John Coltrane

Blue Train, 1957/E.U.A.
Jazz/Hard Bop/Bebop

John Coltrane, se trata de uno de los músicos del Jazz más trascendentes en la historia de este, junto a músicos de talla tales como Charlie Parker, Cannonball Adderley y Miles Davis. Coltrane se convirtió por su intensidad inovativa y creativa en una figura que se ganó el respeto de la mayoría de los músicos alrededor del mundo. Coltrane, un verdadero genio detrás del Jazz y un personaje de postura forzosa en cualquier colección musical. Después de haber trabajado con diversos músicos jazzeros de la escena entre la década de 1950 (década del mayor apogeo Jazzístico), en 1957 el saxofonista graba lo que podría considerarse el primer disco donde su liderazgo en la agrupación es notorio, esto por la composición casi absoluta1 de todas las piezas agrupadas para su álbum: Blue Train, bajo el sello popular Blue Note. Junto a una magnífica flotilla de músicos, Coltrane logra un álbum de Jazz de dimensiones cualitativas excepcionales. Blue Train está lleno de composiciones Jazzísitas de calidad absoluta, ejecución impecable, de libertad y de soltura brillante. Entre solos turnables de todos los músicos que no demuestran más que una postura ejectuiva grandiosa, se detaca el impresionante trabajo y habilidad de Coltrane en el saxofón. El ambiente del Jazz contenido oscila entre el Hard Bop y el Bebop, vertientes del jazz que, por su compleja estructura y sus veloces tempos, no dejan respiro al escucha. Blue Train es para mí, uno de los mejores álbumes de Jazz que en su historia se han grabado, llegando a codearse sin problemas con el Somethin' Else de Adderley o incluso con el coloso Kind Of Blue de su patriota Miles Davis. Blue train es un magnífico álbum que sin duda alguna llegó a imponer el respeto que merece, y que es parte esencial del gustoso de este maravilloso género. Obra maestra, altamente recomendada.


1_."I'm An Old Fashioned" es una pieza de Johnny Mercer Jerome Kern.


Por: Michel Loeza.
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Vangelis

L'Apocalypse des Animaux, 1973/Grecia.
Ambient/Pre-New Wave

Evangelos Odysseas Papathanassiou o mejor conocido simplemente como Vangelis, se trata una de las figuras emblemáticas dentro del Ambient Music y del Rock Progresivo, al igual que Klaus Schulze, Jean Michel Jarre ó Manuel Gottsching, Vangelis fue hombre del predominante uso de sintetizadores en su mayor auge. Después de y mientras trabajaba en los teclados con Aphrodite's Child (banda griega  escencial del Rock Progresivo), Vangelis grabó algunos discos en su apartado como solitario, algunos que a veces eran usados o bien grabados específicamente como bandas sonoras. L'Apocalypse des Animaux es uno de los discos que a petición del director francés Frédéric Rossif fue utilizado como Soundtrack de un documental sobre la vida salvaje en los animales, sin embargo el disco había sido ya grabado un par de años antes. Francamente después de haber escuchado el disco no pude de alguna forma imaginarme como es que tal creación pudo haber sido usada para un documental de animales, no pude hacerme a la idea de ver a un León comiendo mientras la música de Vangelis de fondo es ignorada. El disco es completamente melódico, el uso de sintetizadores aún no es notable (hasta 1975), pianos electrónicos reverberados que extienden la resonancia de su nota hasta que otra se sobrepone, las melodías son hermosas, se destaca el uso de una trompeta completamente relajante, la creación musical de Vangelis puede despertar emociones en el escucha y tranquilizar hasta dormir con sus pasajes musicales de ensueño y su magnífico onirismo, es realmente relajante el ambiente en el que el trabajo de Vangelis logra capturar. El contenido musical carece de complejidad y de fuerza compositiva en comparación con sus trabajos posteriores, no obstante a tal característica el disco no deja de ser una obra de índole colosal en el más puro sentido estético. L'Apocalypse des Animaux es un trabajo que recomiendo ampliamente para los seguidores del sonido cósmico y onírico de 1970, también recomeindo olvidarse del documental de Rossif mientras se escucha.

Por: Michel Loeza.
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Steve Hillage

Rainbow Dome Musick, 1979/Inglaterra.
Ambient

Steve Hillage es uno de los más grandes representantes dentro de la escena del Rock Progresivo de Cantembury en Inglaterra, una de las figuras más importantes del glissando y del Rock Espacial (vertiente del Progresivo) de todo 1970. Habiéndose codeado con bandas de talla como Spirogyra, Caravan, Egg en ámbitos menos formales y en más formales con Khan y Gong, además de la colaboración con Mike Oldfield en sus actuaciones alusivas al Tubular Bells, Steve Hillage ha sido un hombre de apasionante seguimiento musical a lo largo de su carrera y de un estupendo trabajo en cada tierra donde plantaron sus manos. Para 1979, tras haber dejado a Gong y haber grabado varios álbumes como solista, Hillage junto a la francesa Miquette Giraudy (ambos ex integrantes de Gong), decide trabajar sobre la Ambient Music que ya para finales de la década había dejado de ser un simple juego de experimentación gracias a artistas que imprimieron la suficiente seriedad sobre ella como la verdadera progresividad de la música y el intensivo uso de aparatos electrónicos. Rainbow Dome Musick es el continente de contenido puramente instrumental, sonidos sintéticos y secuencias tal vez no tan marcadas como las que acostumbraban los alemanes, pero son notables. Dos largas piezas: La primera "Garden Of Paradise" (comp. Giraudy), con pasajes sonoros hermosos inicialmente enfocados en el sonido del caer del agua, poco a poco los sonidos van envolviendo en un ambiente sumamente agaradable, ambientaciones provenientes de los sonidos atmosféricos de los sintetizadores, notas reverberadas, secuencias estereoaurales que van brotando de lado a lado, y lo que no podía faltar: un Steve Hillage haciendo su trabajo en la guitarra tratada con efectos, tocando pequeños solos que bien pueden apreciarse como un fondo detrás de todo el desenvolvimiento ambiental. La otra pieza, "Four Ever Rainbow" (comp. Hillage), es una pieza más serena pero igual de alentadora en al ámbito atmosférico, el sonido de esta segunda pieza tiene más brochazos reminiscentes al sonido de Gong, paisajes sonoros más espaciales con momentos igual de hermosos que la pieza antecesora. Rainbow Dome Musick es sin duda uno de los álbumes más magníficos dentro de la escena del Ambient, una pieza esencial que debe tener cabida dentro de la colección de cualquier seguidor de la música preciosista.

Por: Michel Loeza
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Edgar Froese

Epsilon In Malaysian Pale, 1975/Alemania.
Prog.Electrónico/Ambient

Edgar Froese fue el funador y siempre líder de la agrupación alemana Tangerine Dream, pionera de el sonido cósmico de la Alemania de 1970, y banda cumbre en la representación de la llamada Escuela de Berlín, basada en la composición del Rock Progresivo con elementos puramente electrónicos, sintetizadores, secuenciadores y demás. Durante las giras con Tangerine Dream entre 1974 y 1975, Edgar Froese se inspiró en algunos paisajes Malayos de gran esplendor, sus selvas húmedas y su misticismo y en la bahía de Maroubra en Australia (principalmente en el mar), para grabar un disco en su apartado como solista, iniciado en el año de 1974 con su disco Aqua; el disco fue nombrado Epsilon In Malaysian Pale. El álbum está compuesto de dos piezas de larga duración: "Epsilon In Malaysian Pale" y "Maroubra Bay" por sus respectivos lugares de inspiración. Como acostumbraban estos alemanes, el contenido del álbum es puramente instrumental, ambiental, onirísmo y largos pasajes de estabilidad sonora. Froese logra capturar a la prefección la esencia natural de cada uno de los paisajes, la primera pieza inicia con sonidos referentes a una jungla, se puede sentir la humedad de ella, su ambiente está encarnado en la pieza, secuenciadores, mellotrón, sintetizadores y otros instrumentos hacen posible la sensibilización del escucha a tal grado de mandarlo de viaje a los lugares deseados. Epsilon In Malaysian Pale es un disco perfectamente logrado, muy apegado al trabajo de Tangerine Dream aunque este en un porcentaje dominante más orgánico y naturalista, sin dejar atrás el aspecto sintético que tanto caracterízaba a estos Alemanes. El álbum es realmente una obra maestra del Ambient alemán y un trabajo que definitivamente que deja de que hablar sobre el maestro Edgar Froese. Recomendado.

Por: Michel Loeza
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The Electronic Hole

The Electronic Hole, 1970/EUA
Rock Psicodélico

Un sinfín de bandas fueron las que aproximadamente a partir de los inicios de la segunda mitad de 1960 surgieron alrededor de todo el mundo y principalmente en Estados Unidos como resultado de los movimientos contraculturales que ahora inútilmente pretenden retomarse, ejemplo:Hipsters, llámense Hippies. Pero eso, es otra historia. Siendo Estados Unidos el lugar de la generación de estos movimientos contruculturales, las agrupaciones de garages aumentaban en cifras considerables, por lo mismo su difusión era poca y a veces insustancial. LSD, Marihuana, Mescalina, DMT, Psilocibina... Rock Psicodélico. The Electronic Hole fue una de esas tantas bandas con tendencias ad hoc al entrono reminisciente a la escena. Guitarras desefnadadas, tiempos distraídos, una voz naturalmente reberverada, ritmos que pueden hacer que en un momento muevas el pie al compás y que de ese momento a otro empieces a ver a través de un Kaleidoscopio; se hace uso de un Sitar, glissandos, la instrumentación es diversa y atractiva a veces tendente al sonido de la Asia Menor. Desde la primera vez que pude asimilar el contenido del disco hice una comparacíón inmediata con The Velvet Underground pues el sonido llega a ser muy similar al de esta agrupación igualmente estadounidense, desde los solillos pícaros de Sterling Morrison hasta quellas saturaciones sonoras estresantes. El contenido del álbum está dividido en dos partes The Golden Hour y Love Will Find a Way cada una dividida a su vez en distintas partes simplemente numeradas. Nos se trata de un álbum conceptual o algo por el estilo simplemente la facha de ser Hippie. En general el álbum homónimo es una excelente elección si de buscar buen rock psicodélico se trata. Muy recomendado.

Por: Michel Loeza
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Mike Oldfield

Ommadawn, 1975/Inglaterra.
Progresivo Sinfónico/Instrumental

Se trata de Mike Oldfield uno de los músicos multiinstrumentistas más detscados en todo el mundo hasta la fecha. Caracterizado por sus proyectos ambiciosos y su técnica de ejecución en la guitarra, Oldfield ha adquirido un infalible respeto alrededor del mundo y un status que lo han llevado a la cumbre de la gloria. Empezezando su carrera musical estable en 1973, Mike Oldifield grabó el tan exitoso Tubular Bells, seguido de Hergest Ridge en el año de 1974, hasta llegar a Ommadawn editado ya para 1975. Ommadawn es uno de sus más ambicisos trabajos y en opinion personal el trabajo de mayor potencia compositiva y sinfónica. El contenido del disco está, como acostumbraba Oldifield, dividido en dos movimientos de larga duración cada uno (al. 20 mins). Simplemente "Part One" y "Part Two"[1]. Tras haber escuchado Tubular Bells, me dí cuenta de la gran capicidad que en Oldfield radicaba para poder crear todo un mundo sonoro que gira en torno a ambientes puramente oníricos, complejidad, una naturaleza innata, pasajes fantásticos, a una capacidad expresiva simplemente impresionante. El contenido altamente sinfónico del álbum logra envolver en un espectro en el que evolutivamente se penetra, cada sonido recorriendo tus huesos, trabajos instrumentales finísimos, técnica insuperable, registros musicales que oscilan entre influencias del sonido tradicional Nórdico y Celta. Sin lugar a dudas Ommadawn es una de las obras musicales más finas y mejor elaboradas dentro de la música en general, pieza infaltable en cualquier colección y definitivamente OBRA MAESTRA SIN PRECEDENTES.


[1]_Originalmente el álbum contenía una tercera pieza: "On Horseback". Posteriormente (actualemnte) fue incluida en la parte final de "Part Two".

Por: Michel Loeza
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Big Star

Third/Sister Lovers, 1978/EUA.
Power Pop

Big Star fue una banda que se desarrollo en la época de los 70's donde tal vez no fueron tomados con la importancia que se les debía ,este álbum es la expresión artística mas cercana a la nostalgia de ser un joven feliz, Alex Chilton se encarga de demostrarlo, el fue capaz de interpretar ese sentimiento,Third/Sister Lovers PVC fue lanzado en 1978,y reeditado en formato CD en 1992. La mayoría de las personas,tienen un extraño y diferido concepto sobre el termino pop,Big Star es un power pop contundente,entre tantas buenas canciones el álbum se conforma también de algunos covers ejemplo: "Femme Fatale". Big Star;peculiar,sonido fresco,amable,son y serán incondicionales para la buena referencia del pop

por :david
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Shelagh McDonald

Stargazer, 1970/Escocia.
Folk

Existen infinidad de grupos, y artístas que durante la segunda mitad de 1960 desarrollaron además de Psicodélia, un excelente trabajo dentro de la escena del Folk en general. Muchas voces femeninas que quedaron olvidadas y sepultadas por personajes más importantes como Joni Mitchell o Joan Baez, por un status de ventas muy por los suelos. Uno de los ejemplos claros de las voces que quedaron más enterradas es la escosesa Shelagh McDonald, cantante de orgien escosés que residió al término de 1960 en Londres. Fue hasta el año de 1971 que Shelagh lanzó su segundo y álbum debut Stargazer, ese mismo año Shelagh desapareció misteriosamente de todos y de todo, suceso que truncaría su dearrollo musical. Posteriomente explicó ante notario público que había desaparecido por efectos póstumos a un mal-viaje de LSD, paranoia y alucionaciones, una vida que había arruinado su voz. Stargazer es realmente una joya digna de alta valoración, piezas hermosas, canciones tradicionales[1] de Folk versionadas de manera sublime, arreglos de piano que recorren el cuerpo de extremo a extremo, melodías con toques paganos referentes a la alta edad media, pequeñas orquestaciones, en fin, técnicamente el álbum no deja nada que desear. Un álbum muy completo que se mueve entre tranquilas y melosas baladas hasta piezas más dinámicas, todo esto siempre matizado con la hermosa voz de Shelagh que sin duda dió a conocer un tremendo potencial, dió a conocer una de las voces más maravillosas de toda una era.

[1]_#5: "Dowie Dens of Yarrow", canción tradicional folk en Escocia, se desconoce su autor original.

Por: Michel Loeza
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Sebastian Hardie

Four Moments, 1975/Australia.
Porgresivo Sinfónico

Sebastian Hardie uno de los grupos máximos exponentes del Rock Progresivo en Australia. La banda se formó en 1967 bajo el liderazgo de Graham Ford (guitarra) y Peter Plavsic (bajo) ante el nombre de Sebastian Hardie Blues Band. Después de un arduo desarrollo musical, no fue hasta 1975 que su álbum Four Moments dió a la luz al público local y en su posteridad al internacional. El álbum es uno de los trabajos discográficos mejor elaborados dentro del la escena del Progresivo. Por su edición casi en totalidad sobre nonstop (piezas ligadas) y por los leitmotivs en la composición, nos remite este a pensar en que está trabajado bajo un concepto, y si no me equivoco así es. Con perfectas sinfonías, hermosas melodías y una voz extraordinaria de Ford, el álbum está lleno de pasajes musicales que oscilan entre momentos agresivos con una técnica en la ejecución impresionante, hasta momentos de serenidad que roban el alma. Sebastian Hardie alude mucho al sonido de bandas como Yes principalmente, Genesis y Camel. No obstante a las alusiones, el sonido de Hardie es característico, un sonido más aterrizado (menos trippie); un sonido que no deja de ser hermoso y alucinante en momentos. Moog Modulador, solos de guitarra devastadores, líneas de bajo profundas, la técnica en las percusioness igualmente devastadora y ambientes expresivos de derramante sentimentalismo. Sin duda una obra maestra y pieza elemental dentro de esta escena y de la música en general.

Por: Michel Loeza
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Spacemen 3 - Perfect Prescription

Perfect Prescrption, 1987/Inglaterra

Este disco es realmente infaltable en su colección,el trabajo que realizo Jason Pierce y  Peter Kember,tiene su definición mas clara en este album,sin duda es una gran influencia para sus posteriores proyectos como lo fue spiritualized y spectrum,dos grandes referentes de la musica en el aspecto que deseen verlo,hace algunos dias salio el disco tomboy de Panda Bear y bueno,es Peter Kember quien hizo la mezcla.Sin mas preambulos les dejo el primer disco de lo que espero sea una buena contribución para su percepción musical.

Por:David 

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Pyranha

Pyrahna, 1972/Suiza.
Prog/Psicodélico.

Banda Suiza de la primera mitad de la década de 1970, etapa de los inicios del Rock Progresivo, de los comienzos en la superación del Folk y de la Pisicodélia. La brasas de la Psicodélia aún arden y un ejemplo claro es: Pyrahna. Sonidos poco digeribles con pasajes que pueden oscilar entre el Jazz y el Blues, básicamente improvisación, poca composición lírica, destiempos, rarezas sonoras, The Velvet Underground + LSD, experimientación con objetos de uso cotidiano,  Francés, ambientes ácidos, todo esto hace del disco una propuesta bastante interesante dentro de la experimentación en el Rock Suizo de la escena underground. A pesar de las composiciones desestructuradas y de los casi indigeribles paisajes experimentales, se pueden encontrar piezas de índole rítmica y bastante agradable como "Clepsydre", primera pieza, Jam, con Hammond, Saxofón, un buen riff en el bajo con un sonido pegándole al Jazz/Fusion y al Funk parecido a sobre el que Can se pasearía anteriormente con su Tago Mago. Sin duda este disco es una rareza la cual merece un espacio de tiempo para tus oídos.

Por: Michel Loeza.

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