares de su carrera y un álbum que marca un verdadero antes y un después en su madurez sobre su objetivo.

Moondawn es un álbum compuesto de dos piezas de larga duración: "Floating" (27:14 mins) y "Mindphaser" (25:37 mins) (en su edición de lujo incluye "Floating Secuence"), rasgo característico en la mayoría de sus trabajos: pocas piezas, larga duración. El álbum es algo completamente fuera de lo normal y difícil de describir, pues es la perfecta combinación entre la secuencia de sonidos y el revestimiento ambiental primitivamente manejado. Comenzaré tratando de describir cada una de las piezas. "Floating": es la pieza abridora y en mi opinión la más devastadora del álbum, bajo unos extrañamente "cristalizados" y agudos sonidos, una voz de un hombre con un acento reminiscente al de algunos países del Medio-Oriente se muestra para fundirse con un sonido "campanal" que se repite varias veces como anunciando el comienzo de la secuencia, algunos acordes que ambientan se hace presentes en diferentes tonos; poco a poco, una secuencia rítmica y sumamente repititiva se muestra en un sonido ascendente desde lo casi inaudible hasta completarse y dominar la pieza, mientras el sonido que acompaña la secuencia de un Kit electrónico de batería2  no abandona y juega con los tiempos, la secuencia sigue, saturando los oídos con sonidos que pareciecen surgir de todas partes, de pronto, cambios de tono que estremecen desde la nuca hasta las extremidades, el sonido de la secuencia es suficientemente hipnotizante como para hacer caer al escucha en una especie de trance y de desbalance del sentido del equilibrio, la secuencia muestra un ritmo que pareciese inagotable y que bajo experiencia propia es completammente enajenador, los efectos son variables en cada persona. "Mindphaser" rompe un poco con la línea estilística de la pieza antecesora: comienza con potentes masas atmosféricas que no renuncian a su belleza y que tocan el fonde del alma, los sonidos "cristalinos" siguen haciendose presentes como en el inicio de "Floating", las atmósferas ambientales casi funerales, alcazan por poco los 12:00 minutos de duración para que una supresión sonora acabe con ellas para entrar con un potenciado ritmo de batería mientras Schulze encima capas de sonido sobre capas de sonido, matizando con inumerables arreglos y dedos virtuosos sobre el Modulador Moog, sin secuencia definitiva como en "Floating", los dos músicos se disponen a caotizar la pieza para poco a poco subir la velocidad sobre el tiempo.

Moondawn es una joya que en comparación con otros trabajos del maestro, no es la gran cosa, pero que es un trabajo que en términos sumamente relativos no es tan complicado para la digestión de algun interesado que se inicie en la atípica sonoridad de Klaus Schulze, un trabajo altamente recomendado para conocer las raíces de la música electrónica y para no pasar por alto a uno de los músicos de nuestra era, paradójicamente más fuera de ella que han puesto sus pies sobre esta tierra.

1: Ver Jean Michel Jarre y "Oxygene"
2: Harald Grosskopf, asistente dominante del Electronic DrumKit

Por: Michel Loeza
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Harmonia (1973)

Musik Von Harmonia, 1973/Alemania.
Kosmische Musik/Krautrock

Harmonia fue un proyecto, llamado super grupo formado por los ya bien conocidos en el  mundo de la música electrónica Alemana: Hans J. Roedelius y Dieter Moebius más la adición del guitarrista Michael Rother proviniente de Neu!, power-trio que dejaría huella en el ambiente de la música cósmica en Alemania sobre la primera mitad de 1970, década de su auge. Musik Von Harmonia (debut) es un disco que puede ir desde los sonidos más rígidos con ritmos secuenciados y mecánicos hasta las ambientaciónes más sensuales, el trabajo con el que fue elaborado el álbum es de una calidad realmente apreciable. Obviamente el contenido del álbum es plenamente instrumental, algo caracterísco dentro de la Kosmische Musik en Alemania, por cuestiones de búsquedas anímicas, hasta cierto punto espiritistas (tal es el caso de Popol Vuh), y de cualidades de transmision sensitiva al oyente. Algo que siempre me ha parecido importante clarificar antes de recomendar un álbum que se desenvuelve con tales ambientaciones y atípicas sonoridades, es que se debe prestar la máxima atención cuando se escucha, evitando distractores, pues sólo de esa manera son parcialmente concebibles las obras de índoles similares. Musik Von Harmonia no es la excepción, sobre todo para primerizos en esta atmósfera; el álbum es definitivamente difícil a la hora digerir, pues las piezas no mantienen una línea rítmica y/o estilística en sus transiciones, por ejemplo: la pieza abridora "Watussi" que comienza en una sonoridad ascendente a proyectar un ritmo secuencial y muy consistente en su sustancia, hacia la radicalidad del cambio a la segunda"Sehr Kosmisch" , que es indudablemente severa, pues la segunda pieza de aproximadamente 11:00 minutos de duración es una hipnotizante relación entre el aparente latido de un corazón y ambientaciones anímicas y "espaciales".

Tras haber escuchado Musik Von Harmonia, alguna vez Brian Eno, sugirió de manera muy drástica que Harmonia era la banda más importante de todos los tiempos, cosa que personalmente me parece una bestialidad, pero que sin embargo, puede ser una de de las agrupaciones más importantes dentro de la historia mundial de la música, pues junto a agrupaciones como Kraftwerk, Faust (del Motorik), Lard Free, Tangerine Dream, etcétera, marcaron una brecha generacional de medidas inconmesurables para la elabroación de la actual música electrónica y del New Wave (de la cuál muchas veces se ignoran sus raíces). Musik Von Harmonia es una joya que no debe pasar desapercibida por el interesado y también, por el no (imbécil) interesado. Ambientes robóticos, espaciales, anímicos, pasajes musicales obscuros e hipnotizantes hacen del trabajo de Harmonia una obra con un balance digno y una certeza notable ad-hoc en cuanto a la rigidez de la idea sobre la que se quería trabajar. Sin duda Musik Von Harmonia es un álbum cien por ciento recomendado, y pieza para los oídos más exigentes de avant-garde musical.

Por: Michel Loeza.
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Peter Hammill (1973)

The Silent Corner and the Empty Stage, 1973.         Rock Progresivo

Peter Hammill, uno de los íconos más representativos dentro de la escena del Rock Progresivo más puro desarrollado durante la década de 1970, y uno de los músicos más influyentes e inteligentes de Inglaterra. Tras haber grabado varios discos junto a Nick Pearne, Judge Smith, Guy Evans, Hugh Banton, Nick Potter, Ian Ellis y David Jackson1 bajo el igualmente icónico nombre de Van der Graaf Generator, la agrupación tuvo un importante periodo de recesión en 1971 por distintos factores y habiendo dejado como último trabajo el importantísimo de medidas colosales "Pawn Hearts" antes de que Hammill comenzara a "trabajar por su cuenta" en su tercer y más desulmbrante álbum: "The Silent Corner and the Empty Stage". Antes de entrar de lleno a la reseña sobre el trabajo discográfico de Hammill, quiero hacer énfasis en que el trabajo de Hammill como solista siempre ha causado una importante polémica, pues si bien es sabido que una carrera como solista es tomada en el sentido más literal del solitas, The silent Corner and the Empty Stage es un trabajo en el que todos los miembros del Van der Graaf presente en aquellos años, son partícipes, lo cual ha puesto en duda estupideces como si el disco es parte de la discografía de la banda o no. El apartado solitario de Hammill está definido por la plenitud sobre sus letras y por la predominación de las ideas en cuanto a la composición y estructura del álbum, en estos casos es casi obsoleta la participación de los músicos asistentes.

Estando lo anterior enfatizado, entramos al trabajo de Hammill: bajo una sujestiva y enigmática pintura de Bettina Hohls diseñadora y ex-miembro de Ash Ra Tempel,The silent Corner and the Empty Stage, es sin duda alguna uno de los mejores trabajos discográficos dentro del ambiente del Rock Progresivo mundial y dentro de la carrera de Hammill, si no es que aquí el más importante y elaborado de sus trabajos. Este es sin duda un trabajo sumamente obscuro, continente de composiciones líricas poetizadas, con metáforas complejas, cuestiones melodramáticas de índole filosófica y notable combinación del conocimiento artístico, literario, científico y astronómico, factor característico de Hammill. La fineza en la estructura de las composiciones es notable desde que los primeros acordes de la pieza abridora se sublevan: "Modern" , una de las piezas más enigmáticas del repertorio y una belleza que abre las puertas de la mística atmósfera en la que el álbum se desenvolverá en las piezas venideras. Pasajes musicales que van desde la más bella melodía hasta los trances más inescrutables y perturbadores para el oído, que sin dejar de ser espectaculares seducen a la atención más establecida. La voz de Peter Hammill es otro de los factores que contrastan el misticismo, una voz sumamente brillante y llena de vicisitudes impresionantes, cambios inesperados y un manejo sublime en sus tonalidades. Sin embargo no todo es penumbroso, también son mostrados trabajos más calmos y melódicamente más digeribles, tal es el caso de "Wilhelmina" y "Rubicon" . La ejecución musical e instrumentación (hasta la post-producción) es indiscutiblemente una maravilla. Me parece importante hacer una parada en la pieza que atrapó mi ateneción desde el momento en que la escuché por primera vez: "Red Shift" 2 que por el título alude al fenómeno astronómico del distanciamiento solar, y con el cual curiosamente Hammill hace una interesante mezcla, tomando como referencia el issue fenomenológico, y jugando en primera persona del singular con cuestionamientos filosóficos-existenciales. La instrumentación es enérgicamente ascendente hasta que rompe con una atmósfera serena para volver a entrar con más fuerza, si ya la voz de Hammill es impresionante, en esta pieza se vuelve una calamidad por la cantidad de efectos vibrantes con los que es tratada; un ritmo acabalgado que se muestra agresivo se transporta sobre potentes líneas de bajo que son matizadas por el saxofón de David Jackson, junto al sonido desalineado de una guitarra eléctrica que juega con su dispar; el álbum finaliza con una pieza de 12:00 mins de duración: "A louse is not a Home" , obra cumbre de el álbum.The Silent Corner and the Empty Stage es indudalemente un trabajo épico que debe ser parte de cualquier colección musical de culto, sin importar la afinidad de esta. Y es un trabajo que requiere de de respeto y paciencia para poder digerirlo.

1: No todos los integrantes formaron parte del grupo desde 1968 hasta la 1974 como un conjunto, sino todos formaron parte alguna vez en              
    diferente combinación.
2: Más información sobre el "Red Shift"

Por: Michel Loeza
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Ross Daly (2004)

Microkosmos, 2004, Grecia.
World Music.

Ross Daly ha sido uno de los músicos de mundo tal vez más underrated durante un gran tiempo, y claro no es nada anormal si de cuestiones de usufructo musical masivo y popular hablamos. Pues siendo un músico con una pasión extraordinaria, Ross Daly vivió durante más de 30 años en la isla de Creta una de las islas más importantes que forman parte del terriorio de Grecia. Estando en constante convivenvia con la cultura Creta, Ross Daly comenzó sus estudios musicales especializados en la Lyra de Creta uno de los instrumentos más importantes del Imperio Bizantino en Europa, y que precisamente si uno escucha, el sondio nos es reminiscente al Medio Oriente: regiones del Imperio Persa, Turquía, Siria, etc. Ross Daly tuvo una gran influencia e idea de los sonidos de distintas partes del mundo oriental, siendo esto con sus estudios, la pauta que le permitió inspirarse para componer sobre las tonalidades tradicionales de las regiones. Microkosmos es uno de sus últimos y más elaborados trabajos de su carrera musical. El sonido de Microkosmos está basado en la música tradicional de Creta con ligeros matices de la música Oriental externa. La ejecución musical es absuloutamente una joya indiscutible, el virtuosismo se hace presente desde las percusiones que marcan el paso rítmico acabalgado hasta los presentes sonidos de un Santur, Neys, Koras, Bandires, todos, instrumentos clave dentro del Medio Oriente; la veracidad con la que la representación de la música es lograda no tiene formas de descripción, esencialmente en "Momentus": una pieza de medidas inconmensurables dominada por misteriosos y supensivos vientos que rompen con un impetuoso ritmo de las percusiones acentuadas con la el poder de la Lyra de Daly y de los demás intrumentos.


Microkosmos un trabajo musical que definitivamente tiene mucho que ofrecer en cuanto a la vitalidad, y la pureza del contenido. Es la forma perfecta de abrir perspectivas musicales y de rescatar el tradicionalismo de regiones del mundo a veces desconocidas para un gran porcentaje de la póblación mundial, además de reconocer el trabajo de músicos como Ross Daly, que emprenden en base a verdaderas pasiones artísticas. Absoluta recomendación.


Por: Michel Loeza.
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Fraction

Moon Blood, 1971/E.U.A.
Acid/Hard Rock [Infl.Blues]

Otra de las raras gemas de los tempranos 1970. Fraction es otra de las bandas que seguían curiosamente una línea estilísitica en su sonido para principios de 1970, como Atomic Rooster, The Doors, Captian Beyond, Hairy Chapter, Warhorse, por nombrar algunos de esta gran gamma de agrupaciones. Un sonido crudo, con toques psicodélicos aún, solos de guitarra agresivos, voces poderosas, etc.. Fraction fue una banda que, como muchas otras desafortunadas, sólo pudieron grabar un álbum debido a cuestiones de oportunidad, apoyo y difusión. Sin embargo si pudiese sustituir a una banda afamada por Fraction sería a The Doors a propósito de sus issues. La banda estaba liderada por el impresionante vocalista Jim Beach que en algún tiempo tuvo algunos roces con Jim Morrison en el escenario y claro, si existiera alguien que pudiese destruir la fama de Morrison, sería Jim Beach si de cuestiones cualitativas se tratara. Pero, ¿Por qué The Doors?...en repetidas ocasiones fue comparada la agrupación de Jim Beach con la de Morrison, ya que seguidores y críticos encontraban una extrema simulitud en su ambiente, desde los rangos vocales de Beach hasta las formas e influencias de sus composiciones. No obstante a dichas comparaciones creo que el Moon Blood de Fraction, grabado para 1971, y perdido para siempre, podría derribar sin problemas tres álbumes de The Doors juntos. El poder de Fraction es impresionante, su música se puede sentir mucho más sincera a pesar de la pobre produccion del álbum.

El sonido de la banda oscila entre virtuosismo y una melodía majestuosa, una perfecta combinación entre energía y pasividad, tal es el caso de "Eye of The Hurricane". Cambios repentinos, Blues, la poderosa y sensible voz de Jim Beach, guitarras devastadoras que también matizan con sutilezas, una ejecución en las percusiones sentencial al igual que la de las poderosas líneas de Bajo. Sin más, un Rock crudo y energético en contraste con hermosa melodía es el sonido que caracteriza a Fraction, y el sonido que hace una varavilla de su álbum Moon Blood, una de las más maravillosas obras perdidas de los tempranos años de la década de 1970. Algunos dicen que tal vez el Moon Blood es el disco que The Doors siempre quisieron grabar. Poder irremediable, absoluta recomendación.


Por: Michel Loeza.
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The Advancement

The Advancement, 1969/E.U.A.
Jazz Fusion/Jazz-Rock [World Music]

Tras una interesante y bonita portada se esconde la agrupación de finales de 1960: The Advancement. Conformada por músicos de alta reputación en diversas escenas del Jazz de mediados de la década, The Advancement es una agrupación que a nivel artístico logro un fuerte impacto con su obra homónima pero que a nivel comercial logró un lamentable y casi nulo usufructo, cuestiones de difusión, de producción o a veces hasta cuestiones regionales son influyentes en la forma de elevación comercial y de lucro musical no obstante a que muchas de las veces existían y existen agrupaciones con una calidad compositiva incluso más interesante y jugosa que algunas de las bandas más comerciales, y actualmente este problema sigue siendo un temor para los músicos independientes. The Advancement fue formada en el mismo año de grabación de su álbum por el percusionista Hal Gordon y el bajista Lou Kabok, posteriormente se fueron reclutando un conjunto de excelsos músicos que concretarían el peculiar estilo del sexteto. La peculiaridad del sondio de The Advancement y su escasa atención recae en la temporalidad en la que se desarrolla, pues para 1969 el resultado del trabajo de las agrupaciones constitía básicamente en la Psicodélia en boga y en los sonidos apáticamente aturdidores. A causa de estos factores externos, la agrupación llegó a su casi inmediata disolución póstuma a la grabación del trabajo discográfico.

La propuesta rasga la vanguardia musical estilística y técnicamente virtuosa sin caer en la exageración; es notable un impresionante eclecticismo en las formas musicales, siendo únicamente instrumental la música de la agrupación (a excepción de "Stone Folk" donde sólo se usan coros) se puede notar una importante influencia del Jazz con vertientes como el Latin Jazz o el Hot Jazz (aún no tan desarrollado para tal época), un poco de Folk, algunos tintes de Rock más austero con guitarras distorsionadas, sonidos étnicos de Asia Occidental y Oriental , sonidos típicos de la técnica española en la guitarra, etcétera. Al igual que el sincretismo musical en la obra de esta banda, es muy sobresaliente el uso de una instrumentación variada que entre su diversiadad es muy caracterítico el sonido de un Vibráfono, casi siempre presente y a veces como una singular representación de la ausente voz, creo yo. Flautas, Pandero, Teclados, Contrabajo, Percusiones, Guitarra, Bajo Eléctrico, Armónica son también parte del ambiente de The Advancement, un sonido bastante agradable que no está ni estuvo en algún momento por debajo de los estándares de calidad musical. Un disco altamente recomendado y que debería ser considerado dentro de colecciones musicales con verdadero aprecio a la música bien lograda. Una Joya de los ya casi muertos 1960.


Por: Michel Loeza.
Descarga: The Advancement-1969 [Rapidshare]

Fresh Maggots

Hatched, 1971/Inglaterra.
Folk/Acid Folk

Fresh Maggots es otra de las agrupaciones perdidas de Folk Inglés durante finales de 1960 y principios de 1970. Poca difusión y sobresaliente similitud con el sonido de la escena. Pero vaya, entre grupo y grupo de Folk ¿que tanta diferencia pudiese haber?. No obstante a esta similitud prejuicial Fresh Maggots logró conseguir un peculiar sonido que sin exgararlo logró marcar una sutil línea entre la rectitud del género sobre el que trabajaron y la peculiaridad y el estilo de su sonido. Forma imponente que consiguió considerárseles por muchos actualmente, una de las agrupaciones de culto dentro del Folk más influyentes, principalmente para gran parte del sonido actual en inglaterra. Las tierras del condado de Warwickshire en Inglaterra fueron las que vieron nacer a Mick Burgoyne y a Leigh Dolphin, dúo de intrumentistas que conformó Fresh Maggots y que únicamente lograría grabar su disco homónimo para principios de la década de 1970. El sonido de Fresh Maggots se mueve entre las sutiles formas del Folk tradicional inglés y el Folk-ácido infludio por la Psicodélia de la época. El uso de diversos intrumentos es notable, flautas, pandero, glockenspiel, un hermoso violín que se hace presente en algunas piezas para armonizar a la perfección, una armoniosa voz que sin mucho color matiza, y obviamente, las guitarras pioneras de ambos músicos que a veces combinan el sonido acústico con guitarras distorsionadas con un fuzz agresivo, característica que resalta el sonido tan peculiar del dúo. El álbum está lleno de piezas que van desde la completa serenidad y bella melodía, hasta piezas que tienen ritmos bastante pegajosos y alegres, cambios repentinos y dinámica impresionante de este par de excelentes músicos. A diferencia de bandas como Trees, Forest, Comus o The Incredible String Band, Fresh Maggots logra desengancharse un poco más del sonido "Medieval" o Pagano que estas agrupaciones solían considerar. Fresh Maggots es un álbum al que vale la pena echarle un vistazo, y un álbum que sorprende tras el prejucio de considerar a veces el Folk inglés de la época como tedioso y pedantemente análogo. El álbum además en su grabación original incluye una pequeña lista de piezas como bonus tracks grabadas en vivo. Recomendación absoluta y pieza esencial para seguidores del Folk en general.

Por: Michel Loeza
Descarga: Fresh Maggots (Rapidshare)

Paul Horn

Inside The Great Pyramid, 1976/E.U.A
Ambient/New Age

Se trata esta vez de Paul Horn, músico que dentro de una formación familiar musical, desarrolló primitivamente excelsas habilidades en el piano y posteriormente en instrumentos de viento. Habiéndose quedado un perdiodo en el Saxofón, Paul Horn interiorizó en agrupaciones de Jazz Yorkino entre la primera y segunda mitad de 1960. Para finales de 1960, y entre el auge de la Psicodélia y de los comienzos la música anímica, Horn decide grabar un trabajo de solo flauta dentro de la maravillosa estructura del Taj Mahal, considerolo una experiencia puramente estética. Tras su gran éxito alrededor del mundo, Paul Horn inicia una serie de "turismo musical" para combinar los sentimientos étnicos de las locaciones con los sentimientos personales de su música. En 1976 decidiría concretar uno de los atrevimientos más grandes de su carrera: grabar dentro de la mayor pirámide de la necrópolis de Guiza en Egipto, la pirámide de Jufu o Keops. El trabajo está básicamente pensado en, al igual que dentro del Taj Mahal1, hacer una especie de performance con solo una flauta transversal, dejando que la acústica del lugar matice naturalmente los sonidos de Paul Horn.

El álbum está dividido en cuatro movimientos: Iniciación, Meditación, Ilustración y Cumplimiento; cada parte dividida en: una invocación y 7 salmos, 6 salmos, 6 salmos y 8 salmos respectivamente. Durante toda la duración del álbum, y es más, desde el primer movimiento es posible notar cierta intriga, por la gran cantidad de misterio sonoro que rodea todo el trabajo, la serenidad de los sonidos de la flauta  con su reverberación natural dentro de la Cámara del Rey de la pirámide, envuelven en un manto de completa incertidumbre logrando una perfecta recreación aural de el estado físico de la estancia dentro de este tan impresionante monumento. Es casi imposible poder describir la sutileza del sonido de la flauta de Paul Horn dentro de la pirámide y durante todo el desarrollo del álbum, sin embargo el trabajo está cargado de un mecanismo tan sensibilizador que al combinarse con la contextualización que se abstrae mediante el conocimiento de los aspectos espacio-temporales donde fue creada la obra, el escucha engendra un sentimiento de belleza enajenadora y de fuerza tranquilizante. Sin duda alguna Inside The Great Pyramid es una obra de tallas magnas y que sin más preámbulos es necesario que sea escuchada por cualquier seguidor de el preciosismo en el arte. Absoluta recomendación.


1_Inside the Taj Mahal, Horn Paul/1968.
Por: Michel Loeza.
Descarga: CD 1
                 CD 2
                 CD 3

Asia Minor

Between Flesh and Divine, 1981/Turquía.
Progresivo Sinfónico

La cohesión del Rock Progresivo para finales de la década de 1970 comenzaba a ser más incongruente y a centrar la mirada en las nuevas tecnologías que para 1980 revolucionarían la manera de hacer música, así como el sonido de esta. Muchas de las bandas icónicas del Rock Progresivo en el mundo comenzaban dando los primeros pasos en sus periodos de decadencia en cuanto a creatividad y virtuosismo (1980), lamentablemente el perdiodo de máximo esplendor de muchas de las bandas fue de unos pocos años durante toda la primera mitad de 1970 y gran parte de la segunda, no obstante a esto y no generalizando, para 1990 hubo una notable recuperación. Asia Minor fue una banda originaria de Turquía que para finales de 1970 tenían una visión muy centrada y conservadora de su creación, sin embargo los escasos medios de difusión en su tierra los obligaron a viajar a Francia para ahí poder grabar y difundir su música. Una vez estando en Francia deciden grabar para 1979 su primer álbum "Crossing The Line" y en vista del poco éxito graban para 1981 "Between Flesh and Divine" , último disco oficial  que marcaría para siempre su impresionante estilo. El sonido de Asia Minor en "Between Flesh and Divine"  habla de una fuerte influencia del sonido tradicional de las bandas que pulieron el Rock Progresivo como Camel y King Crimson, el sonido de esta agrupación es una muy inteligente mezcla de virtuosismo incomparable con hermosas melodías que a veces tienen toques étnicos, puntos que caracterizaron siempre al estilo sobre el que trabajaron.

Asia Minor se trata de una agrupación con músicos de medidas cualitativas colosales que en conjunto fueron capaces de crear uno de los discos más hermosos en toda la absoluta historia del Rock hasta nuestros tiempos, un ejemplo claro de la potencia ingenieril y creativa del artísta. El álbum está lleno de hermosas melodías matizadas con asombrosos arreglos y precisión de cada uno de los instrumentos, flautas flotantes, baterías y líneas de bajo sumamente dinámicas y complicadas por Lionel Beltrami y Robert Kempler1, teclados de que desde crear pasajes atmósfericos impresionantes hasta acentuar detalles mínimos complementan el trabajo, y qué decir del trabajo de la guitarra y de la nostálgica y peculiar voz de Setrak Bakirel con un inglés duro que quiere volverse turco y que nada deja que desear. El trabajo de Asia Minor es realmente cautivante, es un trabajo completo, senzibilizador, emotivo, es el continente de paisajes volteantes que sin preguntar, abordan de un momento a otro momentos de diferentes sentimientos que no pierden relación. La composicón lírica al igual, es fascinante, es notable una vehemente influencia intelectual, filosófica y poética en las letras.Sin duda alguna Asia Minor rescató y retomó de una forma sumamente inteligente algo que para principios de la nueva década estaba perdiéndose. Between Flesh and Divine es en definitiva uno de los discos que más me han impactado, una obra que sin problemas podría ser comparada con mejuestuosidades como el Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, con Close To The Edge de Yes o incluso con In The Court Of The Crimson King de King Crimson, discos icónicos de gran talla. Between Flesh anbd Divine es una obra maestra, sumamente recomendada.

1_.Integrante no fundador, posteriomente adicionado.


Por: Michel Loeza.
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Popol Vuh

Hosianna Mantra, 1972/Alemania.
Kosmische Musik/Ambient

Popol Vuh es una de las bandas líderes de la vanguardia musical en Alemania en los años de 1970: la Música Cósmica (Kosmische Musik). Se trata de Florian Fricke, tecladista aleman que junto a un grupo de músicos formó la agrupación a comienzos de la década de 1970 para incluirse en la revolución y precurso de el Rock Progresivo de alto desarrollo en Alemania con bandas como Amon Duul, Ash Ra Tempel, Guru Guru. Popol Vuh da sus primeros pasos sobre el boom de la música ambiental, anímica, y espacial. En el auge de la pura experimenatción de los espacios sonoros más bastos gracias a las nuevas tecnologías así mismo en el auge de la interiorización psíquica gracias ala influencia Psicodélica de 1960. Principalmente en Alemania con el surgimiento de  la Kosmische Musik, las agrupaciones dejaron a un lado la estructura de composición clasista de las agrupaciones de músicos, la vanguardia musical alemana de 1970 significa cierta desviación de la recta tradicional de composicion musical.

Hosianna Mantra es el tercer disco de la agrupación de Fricke, inspirado en temas de contenido espiritual/religioso; el álbum es el trabajo más espiritual y místico de Popol Vuh, lleno de largos momentos de serenidad absoluta, las notas en el piano de Fricke que esporádicamente tocan fondo de hermosas melodías matizadas con el asombroso sonido de una guitarra, que sin exagerar, llena los vacios con el sostenido de sus notas, ambientaciones preciosistas de los coros de una mujer que literalmente arrullan al escucha, el apacible sonido de un violín, reverberaciones del sonido que destacan una fuerte influencia étnica. Las fuentes electrónicas hacen un perfecto juego con la acústica de los instrumentos. A comparación con el trabajo de Tangerine Dream, la agrupación de Fricke da más espacio al movimiento entre instrumentos acústicos e instrumentos de fuente electrónica, lo cuál genera grandes espectativas en el oyente, y no sólo da pie a un englobe absoluto. Hosianna mantra es uno de los trabajos más logrados de Popol Vuh, y el trabajo que marca la línea para definir la época dorada de la agrupación, su característica de composición y su acentuable levantamiento en el espacio de la música anímica. Absoluta recomendacion, pieza escencial en cualquier colección musical.

Por: Michel Loeza.
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John Coltrane

Blue Train, 1957/E.U.A.
Jazz/Hard Bop/Bebop

John Coltrane, se trata de uno de los músicos del Jazz más trascendentes en la historia de este, junto a músicos de talla tales como Charlie Parker, Cannonball Adderley y Miles Davis. Coltrane se convirtió por su intensidad inovativa y creativa en una figura que se ganó el respeto de la mayoría de los músicos alrededor del mundo. Coltrane, un verdadero genio detrás del Jazz y un personaje de postura forzosa en cualquier colección musical. Después de haber trabajado con diversos músicos jazzeros de la escena entre la década de 1950 (década del mayor apogeo Jazzístico), en 1957 el saxofonista graba lo que podría considerarse el primer disco donde su liderazgo en la agrupación es notorio, esto por la composición casi absoluta1 de todas las piezas agrupadas para su álbum: Blue Train, bajo el sello popular Blue Note. Junto a una magnífica flotilla de músicos, Coltrane logra un álbum de Jazz de dimensiones cualitativas excepcionales. Blue Train está lleno de composiciones Jazzísitas de calidad absoluta, ejecución impecable, de libertad y de soltura brillante. Entre solos turnables de todos los músicos que no demuestran más que una postura ejectuiva grandiosa, se detaca el impresionante trabajo y habilidad de Coltrane en el saxofón. El ambiente del Jazz contenido oscila entre el Hard Bop y el Bebop, vertientes del jazz que, por su compleja estructura y sus veloces tempos, no dejan respiro al escucha. Blue Train es para mí, uno de los mejores álbumes de Jazz que en su historia se han grabado, llegando a codearse sin problemas con el Somethin' Else de Adderley o incluso con el coloso Kind Of Blue de su patriota Miles Davis. Blue train es un magnífico álbum que sin duda alguna llegó a imponer el respeto que merece, y que es parte esencial del gustoso de este maravilloso género. Obra maestra, altamente recomendada.


1_."I'm An Old Fashioned" es una pieza de Johnny Mercer Jerome Kern.


Por: Michel Loeza.
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Vangelis

L'Apocalypse des Animaux, 1973/Grecia.
Ambient/Pre-New Wave

Evangelos Odysseas Papathanassiou o mejor conocido simplemente como Vangelis, se trata una de las figuras emblemáticas dentro del Ambient Music y del Rock Progresivo, al igual que Klaus Schulze, Jean Michel Jarre ó Manuel Gottsching, Vangelis fue hombre del predominante uso de sintetizadores en su mayor auge. Después de y mientras trabajaba en los teclados con Aphrodite's Child (banda griega  escencial del Rock Progresivo), Vangelis grabó algunos discos en su apartado como solitario, algunos que a veces eran usados o bien grabados específicamente como bandas sonoras. L'Apocalypse des Animaux es uno de los discos que a petición del director francés Frédéric Rossif fue utilizado como Soundtrack de un documental sobre la vida salvaje en los animales, sin embargo el disco había sido ya grabado un par de años antes. Francamente después de haber escuchado el disco no pude de alguna forma imaginarme como es que tal creación pudo haber sido usada para un documental de animales, no pude hacerme a la idea de ver a un León comiendo mientras la música de Vangelis de fondo es ignorada. El disco es completamente melódico, el uso de sintetizadores aún no es notable (hasta 1975), pianos electrónicos reverberados que extienden la resonancia de su nota hasta que otra se sobrepone, las melodías son hermosas, se destaca el uso de una trompeta completamente relajante, la creación musical de Vangelis puede despertar emociones en el escucha y tranquilizar hasta dormir con sus pasajes musicales de ensueño y su magnífico onirismo, es realmente relajante el ambiente en el que el trabajo de Vangelis logra capturar. El contenido musical carece de complejidad y de fuerza compositiva en comparación con sus trabajos posteriores, no obstante a tal característica el disco no deja de ser una obra de índole colosal en el más puro sentido estético. L'Apocalypse des Animaux es un trabajo que recomiendo ampliamente para los seguidores del sonido cósmico y onírico de 1970, también recomeindo olvidarse del documental de Rossif mientras se escucha.

Por: Michel Loeza.
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Steve Hillage

Rainbow Dome Musick, 1979/Inglaterra.
Ambient

Steve Hillage es uno de los más grandes representantes dentro de la escena del Rock Progresivo de Cantembury en Inglaterra, una de las figuras más importantes del glissando y del Rock Espacial (vertiente del Progresivo) de todo 1970. Habiéndose codeado con bandas de talla como Spirogyra, Caravan, Egg en ámbitos menos formales y en más formales con Khan y Gong, además de la colaboración con Mike Oldfield en sus actuaciones alusivas al Tubular Bells, Steve Hillage ha sido un hombre de apasionante seguimiento musical a lo largo de su carrera y de un estupendo trabajo en cada tierra donde plantaron sus manos. Para 1979, tras haber dejado a Gong y haber grabado varios álbumes como solista, Hillage junto a la francesa Miquette Giraudy (ambos ex integrantes de Gong), decide trabajar sobre la Ambient Music que ya para finales de la década había dejado de ser un simple juego de experimentación gracias a artistas que imprimieron la suficiente seriedad sobre ella como la verdadera progresividad de la música y el intensivo uso de aparatos electrónicos. Rainbow Dome Musick es el continente de contenido puramente instrumental, sonidos sintéticos y secuencias tal vez no tan marcadas como las que acostumbraban los alemanes, pero son notables. Dos largas piezas: La primera "Garden Of Paradise" (comp. Giraudy), con pasajes sonoros hermosos inicialmente enfocados en el sonido del caer del agua, poco a poco los sonidos van envolviendo en un ambiente sumamente agaradable, ambientaciones provenientes de los sonidos atmosféricos de los sintetizadores, notas reverberadas, secuencias estereoaurales que van brotando de lado a lado, y lo que no podía faltar: un Steve Hillage haciendo su trabajo en la guitarra tratada con efectos, tocando pequeños solos que bien pueden apreciarse como un fondo detrás de todo el desenvolvimiento ambiental. La otra pieza, "Four Ever Rainbow" (comp. Hillage), es una pieza más serena pero igual de alentadora en al ámbito atmosférico, el sonido de esta segunda pieza tiene más brochazos reminiscentes al sonido de Gong, paisajes sonoros más espaciales con momentos igual de hermosos que la pieza antecesora. Rainbow Dome Musick es sin duda uno de los álbumes más magníficos dentro de la escena del Ambient, una pieza esencial que debe tener cabida dentro de la colección de cualquier seguidor de la música preciosista.

Por: Michel Loeza
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Edgar Froese

Epsilon In Malaysian Pale, 1975/Alemania.
Prog.Electrónico/Ambient

Edgar Froese fue el funador y siempre líder de la agrupación alemana Tangerine Dream, pionera de el sonido cósmico de la Alemania de 1970, y banda cumbre en la representación de la llamada Escuela de Berlín, basada en la composición del Rock Progresivo con elementos puramente electrónicos, sintetizadores, secuenciadores y demás. Durante las giras con Tangerine Dream entre 1974 y 1975, Edgar Froese se inspiró en algunos paisajes Malayos de gran esplendor, sus selvas húmedas y su misticismo y en la bahía de Maroubra en Australia (principalmente en el mar), para grabar un disco en su apartado como solista, iniciado en el año de 1974 con su disco Aqua; el disco fue nombrado Epsilon In Malaysian Pale. El álbum está compuesto de dos piezas de larga duración: "Epsilon In Malaysian Pale" y "Maroubra Bay" por sus respectivos lugares de inspiración. Como acostumbraban estos alemanes, el contenido del álbum es puramente instrumental, ambiental, onirísmo y largos pasajes de estabilidad sonora. Froese logra capturar a la prefección la esencia natural de cada uno de los paisajes, la primera pieza inicia con sonidos referentes a una jungla, se puede sentir la humedad de ella, su ambiente está encarnado en la pieza, secuenciadores, mellotrón, sintetizadores y otros instrumentos hacen posible la sensibilización del escucha a tal grado de mandarlo de viaje a los lugares deseados. Epsilon In Malaysian Pale es un disco perfectamente logrado, muy apegado al trabajo de Tangerine Dream aunque este en un porcentaje dominante más orgánico y naturalista, sin dejar atrás el aspecto sintético que tanto caracterízaba a estos Alemanes. El álbum es realmente una obra maestra del Ambient alemán y un trabajo que definitivamente que deja de que hablar sobre el maestro Edgar Froese. Recomendado.

Por: Michel Loeza
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The Electronic Hole

The Electronic Hole, 1970/EUA
Rock Psicodélico

Un sinfín de bandas fueron las que aproximadamente a partir de los inicios de la segunda mitad de 1960 surgieron alrededor de todo el mundo y principalmente en Estados Unidos como resultado de los movimientos contraculturales que ahora inútilmente pretenden retomarse, ejemplo:Hipsters, llámense Hippies. Pero eso, es otra historia. Siendo Estados Unidos el lugar de la generación de estos movimientos contruculturales, las agrupaciones de garages aumentaban en cifras considerables, por lo mismo su difusión era poca y a veces insustancial. LSD, Marihuana, Mescalina, DMT, Psilocibina... Rock Psicodélico. The Electronic Hole fue una de esas tantas bandas con tendencias ad hoc al entrono reminisciente a la escena. Guitarras desefnadadas, tiempos distraídos, una voz naturalmente reberverada, ritmos que pueden hacer que en un momento muevas el pie al compás y que de ese momento a otro empieces a ver a través de un Kaleidoscopio; se hace uso de un Sitar, glissandos, la instrumentación es diversa y atractiva a veces tendente al sonido de la Asia Menor. Desde la primera vez que pude asimilar el contenido del disco hice una comparacíón inmediata con The Velvet Underground pues el sonido llega a ser muy similar al de esta agrupación igualmente estadounidense, desde los solillos pícaros de Sterling Morrison hasta quellas saturaciones sonoras estresantes. El contenido del álbum está dividido en dos partes The Golden Hour y Love Will Find a Way cada una dividida a su vez en distintas partes simplemente numeradas. Nos se trata de un álbum conceptual o algo por el estilo simplemente la facha de ser Hippie. En general el álbum homónimo es una excelente elección si de buscar buen rock psicodélico se trata. Muy recomendado.

Por: Michel Loeza
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Mike Oldfield

Ommadawn, 1975/Inglaterra.
Progresivo Sinfónico/Instrumental

Se trata de Mike Oldfield uno de los músicos multiinstrumentistas más detscados en todo el mundo hasta la fecha. Caracterizado por sus proyectos ambiciosos y su técnica de ejecución en la guitarra, Oldfield ha adquirido un infalible respeto alrededor del mundo y un status que lo han llevado a la cumbre de la gloria. Empezezando su carrera musical estable en 1973, Mike Oldifield grabó el tan exitoso Tubular Bells, seguido de Hergest Ridge en el año de 1974, hasta llegar a Ommadawn editado ya para 1975. Ommadawn es uno de sus más ambicisos trabajos y en opinion personal el trabajo de mayor potencia compositiva y sinfónica. El contenido del disco está, como acostumbraba Oldifield, dividido en dos movimientos de larga duración cada uno (al. 20 mins). Simplemente "Part One" y "Part Two"[1]. Tras haber escuchado Tubular Bells, me dí cuenta de la gran capicidad que en Oldfield radicaba para poder crear todo un mundo sonoro que gira en torno a ambientes puramente oníricos, complejidad, una naturaleza innata, pasajes fantásticos, a una capacidad expresiva simplemente impresionante. El contenido altamente sinfónico del álbum logra envolver en un espectro en el que evolutivamente se penetra, cada sonido recorriendo tus huesos, trabajos instrumentales finísimos, técnica insuperable, registros musicales que oscilan entre influencias del sonido tradicional Nórdico y Celta. Sin lugar a dudas Ommadawn es una de las obras musicales más finas y mejor elaboradas dentro de la música en general, pieza infaltable en cualquier colección y definitivamente OBRA MAESTRA SIN PRECEDENTES.


[1]_Originalmente el álbum contenía una tercera pieza: "On Horseback". Posteriormente (actualemnte) fue incluida en la parte final de "Part Two".

Por: Michel Loeza
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Big Star

Third/Sister Lovers, 1978/EUA.
Power Pop

Big Star fue una banda que se desarrollo en la época de los 70's donde tal vez no fueron tomados con la importancia que se les debía ,este álbum es la expresión artística mas cercana a la nostalgia de ser un joven feliz, Alex Chilton se encarga de demostrarlo, el fue capaz de interpretar ese sentimiento,Third/Sister Lovers PVC fue lanzado en 1978,y reeditado en formato CD en 1992. La mayoría de las personas,tienen un extraño y diferido concepto sobre el termino pop,Big Star es un power pop contundente,entre tantas buenas canciones el álbum se conforma también de algunos covers ejemplo: "Femme Fatale". Big Star;peculiar,sonido fresco,amable,son y serán incondicionales para la buena referencia del pop

por :david
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Shelagh McDonald

Stargazer, 1970/Escocia.
Folk

Existen infinidad de grupos, y artístas que durante la segunda mitad de 1960 desarrollaron además de Psicodélia, un excelente trabajo dentro de la escena del Folk en general. Muchas voces femeninas que quedaron olvidadas y sepultadas por personajes más importantes como Joni Mitchell o Joan Baez, por un status de ventas muy por los suelos. Uno de los ejemplos claros de las voces que quedaron más enterradas es la escosesa Shelagh McDonald, cantante de orgien escosés que residió al término de 1960 en Londres. Fue hasta el año de 1971 que Shelagh lanzó su segundo y álbum debut Stargazer, ese mismo año Shelagh desapareció misteriosamente de todos y de todo, suceso que truncaría su dearrollo musical. Posteriomente explicó ante notario público que había desaparecido por efectos póstumos a un mal-viaje de LSD, paranoia y alucionaciones, una vida que había arruinado su voz. Stargazer es realmente una joya digna de alta valoración, piezas hermosas, canciones tradicionales[1] de Folk versionadas de manera sublime, arreglos de piano que recorren el cuerpo de extremo a extremo, melodías con toques paganos referentes a la alta edad media, pequeñas orquestaciones, en fin, técnicamente el álbum no deja nada que desear. Un álbum muy completo que se mueve entre tranquilas y melosas baladas hasta piezas más dinámicas, todo esto siempre matizado con la hermosa voz de Shelagh que sin duda dió a conocer un tremendo potencial, dió a conocer una de las voces más maravillosas de toda una era.

[1]_#5: "Dowie Dens of Yarrow", canción tradicional folk en Escocia, se desconoce su autor original.

Por: Michel Loeza
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Sebastian Hardie

Four Moments, 1975/Australia.
Porgresivo Sinfónico

Sebastian Hardie uno de los grupos máximos exponentes del Rock Progresivo en Australia. La banda se formó en 1967 bajo el liderazgo de Graham Ford (guitarra) y Peter Plavsic (bajo) ante el nombre de Sebastian Hardie Blues Band. Después de un arduo desarrollo musical, no fue hasta 1975 que su álbum Four Moments dió a la luz al público local y en su posteridad al internacional. El álbum es uno de los trabajos discográficos mejor elaborados dentro del la escena del Progresivo. Por su edición casi en totalidad sobre nonstop (piezas ligadas) y por los leitmotivs en la composición, nos remite este a pensar en que está trabajado bajo un concepto, y si no me equivoco así es. Con perfectas sinfonías, hermosas melodías y una voz extraordinaria de Ford, el álbum está lleno de pasajes musicales que oscilan entre momentos agresivos con una técnica en la ejecución impresionante, hasta momentos de serenidad que roban el alma. Sebastian Hardie alude mucho al sonido de bandas como Yes principalmente, Genesis y Camel. No obstante a las alusiones, el sonido de Hardie es característico, un sonido más aterrizado (menos trippie); un sonido que no deja de ser hermoso y alucinante en momentos. Moog Modulador, solos de guitarra devastadores, líneas de bajo profundas, la técnica en las percusioness igualmente devastadora y ambientes expresivos de derramante sentimentalismo. Sin duda una obra maestra y pieza elemental dentro de esta escena y de la música en general.

Por: Michel Loeza
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Spacemen 3 - Perfect Prescription

Perfect Prescrption, 1987/Inglaterra

Este disco es realmente infaltable en su colección,el trabajo que realizo Jason Pierce y  Peter Kember,tiene su definición mas clara en este album,sin duda es una gran influencia para sus posteriores proyectos como lo fue spiritualized y spectrum,dos grandes referentes de la musica en el aspecto que deseen verlo,hace algunos dias salio el disco tomboy de Panda Bear y bueno,es Peter Kember quien hizo la mezcla.Sin mas preambulos les dejo el primer disco de lo que espero sea una buena contribución para su percepción musical.

Por:David 

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Pyranha

Pyrahna, 1972/Suiza.
Prog/Psicodélico.

Banda Suiza de la primera mitad de la década de 1970, etapa de los inicios del Rock Progresivo, de los comienzos en la superación del Folk y de la Pisicodélia. La brasas de la Psicodélia aún arden y un ejemplo claro es: Pyrahna. Sonidos poco digeribles con pasajes que pueden oscilar entre el Jazz y el Blues, básicamente improvisación, poca composición lírica, destiempos, rarezas sonoras, The Velvet Underground + LSD, experimientación con objetos de uso cotidiano,  Francés, ambientes ácidos, todo esto hace del disco una propuesta bastante interesante dentro de la experimentación en el Rock Suizo de la escena underground. A pesar de las composiciones desestructuradas y de los casi indigeribles paisajes experimentales, se pueden encontrar piezas de índole rítmica y bastante agradable como "Clepsydre", primera pieza, Jam, con Hammond, Saxofón, un buen riff en el bajo con un sonido pegándole al Jazz/Fusion y al Funk parecido a sobre el que Can se pasearía anteriormente con su Tago Mago. Sin duda este disco es una rareza la cual merece un espacio de tiempo para tus oídos.

Por: Michel Loeza.

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