Klaus Schulze (1976)

Moondawn, 1976/Alemania.
Kosmische Musik/ Escuela de Berlín/ Electronic

Actualmente he notado en las personas que hablan sobre Krautrock (Kosmische Musik) que  existe una gran confusión a la hora de aplicar el término generalizando a todas las bandas Alemanas de música electrónica que se desarrollaron durante la década de 1970, y que no se hace una parada para enfatizar las subdiviones de este género, es decir: Motorik, Escuela de Berlín y Escuela de Düsseldorf. Es importante hacer la aclaración precedente, pues el sonido entre cada una de las vertientes del género es (supuestamente) de sonoridades y "dogmas" diferentes. Y a propósito, me enfocaré esta vez en la Escuela de Berlín: la Escuela de Berlín para Música Electrónica se referie a la brecha generacional de músicos que se desarrollaron en esta región y que se enfocaron principalmente en el uso de aparatos puramente electrónicos para la elaboración de su música, detalle que les daría una sonoridad absolutamente espacial y más sintética en comparación con la Escuela de Düsseldorf por ejemplo, que manejaban un sonido un poco más orgánico; los músicos berlineses como Klaus Schulze, Edgar Froese, Christopher Franke, Peter Baumman (Tangerine Dream) o Manuel Göttsching, cabecilla de Ash Ra Tempel, enfocaron, según la taxonomía musical, enfocaron su trabajo en una línea estilística vanguardista que se expandiría por todo el mundo para influenciar a otros músicos, tal es el caso del francés Jean Michel Jarre1. No obstante a la taxonomía y las clasificaciones toda esta música de índople anímica, vanguardista y de sonoridades cargadas de misticismo son parte de una generación que marcaría para siempre la estética musical y los lineamientos artísticos. Esta vez el post va abocado a uno de los líderes más impresionantes y novedosos de la generación de músicos Alemanes más creativos e inteligentes que su tierra vió nacer: Klaus Schulze.

Tras haber trabajado como baterista en el álbum debut de Tangerine Dream: Electronic Meditation, Klaus Schulze decide comenzar su carrera en solitario para grabar su álbum debut, Irrlicht en 1971, el experimento de Klaus Schulze fue desenvolviéndose más en un proceso enajenador que despilfarró novedad en todo el sentido de la palabra. Ante sus primitivas experimantaciones con LSD, y bajo la influencia de la ya casi muerta Psicodélia de la segunda mmitad de 1960, Klaus Schulze comenzó sus experiemntaciones en su cuarto de casa, con algunos teclados y grabadoras para enfocarese en la creación de ambientaciones penumbrales, místicas y casi rítmica y melódicamente ausentes. La evolución de Schulze es notable si se pone atención en su línea estilística desde la sonoridad de ambientes sobrepuestos para la creación de ambient de los tempranos 1970, hasta el uso de completo y la técnica avanzada de los Sintetizadores y Secuenciadores a mediados de la década con su álbum Blackdance (1974), instrumentos clave en la creación de la música que definiría el camino vanguardista de su característico sonido. Moondawn: he decidido escribir sobre Schulze por primera vez con este álbum porque es a mi gusto, es uno de los trabajos más espectaculares de su carrera y un álbum que marca un verdadero antes y un después en su madurez sobre su objetivo.

Moondawn es un álbum compuesto de dos piezas de larga duración: "Floating" (27:14 mins) y "Mindphaser" (25:37 mins) (en su edición de lujo incluye "Floating Secuence"), rasgo característico en la mayoría de sus trabajos: pocas piezas, larga duración. El álbum es algo completamente fuera de lo normal y difícil de describir, pues es la perfecta combinación entre la secuencia de sonidos y el revestimiento ambiental primitivamente manejado. Comenzaré tratando de describir cada una de las piezas. "Floating": es la pieza abridora y en mi opinión la más devastadora del álbum, bajo unos extrañamente "cristalizados" y agudos sonidos, una voz de un hombre con un acento reminiscente al de algunos países del Medio-Oriente se muestra para fundirse con un sonido "campanal" que se repite varias veces como anunciando el comienzo de la secuencia, algunos acordes que ambientan se hace presentes en diferentes tonos; poco a poco, una secuencia rítmica y sumamente repititiva se muestra en un sonido ascendente desde lo casi inaudible hasta completarse y dominar la pieza, mientras el sonido que acompaña la secuencia de un Kit electrónico de batería2  no abandona y juega con los tiempos, la secuencia sigue, saturando los oídos con sonidos que pareciecen surgir de todas partes, de pronto, cambios de tono que estremecen desde la nuca hasta las extremidades, el sonido de la secuencia es suficientemente hipnotizante como para hacer caer al escucha en una especie de trance y de desbalance del sentido del equilibrio, la secuencia muestra un ritmo que pareciese inagotable y que bajo experiencia propia es completammente enajenador, los efectos son variables en cada persona. "Mindphaser" rompe un poco con la línea estilística de la pieza antecesora: comienza con potentes masas atmosféricas que no renuncian a su belleza y que tocan el fonde del alma, los sonidos "cristalinos" siguen haciendose presentes como en el inicio de "Floating", las atmósferas ambientales casi funerales, alcazan por poco los 12:00 minutos de duración para que una supresión sonora acabe con ellas para entrar con un potenciado ritmo de batería mientras Schulze encima capas de sonido sobre capas de sonido, matizando con inumerables arreglos y dedos virtuosos sobre el Modulador Moog, sin secuencia definitiva como en "Floating", los dos músicos se disponen a caotizar la pieza para poco a poco subir la velocidad sobre el tiempo.

Moondawn es una joya que en comparación con otros trabajos del maestro, no es la gran cosa, pero que es un trabajo que en términos sumamente relativos no es tan complicado para la digestión de algun interesado que se inicie en la atípica sonoridad de Klaus Schulze, un trabajo altamente recomendado para conocer las raíces de la música electrónica y para no pasar por alto a uno de los músicos de nuestra era, paradójicamente más fuera de ella que han puesto sus pies sobre esta tierra.

1: Ver Jean Michel Jarre y "Oxygene"
2: Harald Grosskopf, asistente dominante del Electronic DrumKit

Por: Michel Loeza
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Harmonia (1973)

Musik Von Harmonia, 1973/Alemania.
Kosmische Musik/Krautrock

Harmonia fue un proyecto, llamado super grupo formado por los ya bien conocidos en el  mundo de la música electrónica Alemana: Hans J. Roedelius y Dieter Moebius más la adición del guitarrista Michael Rother proviniente de Neu!, power-trio que dejaría huella en el ambiente de la música cósmica en Alemania sobre la primera mitad de 1970, década de su auge. Musik Von Harmonia (debut) es un disco que puede ir desde los sonidos más rígidos con ritmos secuenciados y mecánicos hasta las ambientaciónes más sensuales, el trabajo con el que fue elaborado el álbum es de una calidad realmente apreciable. Obviamente el contenido del álbum es plenamente instrumental, algo caracterísco dentro de la Kosmische Musik en Alemania, por cuestiones de búsquedas anímicas, hasta cierto punto espiritistas (tal es el caso de Popol Vuh), y de cualidades de transmision sensitiva al oyente. Algo que siempre me ha parecido importante clarificar antes de recomendar un álbum que se desenvuelve con tales ambientaciones y atípicas sonoridades, es que se debe prestar la máxima atención cuando se escucha, evitando distractores, pues sólo de esa manera son parcialmente concebibles las obras de índoles similares. Musik Von Harmonia no es la excepción, sobre todo para primerizos en esta atmósfera; el álbum es definitivamente difícil a la hora digerir, pues las piezas no mantienen una línea rítmica y/o estilística en sus transiciones, por ejemplo: la pieza abridora "Watussi" que comienza en una sonoridad ascendente a proyectar un ritmo secuencial y muy consistente en su sustancia, hacia la radicalidad del cambio a la segunda"Sehr Kosmisch" , que es indudablemente severa, pues la segunda pieza de aproximadamente 11:00 minutos de duración es una hipnotizante relación entre el aparente latido de un corazón y ambientaciones anímicas y "espaciales".

Tras haber escuchado Musik Von Harmonia, alguna vez Brian Eno, sugirió de manera muy drástica que Harmonia era la banda más importante de todos los tiempos, cosa que personalmente me parece una bestialidad, pero que sin embargo, puede ser una de de las agrupaciones más importantes dentro de la historia mundial de la música, pues junto a agrupaciones como Kraftwerk, Faust (del Motorik), Lard Free, Tangerine Dream, etcétera, marcaron una brecha generacional de medidas inconmesurables para la elabroación de la actual música electrónica y del New Wave (de la cuál muchas veces se ignoran sus raíces). Musik Von Harmonia es una joya que no debe pasar desapercibida por el interesado y también, por el no (imbécil) interesado. Ambientes robóticos, espaciales, anímicos, pasajes musicales obscuros e hipnotizantes hacen del trabajo de Harmonia una obra con un balance digno y una certeza notable ad-hoc en cuanto a la rigidez de la idea sobre la que se quería trabajar. Sin duda Musik Von Harmonia es un álbum cien por ciento recomendado, y pieza para los oídos más exigentes de avant-garde musical.

Por: Michel Loeza.
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Peter Hammill (1973)

The Silent Corner and the Empty Stage, 1973.         Rock Progresivo

Peter Hammill, uno de los íconos más representativos dentro de la escena del Rock Progresivo más puro desarrollado durante la década de 1970, y uno de los músicos más influyentes e inteligentes de Inglaterra. Tras haber grabado varios discos junto a Nick Pearne, Judge Smith, Guy Evans, Hugh Banton, Nick Potter, Ian Ellis y David Jackson1 bajo el igualmente icónico nombre de Van der Graaf Generator, la agrupación tuvo un importante periodo de recesión en 1971 por distintos factores y habiendo dejado como último trabajo el importantísimo de medidas colosales "Pawn Hearts" antes de que Hammill comenzara a "trabajar por su cuenta" en su tercer y más desulmbrante álbum: "The Silent Corner and the Empty Stage". Antes de entrar de lleno a la reseña sobre el trabajo discográfico de Hammill, quiero hacer énfasis en que el trabajo de Hammill como solista siempre ha causado una importante polémica, pues si bien es sabido que una carrera como solista es tomada en el sentido más literal del solitas, The silent Corner and the Empty Stage es un trabajo en el que todos los miembros del Van der Graaf presente en aquellos años, son partícipes, lo cual ha puesto en duda estupideces como si el disco es parte de la discografía de la banda o no. El apartado solitario de Hammill está definido por la plenitud sobre sus letras y por la predominación de las ideas en cuanto a la composición y estructura del álbum, en estos casos es casi obsoleta la participación de los músicos asistentes.

Estando lo anterior enfatizado, entramos al trabajo de Hammill: bajo una sujestiva y enigmática pintura de Bettina Hohls diseñadora y ex-miembro de Ash Ra Tempel,The silent Corner and the Empty Stage, es sin duda alguna uno de los mejores trabajos discográficos dentro del ambiente del Rock Progresivo mundial y dentro de la carrera de Hammill, si no es que aquí el más importante y elaborado de sus trabajos. Este es sin duda un trabajo sumamente obscuro, continente de composiciones líricas poetizadas, con metáforas complejas, cuestiones melodramáticas de índole filosófica y notable combinación del conocimiento artístico, literario, científico y astronómico, factor característico de Hammill. La fineza en la estructura de las composiciones es notable desde que los primeros acordes de la pieza abridora se sublevan: "Modern" , una de las piezas más enigmáticas del repertorio y una belleza que abre las puertas de la mística atmósfera en la que el álbum se desenvolverá en las piezas venideras. Pasajes musicales que van desde la más bella melodía hasta los trances más inescrutables y perturbadores para el oído, que sin dejar de ser espectaculares seducen a la atención más establecida. La voz de Peter Hammill es otro de los factores que contrastan el misticismo, una voz sumamente brillante y llena de vicisitudes impresionantes, cambios inesperados y un manejo sublime en sus tonalidades. Sin embargo no todo es penumbroso, también son mostrados trabajos más calmos y melódicamente más digeribles, tal es el caso de "Wilhelmina" y "Rubicon" . La ejecución musical e instrumentación (hasta la post-producción) es indiscutiblemente una maravilla. Me parece importante hacer una parada en la pieza que atrapó mi ateneción desde el momento en que la escuché por primera vez: "Red Shift" 2 que por el título alude al fenómeno astronómico del distanciamiento solar, y con el cual curiosamente Hammill hace una interesante mezcla, tomando como referencia el issue fenomenológico, y jugando en primera persona del singular con cuestionamientos filosóficos-existenciales. La instrumentación es enérgicamente ascendente hasta que rompe con una atmósfera serena para volver a entrar con más fuerza, si ya la voz de Hammill es impresionante, en esta pieza se vuelve una calamidad por la cantidad de efectos vibrantes con los que es tratada; un ritmo acabalgado que se muestra agresivo se transporta sobre potentes líneas de bajo que son matizadas por el saxofón de David Jackson, junto al sonido desalineado de una guitarra eléctrica que juega con su dispar; el álbum finaliza con una pieza de 12:00 mins de duración: "A louse is not a Home" , obra cumbre de el álbum.The Silent Corner and the Empty Stage es indudalemente un trabajo épico que debe ser parte de cualquier colección musical de culto, sin importar la afinidad de esta. Y es un trabajo que requiere de de respeto y paciencia para poder digerirlo.

1: No todos los integrantes formaron parte del grupo desde 1968 hasta la 1974 como un conjunto, sino todos formaron parte alguna vez en              
    diferente combinación.
2: Más información sobre el "Red Shift"

Por: Michel Loeza
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