Captain Beefheart & His Magic Band.

Safe as Milk, 1967.

Blues Rock/ Psicodélico

Donald Glan Vliet, mejor conocido por todos como Captain Beefheart o bien, Don Van Vliet es una muy importante figura dentro de lo que denominamos Rock Psicodélico, en 1967 éste músico y además pintor comenzó su verdadera carrera musical con The Magic Band una típica agrupación psicodélica que Beefheart fundó a mediados de 1965 con el guitarrista Alex Snouffer para así reclutar al resto de los integrantes y concretar The Magic Band.Bajo el "ingenioso" nombre de Captain Beefheart & his Magic Band, Van Vliet y su banda daciden grabar para 1967 lo que sería su primer y nada novedoso (para ese entonces y a mi parecer) álbum: "Safe as Milk".

Una guitarra slide que nos remonta inmediatamente al clásico y hermoso Delta Blues del maestro Son House, comienza a sonar la rasposa voz de Van Vliet, la canción va tomando ritmo e igualmente la composición lírica se centra en la típica base estructural del Delta Blues; "Sure "Nuff"n Yes I Do" es el nombre de la excelente canción abridora del álbum, las influencias del blues son claramente en inmediatamente distinguibles, sin embargo el disco no se basa enteramente en Blues como tal, el álbum combina un típico sonido psicodélico de 1960 con las claras influencias del blues.Anteriormente mencionaba que el álbum no refleja un sonido nada novedoso en cuestión a que el envolvente en el que logra atraparte es de la mezcla de colores popular entre los músicos de Rock psicodélico que característica de aquella época: Blues + Psicodelia= Rock Psicodélico.A pesar de todo esto Safe as Milk es un muy buen y distinguido trabajo musical de Beefheart y su banda pues el contenido es bastante interesante por el ya conocido (para mí) estilo surreal, libre, pastoso y crudo sobre el que solía trabajar el maestro Don Van Vliet.El contenido compuesto para este álbum no tiene nada que envidiar a cualquier otro álbum de la época pues éste contiene composiciones musicales de alta calidad tal es el caso de la ya anterior mencionada "Sure "Nuff"n Yes I Do" (la mejor cancion del disco), "Zig Zag Wanderer", "I'm Glad", "Electricity" o la igualmente bluesera "Grown So Ugly".

En general Safe as Milk trabaja un sonido agradable hasta cierto punto para el escucha, si uno se hace a la idea de la personalidad de Don Van Vliet y de que está escuchando ese a veces no tan digerible Rock Psicodélico de la segunda mitad de 1960.Creo que Safe as Milk es el disco mucho más rítimicamente estructurado y fácilmente asimilable dentro de la mayoría de los posteriores y vanguardistas álbums de Captain Beefheart.

MUY BUEN DISCO, RECOMENDADO PARA CONOCER A CAPTAIN BEEFHEART.


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Trout Mask Replica, 1969.    
Avant-Garde/"Inclasificable".                                             
1969 y el pensamiento vanguardista había llegado a la mente de Don Van Vliet para éste, su tercer álbum de estudio llamado Trout Mask Replica, grabado para éste año y en plena época de una importante transición para el popular género múscal de 1960: El Rock Psicodélico.A menudo Trout Mask Replica ha sido considerado como uno de los mejores, más influyentes y revolucionarios álbumes que el Rock (en general) ha visto nacer.Tengo que admitir que Trout Mask Replica fué unos de los trabajos mucicales en el que más tuve dificultad para poder digerir y asimilar el complejo y fuerte contenido del álbum pues éste no trabaja una estructura rítmica tan estructurada como su primer trabajo Safe as Milk, por ejemplo; al igual me fué muy difícil poder hacerme a la idea de que Trout Mask Replica no tenía sentido alguno como para poder ganarse un lugar en el "Hall of Fame" del Rock.Poco a poco fuí  asimilando el disco y pensando que Trout Mask Replica es musicalmente algo que NADIE se había atrevido a hacer para ese época, es por eso el nivel vanguardista que logró obtener en tan poco tiempo.

Trout Mask Replica está estructurado de 28 composiciones y conduce bajo un ritmo musical que a veces llega a parecer un completo disparate (llegué a pensar seriamente en la locura de Beefheart), compáses dispares, percusiones fuera de tiempo al igual que la voz de Don Van Vliet, sonidos desvariados de furiosos saxofónes entre otras intrumentaciones, presentes "discursos" y vocalizaciones lcaen completamente en la idea de la experimentación, pareciera un Jam cualquiera de una banda de rock en su ensayo de fin de semana.Como anteriormente lo mencioné: éste álbum no es el común álbum de The Turtles en 1960, Trout Mask Replica va más alla de las espectativas de oyente.Otro punto que debo aclarar es que al mencionar "experimentación" no me refiero al tipo de experimentación manejada posteriormente por CAN, por ejemplo, ésta es una experimentación seca (carente de efectos electrónicos) con claras influencias del Free-Jazz, Blues y claro Rock Psicodélico y creo que una de las razones de la potente "cacofonía" en algunos momentos de álbum se debe a que éste fué producido por el "Vanguardista" y subvaluado guitarrista Frank Zappa.

Seguramente después de haber leído esto creeras que Trout Mask Replica es un álbum espantoso, sin embargo no lo es...al contrario, es uno de los trabajos musicales más INTERESANTES con los que te podrías topar alguna vez en tu vida, además de NO TODO el contenido es tan complicado para el oído.


Trout Mask Replica es totalmente "inclasificable"1 dentro de álgún genero musical y sin duda alguna es un trabajo atrevido, fuerte, complejo pero muy influyente dentro de la música contemporánea gracias a la genialidad de Don Van Vliet y The Magic Band.

1:Personalmente me resulta muy difícil adjudicar el Trout Mask Replica a algún género musical.

EXCELENTE TRABAJO, ALTAMENTE RECOMENDADO SI ESTÁS DISPUESTO A TOMARTE TIEMPO EN DIGERIRLO.

Don Van Vliet

Cannonball Adderley

Somethin' Else, 1958.
Jazz/Cool Jazz/Hardbop

Julian "Cannonball" Adderley fué uno de los músicos saxofonistas altamente influyentes dentro de la historia de la música y dentro así mismo del propio Jazz. Cuando el Jazz y sus subgéneros empezó a popularisarse a finales de la década de 1950 y en la primera y parte de la segunda mitad de 1960, los músicos de Jazz (principalmente negros) se fueron conociendo entre sí para así después formar entre ellos pequeñas agrupaciones de super músicos sin nombre en específico, sólo con el nombre del líder o formador encabezando.Ésta vez a finales de 1950 el super saxofonista Cannonball Adderley decidía formar una agrpación para grabar un disco, pero ésta agrupación no estaba conformada por Jazzeros cualquiera, la formación incluía a cuatro de los grandísimos músicos ejecutores del Jazz escencial: Miles Davis (trompeta), Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo) y uno de los baterístas más impresionantes que el Jazz vió nacer, me refiero por supuesto a Art Blakey.

Después de que Cannonball Adderley logró alinearse con los demás como un "Jazz-quintet" se decide grabar lo que sería uno de los más grandes e impresionantes trabajos de Jazz en toda la historia musical.Somethin' Else fué grabado en 1958 para después salir a la venta, el disco recibió excelentes críticas pues el álbum no se centra sólamente en Hardbop, Bebop o Cool Jazz (distintos tipos de Jazz) si no que a menudo se le ha considerado y yo también lo considero como una perfecta combinación entre éstos géneros del Jazz lo que hace que el álbum mantenga contrastes muy sobresalientes crando un álbum perfecto; las compocisiones pueden ir desde el veloz Hardbop hasta la tranquilidad del Cool Jazz como la que Miles Davis controló en su magnífico Kind Of Blue. Todo este manejo de matices y contrastes hacen del trabajo  una delicia musical. La ejecución instrumental de los músicos es impecable, el ritmo en todas y cada una de las piezas es magnífico.El álbum abre con la bellísima "Autumn Leaves", la pieza que desde mi ángulo es la más maravillosa, un ritmo lento, el bajo marca las notas continuas, la trompeta y el Saxofón de Miles Davis y de Adderley iluminando a cada segundo, la batería de Art Blakey marca con el ride y cada tiempo en los Hats de la batería, el piano de Hank Jones lee cada nota esperando al minuto ocho para ejecutar un hermoso arreglo con el asombroso sonido de su piano.Otro de los premios a la canción más paladeable  se lo lleva "Somethin' Else" una pieza mayormente compuesta por Miles Davis que nos muestra al pie del compás un duelo mano a mano entre el saxo de Adderley y la trompeta de Miles.

Realmente Somethin' Else junto al Kind Of Blue de Miles Davis es uno de los trabajos discográficos dentro del Jazz que más me ha impresionado por la intachable e indudable calidad de ejecución musical.

TRABAJO ALTAMENTE RECOMENDADO.

Canned Heat

Boogie With Canned Heat, 1968.

Blues/Rock

Canned Heat es una banda formada a mediados de 1965 en California, ésta banda radicó su principal influencia en el muy pupular para ese entonces Electric Blues y el el igualmente pupularizado Boogie. Canned Heat logra crear una mezcla perfecta entre éstos dos géneros derivados de el género madre y claro que me refiero al Blues y principalmente a la influencia que Alan Wilson adquirió de el Blues-man Son House. La banda se conformó originalmente de cinco músicos: Alan Wilson alias "Blind Owl" (vocalístas, armonicista), Henry Vestine "Sunflower" (guitarrista), Bon Hite "The Bear" (vocal, armonicista), en el bajo Larry Taylor y en la batería Frank Cook que posteriormente fué reemplazado por Adolfo de la Parra o "Fito Beans" (el apodo más estúpido).Canned Heat detacó con éste álbum y su aparición en el hippie festival de "Monterey Pop".

Boogie With Canned Heat es uno de los más importantes trabajos de esta agrupación (si no es que el más importante) y Canned Heat nos muestra en éste álbum (de horrible portada), un sonido bluesero con retoques muy rústicos y leves brochazos de psicodélia, sin embargo las composiciones no dejan de tener dentro de sí la escencia del blues por ejemplo en una de las canciónes que se convirtió en un éxtio: "On the road again" ya que maneja un sonido ambientado con cortes repitivos de la escala básica del blues mientras son adornados con la suave voz de Alan Wilson y la perfecta ármonica de Bob Hite, todo esto conforma un ritmo hipnotizante y muy pegajoso."My Crime" es otra de las deliciosas canciones de álbum pero a diferencia de "On the road again" ésta muestra un sonido mucho más purista dentro del electric blues, con más contundencia y poder (es cantada por la poderosa voz de Bob Hite, esa debe ser una de las razones)."Fried Hockey Boogie" es la última y más energética cancion del álbum y creeme que si piensas que el blues no te hará mover un dedo, lo harás con ésta delicia; la cancion incluye dentro del desarrollo un perfecto y disfrutable Jam de bajo y un pequeño solo de batería que deja mucho de que hablar de Larry Taylor y de "Fito" y sus grandes capacidades como músicos.Y claro que no podía dejar pasar "Amphetamine Annie" y el solazo de guitarra de Henry que nos deja con ganas de más Canned Heat y su peculiar sonido.

Excelente trabajo, muy recomendado.

CAN

Monster Movie, 1969.

Krautrock/Kosmiche Musik

Bueno para empezar a introducirme dentro de el complejo trabajo musical de CAN creo que debo definir brevemente para ustedes y para mí mismo una vez más lo que significó el surgimiento de el inovador subgénero del Rock Progresivo: Krautrock o Kosmiche Musik.Éste fué un género desarrollado a finales de la segunda mitad de la década de 1960 y a pincipios de 1970, muy generalmente el término envuelve a cierto número de bandas formadas en esta etápa cronológica en Alemania Occidental con grandes influencias del free jazz, minimalismo y la psicodélia combinado con el típico sonido avant-garde (vanguardista) Alemán.Yo siempre me pregunté por la "etimología" del término y es algo estúpido pero certero, el término hace referencia a un apodo común referido a los alemanes durante aquellas etapas bélicas: "Kraut" que es igual a Col (sí, el vegetal) que se supone que fué en algún tiempo (no sé si aún) uno de los platillos tradicionales en Alemania; y pues bien la palabra del género musical "Rock" en conjunción "Krautrock" o bien "Kosmiche Musik" en alemán que en español podría traducirse como música cósmica, en lo personal prefiero "Krautrock".Cabe destacar que éste género sugió igualmente como apoyo a la contracultura antibélica de los jóvenes de aquella época o bien los Hippies.

Bien, después de haber dado una pequeña y básica introducción al género que CAN explotaría, hablemos de la banda:

CAN se formó en el año de 1968 en Köln una de las ciudades más grandes de Alemania y su no,mbre hacía referencia a "Lata" el verdadero significado de Can en inglés pero después adaptaron el nombre con las siglas de lo que compusieron como "Communism, Anarchism & Nihilism" (Comunismo, Araquismo y Nihilismo).  

La banda estuvo formada en un principio por los músicos Michael Karoli, Jaki Liebezeit, Irmin Schmidt, Czukay y el vocalista Michael Mooney que permaneció hasta 1970.

Monster Movie fué su primer álbum grabado para 1968 en su privilegio de estudio "Inner Space", el álbum conceptualiza perfectamente el sonido Krautrock del cual hablé anteriormente las influencias psicodélicas y jazzísticas son claras, sin embargo muestra un completo eclécticismo y "liberalismo experimental" mostrado en diversos tipos de ambientaciones y sonidos minimalistas muy bien expresados por ejemplo en la primera pieza "Father Cannot Yell" que comienza con un chillante y velozmente repetitivo sonido de tratado evidentemente con un efecto electrónico para después dar paso a un potente riff de bajo que a lo largo de la canción enciman con saturado sonido. "Mary So Contrary" es la mejor pieza del álbum, una balada con sonidos de violín, y una sencilla pero bonita composición lírica que Michael Mooney convierte en un objeto hipnótico con su rasposa voz mientras Liebezeit matiza con su repetitivo y lento ritmo en la batería y los chillantes y melancólicos sonidos del violín y la guitarra hacen juego dentro de la "apatía" de este.

Muy generalmente el álbum maneja un sonido bastante difícil de digerir para las personas que recientemente experimentan el sonido del Krautrock, este sonido se convertiría en la característica principal de CAN  menos hasta la segunda mitad de 1970. En general Movie monster es un disco bastante ecléctico y minimalista que no pretende nada más que la expresión de éstos jóvenes dentro de su iniciación profesional en el Krautrock, y yo recomiendo escuchar éste trabajo discográfico para poder introducirse en el mundo musical de CAN.

Recomendado para interesados.


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Soundtracks, 1970
Krautrock/Kosmiche Musik                                                              
En el año de 1970 tras la aparición de lo que fué el primer disco y debut de éste grupo de Alemanes, CAN decidió editar su segundo disco dentro de su carrera musical y estoy hablando de Sountracks, el álbum que marco un buen momento para la evolución de la banda. Después de que Michael Mooney sufriera una severa crisis nerviosa, los integrantes de CAN se vieron en la necesidad de sustituir a su vocalista por Damo Suzuki, un personaje de origen Japonés que Liebezeit y Czukay encontraron sentado fuera de un café de alguna calle de Alemania cantando, reclutandolo así para hacer la sustitución.Damo Suzuki cobraría para entonces mcuha popularidad dentro de la banda.


Sountracks está compuesto de 8 canciones en las cuales 2 participó aún Michael Mooney para su grabación, siendo que en las canciones restantes grabó el nuevo integrante Damo Suzuki con una distinguida y arrastrada pronunciación del inglés.Las ocho canciones del álbum fueron grabaciones para ser soundtrack de distintas películas (es por esto el nombre del disco).En cuanto al sonido del álbum aún sigue arrastrando las riendas de su primer álbum sin embargo un punto es mucho más notable y ese punto es el manejo de claridad en las canciones, todo se tornó mucho más limpio para éste álbum e incluso los arreglos de guitarra se vuelven mucho más "sinfónicos"1 por parte de Michael Karoli. Una de las muestras de limpieza máxima es "She Brings The Rain" (otra de las canciones con Michael Mooney) que proyecta un sonido jazzístico y muy relajante que inmediatamente te hace reaccionar para que veas hacia tu reproductor y te cerciores si CAN está sonando; por otra parte el contenido incluye "Mother Sky" con Suzuki y es una pieza experimental y sumamente psicodélica de 14:00 minutos muy al estilo de los primeros minutos de "Interstellar Overdrive" de Pink Floyd con líneas de bajo y batería que se repiten y entran a tus oídos una y otra vez, sobre éstas pasean los apáticos y profundos sonidos de la voz de Suzuki y los juegos experimentales/psicodélicos de la demás intrmentación.Piezas tan experimentales con ésta y piezas con sonidos más claros dentro del trabajo musical de álbum, crean un drástico contraste dentro del contexto del álbum que vuelve a CAN aún más interesante.


Recomendado.


1:Personalmete encuentro algúnos arreglos en la guitarra de Karoli múcho menos caóticos y chillantes que anteriores composiciones sin embargo el drástico contraste es encontrado en otras composiciones del álbum como lo mencionaba anteriormente.


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Tago Mago, 1971.
Krautrock/Kosmiche Musik                                                               
Tras la edición de el Soundtracks, CAN continuó efectuando su carrera artística como agrupación con la nueva presencia de el nuevo vocalista Damo Suzuki, para la grabación en 1971 de su inovador e influyente álbum Tago Mago, Damo ya abarcaba completamente  el trabajo vocal (ya no más Michael Mooney) y esto vaya que significó un paso muy trascendente para el Movimiento Krautrock y para la misma agrupación.En ésta ocasión podemos notar a Damo mucho más enérgico, dispuesto y desenvuelto dentro de lñas intensas instrumentaciones de el demás legado de músicos.


Tago Mago significa una potente influencia dentro de la música experimental y así mismo dentro del Rock Progresivo pues exíste un notable un gran uso de atmósferas y ambientaciones que abarcan eloquecidas intrumentaciones, gemidos y sonidos alucinantes que atraviezan tu cabeza de un lado a otro sin llegar a ser desagradables; uno de lo puntos importantes que hay que aclarar dentro de esto es que apesar de las atmósferas caóticas y apáticas a la vez nunca se deja de mostrar un fluido e influido ritmo "funk" repititivo en la batería de Liebezeit.En el anterior post hablaba de un cierto cantraste que CAN logró evolucionar con el uso de sonidos "oscuros" y "claros" a la vez, lo mencionaba en el Soundtracks, bien, pues el Tago Mago es la culminación perfecta de estos contrastes tan agradables que CAN logró manejar.


El álbum abre con "Paperhouse" que a mi parecer es el "promenade" perfecto para conocer más aprofundidad el Tago Mago, la pieza inicia con un lento ambiente de efectos electrónicos para después arrancar con toda la instrumentación y el apático tono de voz de Damo marcando un suave e hipnotizante ritmo que después se interrumpe por un más acelerado ritmo en los toms de la batería de Liebezeit que dan paso a la mostrada por primera vez energía de Damo Suzuki. El álbum continúa con "Mushroom" una fantástica pieza con cortes repetitivos en la batería y explosiones de Suzuki y "Oh yeah" una igualmente rítmica pieza con partes cantadas en inglés y después en japonés en la que Karoli nos regala un bonito sólo de guitarra al final de esta."Halleluwah" es una de las canciones más reconocidas y fantásticas dentro de este trabajo discográfico de CAN pues es un Jam que nos muestra un mundo muy externo a Can pero a su vez muy dentro de.La canción está compuesta dentro de casi 18:00 minutos, 18:00 minutos en los que las asombrosas y "funkies" líneas de bajo y de batería se repiten continuamente mientras Damo, Schmidt y Karoli hacen un exelente trabajo armonizando con verdaderamente elevados y alucinantes efectos electrónicos, a los casi 5:00 minutos de duración se incluyó un pequeño interludio de unos segundos que interrumpe completamente el ritmo marcado en tu razón, pero después éste vuelve a cobrar vida para hacer que el escucha entre de nuevo en el éxtasis del verdadero ritmo de CAN.
El álbum continúa con dos canciones de larga y una de corta duración, las dos primeras canciones después de Halleluwah son "Aumgn" y "Pekin O", la primera es una pieza plenamente experimental y desconcertante, un collage de diversos sonidos que inclye inesperados y muy fuertes sonidos del violín de karoli mientras la profunda y tenebrosa voz de Damo repite muy lentamente "Aumgn" una y otra vez; paseos por lugares inimaginables, complejidad instrumental, percusiones profundas y experimentales, caóticas notas en el teclado, sonidos de diversos intrumentos que suenan en por instantes, no hay rimos definidos, golpeteos en la batería que al final se convierten en un brutal y muy penetrante sólo de batería de Liebezeit, es realmente impresionante la experiencia que se vive dentro de esta composición.La segunda canción: "Pekin O" , es dominada casi completamente por los caóticos gemidos y gritos de Damo que en este momento estoy escuchando a los 5:00 minutos y medio del trabajo musical y se intercalan con un velóz y repetitivo beat entre miles de palabras que al parecer no tienen sentido, la pieza es igual de caótica, psicodélica y experimental que "Aumgn" y finalmente "Bring me cofee or tea" es una pieza con una estructura más definida.

Pienso que Tago mago está divido en dos partes: la parte mucho más centrada y rítmica y la parte experimental y caótica que empieza a partir de "Halleluwah", los sonidos experimentales manejados dentro de éstas últimas piezas me llegan a parecer bastante interesantes pues a veces a la personas les parece un poco absurdo, sin embargodebería intentar trabajar con éste tipo de atmósferas (que incluyen intrumentaciones) con tanta densidad y precisión para poder sacar de balance al oyente, que claro que el fin de elaboración no fué éste.Realmente Tago Mago es un disco muy DIFÍCIL DE DIGERIR y para mí representa la madurez total del sonido que CAN había estado tentando desde sus inicios musicales.Tago Mago es por mí y por muchas personas más un Impresionantes, muy respetado y aplaudido trabajo discográfico y artístico dentro de la historia del Rock progresivo y de la música en general.

Aqui les dejo sólo una parte del "Halleluwah"



TRABAJO ALTAMENTE RECOMENDADO

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Ege Bamyasi, 1972.

Kraturock/Kosmiche Musik                                                         Ege Bamyasi es un disco editado para el año de 1972 y para éste entonces la banda la trabajaba con un entendimiento entre si mucho más elbadorado.El trabajo musical desarrollado en el contenido de éste álbum transmite una escencia mucho más "centrada" que su anterior Tago Mago, ¿A que me refiero? me refiero a que la asimilación de las piezas musicales es mucho más fácil de completar y es que bueno, una vez que alguien escucha completamente el Tago Mago, muchas cosas que vienen después a tus oidos ya no parecen tan sorprendentes es por eso que muchas de las críticas y reseñas (incluida la mía)   proyectan inmediatamente el punto tan importante acerca de la facilidad de asimilación a comparación de su álbum antecesor.

Pienso que el sonido del Ege Bamyasi es una continuación del Tago Mago pero con ligeras mejoras en la técnica de ejecución musical sobretodo y muy notablemente en la ejecución de Liebezeit en la batería y sus pegajosos ritmos; es la combinación perfecta de  ritmo y experimentación los matices me parecen algo excelso, aquellos contrastes de los que anteriormente había hablado siguen tomando color, Damo Suzuki muestra mucho más soltura y "flow". Ege Bamyasi no deja de ser escencialmente el CAN que nos muestra rigidez en su concepto musical.Algo que me encantó de éste disco fué la inclusión de baladas con retoques de suavidad y profundidad tal y como lo lograron alcanzar en el Tago Mago con composiciones como "Paperhouse" y me refiero ésta vez a la hermosa y profunda balada "Sing Swang Song"  y espero que pueda explicar bien la tremenda profundidad en la que te introduce: la canción comienza con el sonido de agua fluyendo, puedo imaginarme un riachuelo a mi lado, estoy sentado justo a un lado de él, un lugar de lleno de árboles con neblina, el sonido va desaparaciendo y la suave y apática de voz de Damo comienza a sonar, un arpegio en la guitarra que repite sus notas, una lenta batería, percusiones que parecen emanar desde el riachuelo, para cuando labvoz de Damo vuelve a entrar lo acompaña el agudo coro de una voz que parece brotar de todas partes a mi alrededor, el sondio de lo que puedo registrar como una gaita muy en lo profundo, y finalmente un rayo del luz que quiebra la neblina, éste parece llegar del Sol a iluminar completamente el lugar, abro mis ojos.Es realmente impresionante la calidad de creatividad en la que se ven englobados todos los integrantes de CAN y sin duda alguna al igual que Tago Mago, Ege Bamyasi es uno de los mejores trabajos de CAN que es impresindible para los seguidores e interesados en el Krautrock de ésta magnífica agrupación.

Trabajo muy recomendado.

Blues Image

Open, 1970
Hard Rock/Fusión

Recientemente tuve la oportunidad de toparme con este discazo de una banda formada en Florida en el año de 1966 llamada The Blues Image y apesar de que la portada del disco no fué totalmente atractiva para mis ojos, decidí echarle un vistazo pues lo único que llamó mi atención fué el nombre de la banda: en un momento pensé que era una "blues band". Al escuchar el disco e igualmente después de investigar la escasa información que en la red pude encontrar me llevé la grata sorpresa de que Blues Image fué una banda que tuvo un sonido bastante peculiar pues su trabajo musical 4es bastante ecléctico porque combina ritmos latinos al estilo de Carlos Santana con influencias claras del electric blues y el clásico sonido de las bandas de hard/rock surgidas en la primera mitad de 1970 que fusinaban un poco de psicodélia de los setentas con fuertes y contundentes instrumentaciones tal es el caso de Captain Beyond, Traffic, Atomic Rooster, Blue Cheer,Cream por mencionar algunas.

Open fué grabado editado en 1970 y es un álbum lleno con once canciones y excelentes contrastes en las intrumentaciones que incluye Hammond, Piano, Guitarras con arreglos perfectamente estructurados, Buenos matices en la batería y en el bajo. Dentro de las cosas que más llamó mi atención en el contenido musical de álbum fué una bonita versión de nuestra tradicional, huasteca y "millones de veces interpretada: "La Bamba", tocada por unos hippies en 1970 que sin duda es muy interesante escuchar.Otra de los puntos interesantes dentro del tracklist es la muy "aclamada" según algunos artículos "Ride Captain Ride" que es una pieza con bonitos arreglos y un ritmo muy apegado a las composiciones de Creedence Clearwater Revival y que afirman que fué un éxito y no lo dudo pues el trabajo de los músicos y en especial de Mike Pinera y de Kent Henry y su guitarra devastadora es impecable, pero creo que dentro del disco hay canciones que superan a ésta por miles de veces y hablo de la canción que cierra el disco: "Take Me", una pieza con el poder de las bandas antes mencionadas y su hard/rock setentero, la canción comienza con una tremendo sólo de batería de Joe Lala que maneja un sonido muy tribal para después darle comienzo al riff de guitarra muy al estilo de Eric Clapton cuando trabajaba en Cream.Ésta pieza es enteramente intrumental y gratificante para los oidos ya que mantiene un ritmo bastante pegajoso rayando el estilo latino antes mencionado e iluminado con los magníficos arreglos en el Hammond de "Skip" Konte, la guitarra de Henry, y un pequeño sólo de Yembes por el mismo percusionista.

Disco muy recomendado, excelente.

Camel

Camel, 1971.

Rock Progresivo/"Canterbury"

Corría el año de 1971 en Inglaterra y una de las más grandes bandas del Rock Progresivo y del Rock en general perfilaba una maravillosa estructura con Doug Ferguson, Andy Ward, Peter bardens y el líder y siempre leal Andrew Latimer, para así poder dar paso a algunos de los más fantásticos ambientes musicales que nunca imaginaron crear en la psique del admirador.

Camel fué junto con King Crimson una de las bandas que me inició en el Rock Progresivo, al principio cuando escuché por primera vez el álbum "Mirage" (más adelante reseñado) no podía creer como un grupo de cuatro personas en 1970 podían generarme tanto placer con sus creaciones artísticas entrando por mis oidos, entonces fué tanto mi interés que empezé a investigar mucho más a fondo y tuve que verme en la verdadera necesidad de empezar escuchando desde su primer álbum, fué así como llegué a su disco homónimo grabado en 1971: "Camel" (también mis cigarrillos favoritos).

Si bien la portada del álbum y el color tienen un aspecto no muy agradable, después de escuchar completamente el trabajo contenido en al álbum por este cuarteto te llega a parecer agradable pues la proyección musical que muestra es impresionante ya que está llena de precisión, distintivo uso de un aplastante Órgano Hammond por el impresionante tecladista Peter Bardens, dinámicas técnicas en la guitarra de Andy y trabajadas líneas de Doug Ferguson y Andy Ward, sin embargo el álbum es aún muy objetivo y recto en cuanto a la experimentación musical, eso es lo que marca el sonido de Camel en este álbum por ejemplo en canciones como Mystic Queen o Never Let Go que es una canción con un ritmo excelso y un uso de teclados muy al estilo de Deep Purple o Atomic Rooster; quiero referirme sólamente a que su intrumentación no es tan extensa como Harmonium1, por ejemplo. Pero el uso común o típico, por así llamarlo, de los intrumentos "del momento" no hace al álbum mediocre, al contrario, es admirable la conjunción armónica creada y concentrarla en canciones tan hermosas como Mystic Queen que desde la compocisión lírica hasta cada uno de los detalles que iluminan la canción son fantásticos.El álbum también contiene grandes instrumentales ejecutados con una precisión y un distintivo virtuosísmo como Six Ate o Arabaluba  que te intruduce en un lento paseo por un riff con del Hammond que se va contrastando con la demás intrumentación hasta llegar a un corte arreglado con la guitarra de Latimer para así entrar en un viaje (ya a un tempo más acelerado) lleno de aplastantes armonías creadas por Peter Bardens que Latimer va pintando con  muy bonitos arreglos y Doug Ferguson con muy bonitas líneas que cabalgan sobre la elaborada batería de Andy Ward.Sin duda Camel es una de mis bandas preferidas.

Álbum muy recomendado para inciarte en Camel (banda altamente recomendada).

1_Harmonium, banda francófona de Progresivo/Sinfónico originaria de Canadá (posteriormente será reseñada)

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Mirage, 1974.

Progresivo/"Canterbury"/Sinfónico                                

A menudo se le ha nombrado al estilo musical de Camel "Sonido de Canterbury" que supone un sonido con muchas influenciasjazzísticas combinado con cratividad, dinamismo y psicodélia por la estapa en el que se desarrolla, finales de los 60' y principios de los 70' que musicalmente hablando es una gran división entre los estilos musicales pero muy desde mi punto de vista el sub-género "Sonido de Canterbury" sólo es una estúpida manera de nombrar al sonido que no pudieron explicarse como en el caso de Gong, Caravan o CAMEL pues bandas como estas crearon algo completamente nuevo dentro del Rock Progresivo que los Hippies jamás imaginaron tener frente a sus ojos.

Si bien ya antes traté de dar a entender que Camel creó una nueva y muy inteligente tendencia en cuanto a creación y composición musical pues Mirage es una completa "Mentada de madre" (con todo respeto) y la completa evolución de su impactante sonido, pues en éste álbum el uso de una instrumentación más amplia (al menos en cuanto a efectos electrónicos) es bastante notoria al igual que la precisión y la velocidad expresan una verdadera evolución, pero evolución para bien.

Siempre he pensado que para intentar describir la calidad y la expresión artística de muchas bandas musicales y artístas que me facinan debo inventar nuevas palabras para hacerlo, lo cual es casi imposible, es casi imposible tratar definirlo, ¿Algúna vez lo has intentado?, para mí es algo muy difícil de hacer; y es difícil tratar de decribir el trabajo musical de Camel en este álbum y en muchas de sus etapas. Mirage es una gran imágen entre las que se encuentran piezas con muy diferentes pasajes sinfonicos y agresivos que aveces que son difíciles de asimilar a primera vista ya que está llenos de arreglos con diversos tipos de sonidos sintetizados (Moog Modulador),Mellotrón por Bardens, una ya muy avanzada técnica en la guitarra de Latimer y esta vez con un notable uso de flauta trasversal tratada algunas veces con efectos electrónicos, también un Andy Ward y ferguson con mucho más dinamísmo y creatividad sobre sus compisiciones, inteligentes compocisiones líricas con influencias literarias compuestas principalmente por los genios Bardens y Latimer, tranquilidad, ritmo, y genialidad.

El álbum abre con "Freefall" una canción sencilla con un ritmo que maneja escalas ligeramente complicadas para pasar a "Supertwister" que un bellisimo intrumental  plagado de la flauta de Latimer, seguimos con "Nimrodel/The Procession/The White Rider" una impresionante canción basada en "The lord of the Rings" escrita por Latimer que te intruduce sutilmente con unos bonitos redobles e intrumentos de viento con toques "celtas" para despues darte un inolvidable paseo por diferentes lugares de tu imaginación entres los impactantes solos en el modulador de Bardens y los inesperados cambios musicales que Lstimer contrasta con su suave voz y que después aplasta con una feroz guitarra tratada con Slide un efectos de distorsión y de prolongamiento increíbles e indescriptibles. "Earthrise" es pieza instrumental bastante dinámica con cortes muy técnicos sobretodo en la batería de Andy Ward que al minuto 2:19 entra en un ritmo impresionante y veloz que Latimer llena con su guitarra.El álbum conforme lo vas escuchando va mejorando en cuanto a calidad musical y te va dejando más y más impresionado pero termina casi matando de impresión al escucha con una de las canciones más conocidas de la banda: "Lady Fantasy: Encounter/Smiles For You/Lady Fantasy" un suite de casi 13 minutos de duración que estoy escuchando en este momento y que habla por sí misma, yo ya no puedo decir  más, escúchalo tu mismo:

http://www.youtube.com/watch?v=P8d6u9QzjUo Parte uno

http://www.youtube.com/watch?v=UlwJCQmQnDQ&feature=related Parte dos

Muy recomendado e impresionante.

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The Snow Goose, 1975.

Progresivo/Sinfónico                                                                   

Si bien tengo entendido Paul Gallico fué un novelista y crítico deportivo de nacionalidad estadounidense que escribió un gran cantidad de novelas y relatos, esntre sus escrituras se encontraba la novela trájico/ficticia llamada The Snow Goose y escrita en 1941 que desarrolla un bonita historia de una persona que vive sobre su deformidad física, en torno al rechazo social, a la la soledad y a su propia visión de la vida, éste personaje llevaba como nombre Rhayder; él vive en un faro no muy lejos de  el pueblo, los únicos amigos de Rhayader son las aves que él mismo cría y supuestamente scura con el gran don que posee.Fritha es una linda niña del pueblo que un día encuentra un "Snow Goose" o bien un hermoso ganso herido al cuál  lleva con Rhayader para que él pueda recuperarlo; atravéz de las visitas que Fritha hace al faro de Rhayader para visitar a su Snow Goose se va dessarrollando entre estos dos personajes un bonito afecto que desenvuelve la manta blanca de una hermosa historia.

The snow Goose es un álnum conceptual basado en la historia de Gallico, pero no es completamente la historia que un narrador describe mientras la música de fonde  corre y se repite, éste trabajo musical simplemnete no necesitó de composiciones o lecturas de guón de la novela, The Snow Goose es un álbum enteramente instrumental apoyado con arreglos de una pequela orquesta de cámara, principalmente con istrumentos de viento. El álbum refleja de una manera impresionante el modelo musical de la obra literaria de nuestro escritor conviertiéndo maravillosamente las letras en notas musicales.Algunas veces he pensado en si es o no necesario, que las personas deban saber previamente a escuchar éste álbum el tema central de la novela, pues éste trabajo discográfico es tan fácilmente asimilable que puede pasar desapercibida la historia o puede no hacerlo si tu conoces el contexto de la novela.The Snow Goose requiere de mucha imaginación llevada al límite y sobre todo de paciencia; si anteriormente mencionaba la facilidida de asimilación del álbum (claro, para personas con el suficiente interés) creo que estoyu en lo correcto, sin embargo este puede llegar a parecer ligeramente repetitivo a la primera lectura.

Éste álbum contiene piezas con una asombrosa creatividad en cuanto a composición musical y excelencia en la ejecución intrumental, tal es el caso de "Rhayader Goes Town" en donde destaca la impresionante calidad de Andrew Latimer con uno de los más fantásticos solos de guitarra que jamás haya ejecutado

que recae sobre las exitantes líneas en el bajo de Doug Ferguson mientras Bardens acomoda ala perfección los tiempos con su asombroso Hammond.Otra de las piezas más impresionantes entre las quice compocisiones es "Dunkirk" que te introduce en una marcha del ejército de la realez digiriéndose hacia un combate representado en la segunda parte de la canción que sobre la veloz batería de Ward que no medeja de impresionar, no falla un chillante y distorsionado solo de guitarra de Latimer que corta inesperadamente en facinantes redobles de Ward tratados con un efecto eco hermoso.Secillamente The Snow Goose con un asombroso sonido progresivo "puro", expresión artística muy clara, y una composición musical admirable que combinada con tu imaginación canvierte a éste álbum es un maravilloso trabajo y uno de los mejores trabajos de Camel y su majetuosidad.

             IMPRESIONANTE OBRA MAESTRA, MUY RECOMENDADO

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Moonmadness, 1976. 

Progresivo/ Sinfónico

Para 1976 Camel continuaba con su super alineación participante en los discos anteriores además la solidez del grupo relucíapor cualquiera de sus facetas, esta vez la particiapación de todos los integrantes del grupo es mucho más notoria en cuanto a la creatividad,Camel exigía canalizar todo el trabajo en un sólo nombre: Moonmadness.

Creo que para poder lograr a entender esta obra de arte debeshaber escuchado mínimo el anterior álbum Mirage pues yo escuché primero el Moonmadness y me fué muy difícil digerirlo y asimilarlo pues este trabajo te da un recorrido por lugares de tu conciencia si logras prestar la suficiente atención para que ante sus pies caigas rindiendo reverencias.

Moonmadness es a mi gusto uno de los trabajos mejor elaborados de Camel, la compocisión lírica toca temas filosóficos y muchísimo más profundos, pues cuatro de las canciones del álbum representan la personalidad de cada uno de los músicos, el album es enteramente una    obra de arte y una obra de arte expresa sentimientos, emociones, pasiones, y a veces nostalgia. Moonmadness es capaz de expresar muchas cosas dentro de cada armonioso sonido, éste álbum este llano de pasajes intrumentales con cambios radicales pero perfectamente entrelazados e iluminados por intensas atmósferas creadas principalmente por Bardens y Latimer; la técnica de ejecución de cado uno de ellos es impecable (a mí me dejó boquiabierto);efectos electronicos utilizados, diveros tipos de teclados, delirantes atmósferas, el sonido de la flauta de Latimer, excelsos arreglos de guitarra,impecables "riffs" de bajo, el sonidosuave e infinitamente profundo de la voz de Latimer, hermosas percuciones de Ward, el sonido del viento, elsonido del mar que se convierte en el sonido del Mellotrón de Bardens.Todo esto te inicia en una compleja e inexplicable belleza.

El álbum se compone de siete piezas entre las que destacan de una manera impresionte: "Song Within A Song", "Air Born", "Another Night" que es una de las putas mejores melodías que en mi vida he tenido la opurtunidad de escuchar y que podría escucharla un millón de veces más y recorrer diferentes niveles en mi conciente al igual que con la mejor pieza instrumentaldel álbum, les presento a "Lunar Sea": Lunar Sea es la última y mejor pieza del álbum, Lunar Sea no sólo es música, es enteramente e indudablemente imaginación en un mundo contrastado en azules y acuático en el que Bardens te explica con un solo de Moog Modulador extraterrestre como puedes volar dentro del mar lleno de creaturas inimaginables e indescriptibles, mientras Doug Ferguson ejecuta en un su bajo unas cuantas y repetidas notas musicales que desesperadamente gritan por salir a la superficie del inmeso mar, volar sobreella y escuchar un verdaderamente, pero verdaderamente magnífico y colosal solo de guitarrade Latimer que te demuestra una vez más lo precioso que es al arte musical y que en tu imaginación no existen límites.

Trabajo Altamente Recomendado .Excelente.

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Rain Dances, 1977.                

Progresivo/Jazz-Fusión                                                            

Rain Dances declara un cambio muy drástico en la eswcena musical de Camel anteriormente trabajada y la única causa de esto fué el desequilibrió que causó la salida del bajista Doug Ferguson por diferencias con Andy Ward, Doug Ferguson fué sustituído por el ex-Caravan1 Richard Sinclair que además de participar en el bajo también fué vocalista principal junto a Latimer; Rain Dances no sólo significó la llegada de Sinclair si no también de el ex-King Crimson Mel Collins siendo iniciador de su clásico sonido principalmente en el saxofón en el "nuevo" sonido de Camel.

Debo destacar que es es algo difícil pasar del Moonmadness al Rain Dances pues este nuevo trabajo se aleja un poco del sonido progresivo y espacial que habían conseguido concretar en tres discos, Rain Dances nos habla de un sonido mucho más apegado a influencias Jazzísticas con ambientes mucho más "comestibles" por decirlo de alguna manera, sin embargo Camel no deja de perder su escencia y su gran calidad en cuanto a compocisión y ejecución musical.

El álbum abre con "First Light" que es un muy buen instrumental con cierta escencia "futurísta"  y un excelente trabajo de Collins en el saxófón que hace un magnífico y hermoso tema que te intruduce a la tranquilidad y suavidad del álbum. "One Of These Days I'll Get An Early Night" es si duda el tema instrumental del disco que más me gusta pues el sonido jazzístico buscado se concentra en esta pieza llena de intrumentación, un exclente trabajo en el bajo de Sinclair y de Collins que contrasta con la calidad de Latimer y su devastadora (esta ves no tan devastadora) guitarra; otro de los temas intrumentales mejor elaborados es "Skylines" que me remite al sonido espacial elaborado en el antiguo Mirage o bien el Moonmadness, con un bajeo muy parecido al de Ferguson y arreglos de Bardens con su clásico sonido del Moog llevando de la mano a Latimer y Ward.En general Rain Dances es un excelente álbum que no tiene nada que envidiar a sus antecesores.

Recomendado.

1.Caravan, banda de Rock Progresivo del área de "Cantebury" e influencias jazzísticas.(próximamante reseñada)

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I Can See Your House From Here, 1979.

Progresivo/Jazz-Fusión

Siempre he mantenido la idea de que a finales de la segunda mitad de la década de 1970 existió una drástica decadencia sobre el Rock Progresivo lo que significó un muy notorio y desconcertante alejamiento del sonido "culto y complicado" que el Rock Progresivo implicaba en sus momentos de auge. Muchas personas e incluso críticos musicales relacionan al "género" musical "Pop" como el sonido que causa este cambio radical, sin embargo yo sostengo firmemente que el "Pop" simplemente no es un género musical pues si bien tengo entendido pop remite el significado a popular, pero entonces...¿Por qué al género musical ejectutado por Bob Dylan no le llamaron desde un principio "Pop" si Dylan era muy popular o a los Beatles ¿por que no Pop en vez de Rock,? FUERON SIEMPRE POPULARES.Simplemente es estúpido untilizar Pop para justificar el cambio de sonido de esta bandas de rock progresivo.Mi teoría se basa en que estas bandas cambiaron su sonido por la facilidad que la tecnología les fué brindando conforme los años avanzaban o bien el cambio de integrantes.

Bien, ahora hablaré del disco que es de lo que debería hablar o mejor dicho, escribir; "I can see your house from here" es la culminación de del cambio musical que Camel había venido experimentando desde su "Rain Dances"  y las influencias jazzísticas tratadas y en este álbum Peter Bardens ya había abandonado el grupo y Camel experimentó con una nueva alineación, factor muy influyente en el cambio sonoro de la banda sin embargo Latimer continuaba en la banda (y continuó). 

"I can see your house from here" es un trabajo mucho más digerible que cualquiér persona podría asimilar pues la compocisión musical muestra mucha más limpieza y simpleza, las compocisiones líricas tocan temas más románticos y "humanos"  tal es el caso de "Your Love Is Stranger Than Mine" una de las mejores canciones del álbum ,pero, aún así las canciones pueden pasar desapercibidas fácilmente para la persona que escucha el trabajo, pero no todo está perdido la última canción del álbum (que bien podría se completamente este) fué llamada "Ice" y es una bellisima balada enteramente instrumental de 10 minutos con hermosos arreglos de piano, y un espectacular solo por parte del ya maestro Latimer de casi tres minutos y medio que refleja una emotividad impresionante capaz de sacarte algunas lágrimas y que recupera el sonido de un Camel sinfónico que se creía perdido: 

Ice: http://www.youtube.com/watch?v=lLarYtjkPRA 

Recomendado.

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Nude, 1981.                                                                     Progresivo/Sinfónico

Para aquella época Camel estaba completamente disuelta con la salida de Andy Ward (baterista) por los típicos problemas de drogadicción y Colin Bass se encontraba enfocado en ótros ámbitos musicales por lo que el único miembro original: Andrew Latimer se vió en la necesidad de buscar una nueva flota de músicos para continuar con su carrera musical; Susan Hoover, esposa de Latimer colaboró de una manera destacada en la escritura de lo que serían las nuevas canciones de álbum. La etapa de 1980-1990 fué para Camel y especialmente para Andrew Latimer una década de descendiente actividad musical y creatividad.

Nude es un álbum conceptual basado en la verdadera historia de un japonés llamado Hiroo Onoda perdido en una isla durante la segunda guerra mundial y encontrado años después de que esta finalizara con un "trauma" post-bélico.El álbum plantea muy bien las expresiones y la tristeza imaginada de Hiroo con distintos temas donde cada uno de estos narra musicalmente y brevemente su historia. A pesar de la notable baja de complejidad musical (comparando con los álbumes primitivos) el álbum no deja de expresar la belleza en las canciones pues teniendo a un genio como latimer detrás de la compocisión es infalible su calidad."Drafted" es la tercera y más hermosa pieza del  álbum pues refleja una sentimental balada perfectamente instrumentada e iluminada con la jamás errante guitarra de Latimer.

Sin duda alguna es un disco bastante interesante de escuchar y muy fácil de asimilar.

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Stationary Traveler, 1984.                     

Progresivo/Sinfónico/Fusión

1984 y una notable recuperación de la agrupación se incrementaba a su paso con las sesiones de grabación de el exitoso álbum Stationary Traveler que también incluía un concepto sentro de su temática.El sonido de Camel continuaba desarrollando el iniciado sonido "Jazzístico" con algunas otras influencias pero sin perder la escencia de las sinfonías ya clásicas de Latimer.

Como bién mencioné: Stationary Traveler es un álbum conceptual al igual que The Snow Goose o Nude, pero ésta vez el contexto del álbum se basa en la historia de una pareja de enamorados que tuvieron que fueron separados por un régimen político haciendo una clara alusión a en el ese entonces dramático y vergonzoso caso de la separación de Alemania en Alemania Federal y Alemania del Oeste con el "Berliner Mauer" o "El muro de berlín".

En cuanto al sonido de el álbum puedo decir que muestra un claro uso de sintetizadores y sustitutos electrónicos muy usados para ese entonces (era la novedad) mostrando como resultado un sonido más "Ochentero" de cual no soy muy seguidor pues en canciones como "Cloak And Dagger Man" podrías pensar inmediatamente en cualquier otra banda del momento que no fuera Camel pero por encima de esto el álbum cuenta con compocisiones de una calidad imprescindible tal es el caso de la rítmica "Vopos","Fingertips" que cuautiva con la profunda y pasiva voz de Latimer que Mel Collins retrata con una armonía impresionante que sale de su saxofón o "Stationary Traveler" que es una hermosísima pieza instrumental sinfónica que al igual que "Ice" de su anterior I Can See Your House From Here, te remonta a el Camel de el Moonmadness pues el genio Latimer domina completamente la pieza con un impresionante, espresivo y cálido arreglo en una "Flauta de Pan" que después transforma casi "mágicamente" en el infiníto sonido acojedor y propio de su guitarra. Otra de las mejores piezas del álbum es la melancólica y nostálgica "Long Goodbyes" que precisamente marca el adiós de la historia y del álbum.

Muy recomendado.

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Pressure Points, 1984 (Presentación)

Progresivo/Sinfónico

Pressure Points es una presentación de Camel (disponible en cd y dvd) desde Hammersmith Odeon, con la alineación formada a partir de su para ese entonces más reciente álbum Stationary Traveler con un Setlist de por supuesto las canciones compuestas para este disco, dos excelsas piezas de el antiguo Snow Goose: "Rhayader" y "Rhayader Goes To Town"; después de la inesperada presentación de estas dos piezas, presentan la aún más inesperada y fantástica "Lady Fantasy"

pieza clave en su también pasado álbum Mirage.Otra de las sorpresas del concierto radica en la aparición del tecladista estrella en los inicios de Camel y que con su calidad nos hizo sentir maravillas, me refiero por supuesto a Peter Bardens.

El concierto nos muestra a un Latimer con su lastimada imágen "ochentera" (en el dvd, claro) clásica de aquellos músicos "setenteros" en los ochentas que contrasta con el entorno completo.Sin lugar a dudas un muy buen recital para aquellos años de recreación de Camel o debería decir de Andrew Latimer que es lo mismo.

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Dust and Dreams, 1991.

Progresivo/Sinfónico

Finalmente la década de 1980 terminó y la nueva etapa para Latimer y Camel estaba a punto de surgir comenzando la década de 1990 en donde creo yo que Andrew Latimer alcanzó un punto muy alto dentro de su maestría como músico pues esta fué reflejada en los trabajos discográficos que incluían ya sinfonías mucho más sentimentales y con una serenidad colosal.

El ejemplo de esto, es claramente el nuevo álbum conceptual Dust and Dreams lanzado a la venta en el año de 1991, si bien mencione conceptual porque este trabajo está basado en una novéla trágica con bases realistas de John Steinbeck llamada The Grapes of Wrath con una temática bastante sentimental y lamentable: generalmente la historia gira entorno a un grupo de granjeros trabajadores que después de la reconocida y fuerte caída económica (Crisis económica) que experimentó E.U.A. en los años treinta (Crack 29) o más especíaficamente 1929, son desterrados de la tierra que los vió crecer en Oklahoma para así emprender una travesía hacia nuevas tierras en California pero está travesía les llevó varias sorpresas, ilusiones y aventuras las cuales proyecta a lo largo de su desarrollo el maravilloso Dust and Dreams.

El álbum está lleno de interesantes sinfonías arregladas con fasntásticos trabajos de coro y ambientes de ensueño que pueden ir desde los paisajes más oscuros hasta los más clarosclaros iluminados a la perfección con una amplia instrumentación de los músicos colaboradores y por su puesto del miembro fundador y vigente: Andrew Latimer. La fotografía en la portada debo aclarar que siempre me ha parecido fantástica pues remite un cierto sentimiento que se combina a la perfección con en concepto musical de álbum.

Ampliamente recomenado.

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Harbour of Tears, 1996.                       

Progresivo/Sinfónico

Después de seis años tras haber grabado el conceptual Dust and Dreams, Andrew Latimer quizo de nuevo explotar en sus más altos niveles de maestría en cuanto a compocisión musical (abarca todo) y aventarse una de las más ambiciosas obras conceptuales que mis oídos han tenido la grata oportunidad de escuchar. Otra vez Latimer basandose en una triste historia (muy buena técnica de composición e inspiración) ya que Harbour of Tears está fuertemente inspirado en la vieja historia de un grupo de personas (trabajadores de clase baja) habitantes de Irlanda que parten trájicamente desde el puerto de Cóbh ubicado a las orillas de Irlanda hacia tierras americanes en una tremenda obsesión de encontrar nuevas oportunidades de trabajo dejando a sus familiares atrás.

El trabajo de la agrupación incluye varios cambios en la alineación con la muy destacada colaboración del excelente baterísta John Xepoleas, Colin Bass (en el bajo) y Mickey Simmonds (teclados) que junto con ungrupo de extra de instrumentistas logran crear un excelente álbum conceptual, superando a el Dust and Dreams por ejemplo, pero no a primitivos trabajo de Camel por ejemplo el Moonmadness.

El álbum nos muestra un sonido aunque en ocaciones bastante oscuro sobre sale la frescura de el trabajo de los músicos que no pueden dejar de reflejar toda una historia en la cual estuvo Latimer inspirado, la técnica de los músicos está bastante desarrollada sobre todo en los arreglos de bajo y batería que le dan un sonido cálido y contundente, técnica de Latimer en la guitarra muestra un novedoso sonido mucho más claro y emotivo muy similar al sonido desarrollado en "Ice".El trabajo también nos da aires de un sonido típico Irlandes para no perder la escencia de la historia, el ejemplo claro lo encuetras en la colaboración de Mae McKenna una corista que interpreta un tradicional canto ("Irish Air" canción que abre el disco) con una hermosa voz que después es sustituida por un majestuoso sonido ambiental acompañado del mismo canto esta vez en la guitarra de Latimer.

Puedo decir que en cuanto a la composición lírica y musical me agradan los contrastes que existen entre la primer parte del disco que es más seria y serena con la segunda parte que es mucho más técnica y "poderosa" partiendo desde el impresionante sólo de guitarra acompañado por un ambiente sumamente sentimental en "Under The Moon" pasando por la impresionante "Watching the Bobbins" con un muy buen trabajo en el bajo de Colin Bass mantieniendo un ritmo con toques "funk" mientras Latimer hace su trabajo. Una de las más asombrosas melodías del álbum es la penúltima "Coming Of Age" que está compuesta de diversas notables partes dentro de la misma que cada una retrata la inmensa creatividad de los músicos recordando el sonido porgresivo y "espacial" que Latimer vió ascender.Finalmente "The Hour of Candle (A song for my father)" que nos conecta a las sinfonías de la primera parte del disco que para esas alturas ya había pasado a segundo plano; "The Hour of Candle (A song for my father)" es una bellísima pieza de 23:00 minutos de duración que después de 6:00 minutos de melodía magnífia por parte de Latimer, te transporta al viejo puerto de Cóbh con 16:00 minutos de el armonioso sonido de las tranquilas y bonitas olas del mar.  

Excelente trabajo. Imprescindible.

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Rajaz, 1999.

Progresivo/Sinfónico                                                                            

"The music of poets once carried caravans across the great deserts. Sung to a simple metre of the animal's footsteps, it transfixed weary travellers on their sole objective...journey's end. This poetry is called 'Rajaz'. It is the rhythm of the camel..."

Andrew Latimer fué el único miembro que hasta la fecha ha permanecido en la banda y que fué capaz de afrontar la propia recuperación que Camel fué experimentando mediante la extensa historia de esta agrupación a partir del Rain Dances en 1977, cada vez que un disco nuevo era grabado la propia perseverancia de Latimer fué recuperando el sonido que se había perdido en la segunda mitad de 1970.Andrew Latimer es una persona admirable ya  que pudo enfrentar los problemas de derechos de autor que tuvo con Decca y aún así tras su espíritu pasional de artísta pudo salvaguardar y poner en alto el nombre de Camel para poder ir recuperando la magnífica genialidad que Camel dió a conocer a sus seguidores desde un principio.Realmente he conocido a muy pocas personas con la entrega de un verdadero artísta con la que Latimer salió adelnate, personas con valores que se cultivaron así mismos para satisfacer su ambición de triunfo; muchos de estos valores se han perdido en las personas que ahora hablan de ejecutar el arte como algo muy superficial y fácil de decir.

Obra maestra.Rajaz es una de las más grandes obras maestras que Camel (Latimer) dío a luz pues nos demuestra en su trabajo todo el sonido que Camel fué desarrollando durante su extensa historia, es la perfecta recopilación entre los distintos sabores que Latimer,Bardens, y el resto de músicos nos dieron a probar.

Rajaz es una obra maestra dentro del gratificante y desarrollado trabajó que Camel nos brindó a nuestros malagradecidos oídos, nunca me cansaré de mencionarlo.Después de que pude asimilar el trabajo de Rajaz quedé cuativado por su seductor sonido capaz de satisfacer y callar al seguidor más exigente, la belleza incomparable que muestra es algo que no puede ser nombrado. El álbum está lleno de bellísimos lugares por los que puedes imaginarte, escencias que te envuelven con un exquisito aroma, relaciones muy bien plantadas entre el sentimiento y la nostálgia, ambientaciones magníficas, composiciones líricas muy poéticas con influencias cultas y el veterano e infalibe sonido de la legendaria de guitarra de Latimer.

Tengo mucho respeto a éste trabajo de Camel pues como ya lo había mencionado es una de las obras maestras de Camel de todo el rock progresivo que logra reunir todo en sólo poesía y esa poesía se llama Rajaz. La composición lírica es muy hermosa tal es el caso de "Rajaz" ,la hermosa "Straight To My Heart" o la maravillosa "Lawrence" en donde la guitarra del maestro ya no sólo expulsa notas sino que Latimer la hace capaz de hablar.

DEBES ESCUCHARLO si eres admirador de la belleza musical.

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=QY0LT940

Impresionante trabajo

Altamente Recomendado

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Coming Of Age, 1998.

Progresivo/Sinfónico

Excelente Presentación de Camel (diponible en cd y dvd) en una noche con un impresionante setlist y claro, la presentación de su disco Harbour of Tears completo que junto con canciones del Moonmadness, Dust and Dreams, The Snow Goose, Nude y I Can See Your House From Here además de "bonus footages" del previo ensayo, el "sound check" y una a mi parecer irelevante pero divertida entrevista a algunos de sus "noventeros" fans, completan un tiempo de 2:20 mins de duración (dvd) y sobre todo un hacen de este trabajo (cd y dvd) una brillante pieza imprescindible dentro de tu repertorio de Camel. 

Tracklist:

1. Rehearsal (bonus footage)

2. Soundcheck (bonus footage)
3. Opening Titles / Lunar Sea (MOONMADNESS)
4. Hymn To Her (I CAN SEE YOUR HOUSE FROM HERE)
5. Rhayader (THE SNOW GOOSE)
6. Rhayader Goes To Town (THE SNOW GOOSE)
7. Drafted (NUDE)
8. Docks (NUDE)
9. Beached (NUDE)
10. Spirit of the Water (MOONMADNESS)
11. Ice (I CAN SEE YOUR HOUSE FROM HERE)
12. Fan interviews (bonus footage)
13. Mother Road (DUST AND DREAMS)
14. Needles (DUST AND DREAMS)
15. Rose Of Sharon (DUST AND DREAMS)
.HARBOUR OF TEARS

16. Irish Air
17. Harbours of tears
18. Cobh
19. Send Home The States
20. Under The Moon
21. Watching The Bobbins
22. Eyes Of Ireland
23. Running From Paradise
24. End Of The Day
25. Coming Of Age
26. The Hour Candle 

27. Closing Credits/ Irish Air 

Músicos:

Andrew Latimer/ guitarra, flauta, teclado, voz principal

Colin Bass / bajo, voces 

Foss Patterson / teclados
Dave Stewart / batería

Muy recomendado.

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A Nod and A Wink, 2002.                                                        

Progresivo/Sinfónico                                                               

Último y número catorce trabajo discográfico de Camel sacado que vió la luz en el año 2002.Éste álbum muestra, ami opinión, un sonido muy similar al sonido trabajado en su anterior Rajaz aunque A Nod and A Wink refleja una "alegría particular contrastada con un distintivo uso de flautas y sonidos más "acústicos" y de un semblante mucho más rústico que refleja la tranquilidad final de una fuerte carrera musical para Andrew Latimer es por eso que el álbum me remite a una alegría y frescura significativa y contundente. Al igual que Rajaz éste trabajo nos puede remontar por cada una de las etapas musicales por las que Camel pasó siendo así una implícita pero no pretenciosa contundente recopilación de el Camel maduro.

Este trabajo está compuesto de 7 piezas y abre con el sonido de una locomotora que se acerca a la cual pareciera que abordas para dar un recorrido por las asombrosas y creativas composiciones de Latimer y su grupo de músicos con la destacada colaboración ésta vez de el impresionante tecladista Guy Leblanc el cual ya había participado anteriormente con la banda.Una de las canciones más detacadas de el álbum es "Simple Pleasures" una hermosa balada con un asombroso rítmo desarrollado en la segunda parte de esta sobre el cual se apoya un rítmico e iluminado sólo de guitarra de Latimer con su estilo carácterístico de hacerla sonar, una muy bonita composición lírica con la profunda voz de la experiencia."Fox Hill" que es la canción que en particular me trasmite esa enérgica alegría pues tiene un ritmo muy acercado a el sonido de las bandas de progresivo de los 70' ya que se trabajan escalas músicales carácterísticas del Rock progresivo escencialmente en las devastadoras líneas de bajo y la batería de Denis Clement que seduce al escucha con un muy atractivo y breve sólo batería a la mitad de la canción para así arrancar con el rítmo al de la melodía que entra con los versos peculiares de Latimer de nuevo."Squigley Fair" una muy bonita melodía con un mejestuoso y extenso uso de la flauta transversal (de la cual sonido soy muy seguidor) por parte de Latimer. Finalmente "For Today" mi preferida del álbum pues es hermosa, con 10:00 minutos de duración la balada muy al estilo de "Ice", muy al estilo Camel, el característico estilo de Latimer para hacer vibrar tus sentidos, coros impresionantes, la guitarra legendaria, teclados aombrosos, melodía genial, sentimental, contundente y nostálgica que termina finalmente con el sonido de la locomotora de regreso de tu intenso viaje por el mundo de la que siempre fué y será una de las más maravillosas bandas que este mundo ha conocido y acargo de uno de los hombres más impresionantes y talentosos que jamás haya pisado esta tierra ANDREW LATIMER: mis respetos y todas mis reverencias.

Recomendadísimo.

En honor a una de las bandas que más admiro y en honor a uno de los hombres que más me ha inspirado.