Cream

Disraeli Gears, 1967/Inglaterra.
Hard Rock/Piscodélico.                                                      
"Sunshine of your love" el éxito de la segunda mitad de la década de 1960, la pieza en inglés que mis abuelos gozaban, la canción que distingue a los años del apogeo Hippie en Estados Unidos, libertad, verano, drogas, juventud, y Cream junto a The Jimi Hendrix Experience ya eran la cagada más grande en el universo (musicalmente hablando), Eric Clapton era Dios (Clapton is God) el guitarrista de Blues prodigio, nadie podía hablar mal de éstas bandas más que los fanáticos religiosos y conservadores.¿Que carajos se había atrevido a hacer Cream un trio de reconocidos y virtuosos músicos?. Eric Clapton el exYarbird, el súper baterista Ginger Baker que con su agilidad y su gran técnica jazzística impresionó, Jack Bruce un hombre con actitud y un excelente bajista y cantante, el exGrahamBond; se atrevieron a jugar. Las críticas llamaron a éste y algunos otros trios de excelsos músicos: Power Trios posteriormente Supergroups, el Power Trio "The Cream", la crema de lo mejor de los músicos blancos de Blues.

Como ya lo había mencionado cream estaba formado por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce, los tres excelentes músicos que crecieron educados con la música popular de los negros en los E.U.A., las influencias de éstos tipos estaban muy claras y era obvio que en cojunto haría maravillas. Cream se formó alrededor de 1966 bajo el nombre de "Sweet & Sour Rock n' Roll" (posteriormente Cream), el trío grabó su primer disco en éste año llamado Fresh Cream, el contenido del álbum estaba básicamente compuesto por intepretaciones de canciones populares del Blues convertidas en versiones mucho más enérgicas entre escasas composiciones propias como la exitosa por el trabajo virtuoso de Baker en la batería: "Toad". La banda logró imprimir un sonido bastante "atrevido" para aquella época, lograron combinar el Blues y el Jazz con una impetuosa y peculiar energía con brochazos de Psicodélia que vaya que para esos años sobraba. Las críticas y el público (los hippies) recibieron de muy buena manera el trabajo que Cream había explotado pero los recibieron tan bien que Cream se volvió es una banda sumamente sobrevalorada.Y ese sobrevalor no se dió hasta la grabación en 1967 de una de las joyas del rock: Disraeli Gears. Bajo una psicodélica y colorida portada por Martin Sharp, se podia ver un disco con un impecable trabajo y que es sumamente imprescindible en tu colección musical.Para ésta produccion discográfica, los miembros ya habían compuesto la mayoría de las canciones por su propia cuenta, muchas de las composiciones se convirtieron en un total éxito, éxitos devastadores de la radio: "Strange Brew","World of Pain" que es para mí una de las mejores composiciones del álbum (excelente),"Tales of Brave Ulysses" y por supuesto la conocidísima "Sunshine of Your Love", la canción que volvía locos a los jóvenes por su pegajoso y "sensual" rítmo que manisfestaba la calidad de músicos que la pudieron componer, la implacable guitarra de Clapton, la poderosa voz de Bruce y la acentuante batería de Baker convertían la simpleza en complejidad (lo único malo de ésta canción, es el asqueroso e inconcreto final en Fade Out que al menos a mí me dejó muchas interrogantes).

En mi opinión el Disraeli Gears sí fué uno de los mejores discos grabados en 1960, él está impreso un gran texto de energía, virtuosisimo, contrastes, matices, excelentes composiciones, excelsas intrumentaciones pero creo que Disralei Gears se convirtió en un superfluo y valorado trabajo cuando detrás de éste existían grabaciones musicales igual de bellas que nunca se consideraron por encima de éste álbum, claro que mi opinión o más bien la realidad sobre la ultravaluación de éste álbum no lo alejan de su calidad musical.El álbum es excelente como ya lo había dado a entender es sumamente importante la energía implicada por Cream porque ésta fué la pauta del nacimiento de posteriores y muy exitosas bandas de Hard Rock en diversas partes del mundo que siguieron bajo un método similar al de Cream en cuanto a la combinación del Blues y  Jazz con el ímpetu de la energía y el virtuosísimo.Y bien, creo que la mayoría de las personas amantes de los "Oldies" deben conocer éste gran trabajo discofráfico que marcó bastantes puntos importantes dentro del Rock y de la Música en general.

                                TRABAJO BASTANTE RECOMENDADO.


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Wheels On Fire, 1968.
Hard Rock/Psicodélico                                                          

Tras haber editado el excelente y muy popular Disraeli Gears, Cream gozaba de una tremenda popularidad entre la gente que disfrutaba de su música, los mejores momentos de ésta banda fueron entre aquellos dos años: 1967 y 1968. Aunque algunos problemas entre Baker y Bruce empezaban a surgir, a la gente no le importaba, ellos querían más de Cream. Wheels on Fire es su tercer y aún más exitoso trabajo discográfico y vaya que la banda demostró más madurez (clara diferencia) en la grabación de éste disco, aunque algo fué sumamente notable y eso fué que el grupo comenzaba a ser menos restringido en cuestión de improvisación y virtuosismo. En ésta época de grabación y en tiempos posteriores a la edición definitiva del disco las presentaciones en directo de la banda eran mucho más "sueltas" y largas. El sonido de Cream ya había alcanzado la definición buscada.

Entre las composiciones de Wheels on Fire se encontraba como pieza abridora la magnífica e igualmente popularizada "White Room" en la que el uso de variada instrumentación es destacable, la técnica de Clapton parece mejorada y la sinfonía en los asombrosos coros es esplendida. Entre otras composiciones también destacó  la versión  de "Sitting on Top of The World" (de uno de los grandes del blues: Howlin' Wolf), el éxito "Politician" y la version de "Born Under A Bad Sign" de Albert King. Curiosamente éste álbum alcanzó mayores puestos en las listas de popularidad en E.U.A. y en Inglaterra, llamativamente "superó" a su antecesor Disraeli Gears, pero es algo que aún no logro comprender pues creo que la creatividad (a pesar de la extensión instrumental) en cuanto a la arquitectura musical se vino ligeramente abajo, el virtuosismo aumentó (en vivo) pero la creatividad quedó atrás en comparación con su anterior trabajo. Wheels on Fire originalmente salió a la venta como un álbum doble en el que se incluyeron extensas versiones de canciones en el B- side grabadas en directo desde Fillmore West (si estoy en lo correcto sólo "Toad" fué tomada del Fillmore las otras tres fueron grabadas de otros lugares, pero bueno, es "Wheels on Fire Live at Fillmore"). Éstas grabaciones en vivo incluían dos versiones de canciones populares del Blues: "Crossroads" de  el legendario Robert Johnson y una fojísima y larga versión de la mítica "Spoonful" del maestro Willie Dixon; éstas versiones junto con "Traintime" (compuesta por Jack Bruce) en donde Jack desmuestra sus impresionantes habilidades con la Armónica y la muy pedida y extensa "Toad" en donde muy al estilo de Moby Dick (Led Zeppelin) el efectista de Ginger Baker ejecuta un tremendo sólo de batería de casi 15 minutos de duración, fueron incluidas en éste lado del disco.

A mi parecer Wheels on Fire es un muy buen trabajo pero no supera al Disraeli Gears y una de las cosas más interesantes de éste disco es el "Wheels on Fire Live at Fillmore" o el B-Side.Claro que el contendio del álbum de estudio no seja de ser interesante y de calidad pero llamó más mi atención las versiones en vivo de ésta banda.Wheels on Fire escompletamente imprescindible para adentrarte en Cream, es uno de sus mejores y más logrados trabajos de la banda y vale la pena darle una escuchada para así poder abrir la boca acerca de Cream.

                                         TRABAJO MUY RECOMENDADO.

Colin Bass

An Outcast of the Islands, 1998/Inglaterra.                   
Crossover Progressive.

"Sabah Habas Mustapha" o para mí y como debe ser: Colin Bass, es uno de los más grandes músicos británicos que sobre la tierra han puesto sus pies, desarrollando su capacidad principalmente en el Bajo, Colin trabajó un largo periodo con la legendaria banda de Andrew Latimer, Camel; Colin Bass se desarrolló con Camel en lo que podemos nombrar como la segunda parte de la carrera musical de ésta banda, desde 1979 con el "I Can see your house from here", partiendo de éste álbum para después colaborar con muy importantes trabajos discográficos de Camel y volviendose entonces gran compañero y miembro permanente de la banda de Latimer.A mi parecer Colin Bass le fué una sumamente importante herramienta musical y uno de los hombres clave en la armoniosa melodía de trabajos excelentes de Camel por ejemplo el impresionante RAJAZ.


En 1998 Colin decide grabar lo que podría llamarse su primer álbum como "Solista" y más que referirse a que el sólo hizo todo con la palabra, se refiere a que la mayor influencia y la responsabilidad ideológica para la estructura de las canciones recae en   él, en este caso recae en Colin Bass pero lo mejor y lo que hizo a éste álbum una maravilla es la imponente y muy destacada colaboración de músicos de Camel y obviamente pensamos principalmente en el centro de ésta banda, el fantástico Andrew Latimer (aplausos); además de la participación de algunos excelentes músicos de bandas Polacas de Neoprogresivo y por si no fuera suficiente el álbum incluye pequeños y elegantes interludios orquestales creados por la Orquesta Filarmónica de Ponzan (Polonia).A pesar de que el álbum ha sido encasillado  por su clara influencia en el progresivo y su notable extensión de las raíces de Camel, en el subgénero del Rock Progresivo llamado "Crossover" (básicamente el subgénero que tiene como epicentro una estructura mucho más digerible o "Pop" pero sin dejar las raíces del progresivo) es dífil poder encerrar el contexto musical de An Outcast of the Islands en algún género, pero dejémoslo en Crossover Prog.;El álbum enfoca su sonido en una rara mezcla del Progresivo "Pop" que algunas bandas como Camel manejaron en 1980 con excelente melodía y romanticismo en el que se imprime la escencia de Camel indudablemente.

El álbum abre con un hermoso instrumental que recuerda a los tiempos de Camel en 1970 y sí, Latimer nos recuerda que sigue vivo él y su guitarra: "Macassar" es el nombre del instrumental, después de éste bello preludio o más bien bella introducción al sonido del álbum, continuamos con la eternamente bella "As far as can you see" para pasar a la primera instrumentación por parte de la orquesta llamada "First Quartet", la melodía y la tremenda imágen de gran composición armónica entre los instrumentos se sigue revelando con "Goodbye to albion", "The straits of Malacca" y "Aissa" para dar paso a una de las más sorprendentes composiciones de éste trabajo y no porque contenga un virtuosísmo impresionante o Sincopas sino porque  "Denpasar Moon" tiene un sonido bastante rítmico pero tonos que pueden que nos remitan a un ambiente gitano y mucho más étnico, fuera de eso el sonido es bastante digerible, la estructura de la canción es básica pero ésto no lo hace mala composición, es al contrario una de las mejores baladas compuestas por éste gran músico."Second Quartet" otro de los elegantes interludios orquestales, "No way back" y después "Holding out my hand to you" que en verdad que desde la primera vez que escuché ésta canción me di cuenta completamente de la fantástica expresión que éste álbum refleja.Es una romántica y realmente emotiva composición (la mejor del álbum, para mí) el ritmo es muy bien marcado por la batería, los arreglos del órgano de Zbyszeck Floreck son realmente maravillosos, la melodía en la composición lírica es simplemente impactante, pero además del lento y disfrutable tempo en el que la mayoría del tiempo la canción corre, ésta guarda una sopresa y esa sorpresa es un tremendo y dinámico cambio de rítmo al minuto 4:48 que remonta a los tiempos excelsos del Progresivo de 1970 y el responsable de ésto es el maestro de maestros Andrew Latimer que, como siempre, impone con un colosal sólo de guitarra que hace vibrar hasta la última parte de tu cuerpo (muy recomendada pieza).

Continuamos con el último arreglo y el más bello por parte de la Orquesta: "The Outcast"; 3 minutos y 27 segundos de duración , de bellísimo ambiente y completo suspenso para "romperte" las espectativas posteriormente con la inesperada entrada de otra de las excelentes composiciones de éstos músicos "Burning Bridges" y me he preguntado: ¿En qué demonios pensaban cuando compusieron ésta inigualable pieza?...entrando con un excelente arreglo en la batería dispuesto a llamar la atención de los que tocan éste instrumento, la batería marca el contundente ritmo bajo el teclado de Floreck, el rítmo logrado en ésta pieza es asombroso, el sonido es ya un poco más "pesado" a comparación de piezas anteriores como "As far as can you see" el sonido ya nos envuelve más en una escena de Rock progresivo neto pero la esplendida melodía sigue sin sucumbir."Reap What You see" otra de las bonitas baladas para calmar la euforia que causó "Burning Bridges" , finalmente el álbum cierra con una bonita canción únicamente con guitarra acústica bajo un lindo arpegio y una bonita composición lírica cierran el telón del teatro de una muy buena manera.

En general An outcast of the Islands no es un disco que deban escuchar personas con gusto en específico, me refiero a amentes del progresivo o no amantes del progresivo, tenemos bien claro que este disco es una saliente de éste génro pero es completamente digerible para cualquier amante de la hermosa melodía en la música, El trabajo es una obra maestra y es completamente imprescindible, mejor aún si ya conocías los trabajos de Camel y el trabajo de Colin y Latimer en conjunto.

                         OBRA MAESTRA, ALTAMENTE RECOMENDADA

Roger Dean

Pintor/Arquitecto/Publicista 

Roger Dean es un pintor inglés que inició su trabajo artístico alrededor de la primera mitad de 1960 trabajó constantemente en el "Artwork" de diversas producciones discofráficas de algunas grandes bandas de Rock Progresivo en 1970 como con Yes y/o Gentle Giant por ejemplo; el gran caracter orgánico y fantástico que Dean lograba imprimir en sus obras pictóricas logró influir en en concepto musical de algunos de los albums sobre los que trabajó, el ejemplo más claro quedó impregnado en alguno de los más representativos tarbajos de Yes en los que lograba conectar la fantástica idea sonora de la música de ésta agrupación con los oníricos,extravagantes futurístas y fantásticos paisajes con arquitecturas impresionantes que Dean pintaba.
En honor a uno de los artístas gráficos que más impactaron dentro del contexto musical de 1970 en adelante, he decidido adjuntar algunos de sus mejores trabajos con los pinceles:

Roger Dean  

Clive Nolan & Oliver Wakeman

The Jabberwocky, 1999.

Progresivo/Sinfónico                                        

Como bien todos sabemos (o deberíamos saber) Charles Lutwidge Dodgson o bien mejor conocido en todo el mundo como Lewis Carroll autor de la famosísima novela Alicia en el país de las maravillas (Alice in wonderland), fué uno de los escritores ingleses más importantes dentro de la historia de la literatura mundial y además de escribir Alice in wonderland, Carroll escribió uno de los mejores poemas fantásticos y curiosamente polémico por su "carencia de sentido" o coherencia (por el simple hecho de la inclusión de palabras que nunca se habían visto, cierto tipo de "neologísmos" inventados por Carroll para éste poema),la obra fué llamada "The Jabberwocky", ésta al mismo tiempo fué incluida por él mismo en Alice in wonderland (Trough the Looking Glass) siendo parte de una escena en ésta novela. 

Imprimiendo el contexto del poema (temática) con mis propias palabras, he supuesto que éste trata básicamente de una distorsionada historia mediaval de un joven aventurero que se adentra en la boca de un gran bosque para enfrentar a una de las creaturas más problemáticas y feroces en el poblado: "The Jabberwock".

En 1999 el tecladista de Pendragon y el hijo de Rick Wakeman (súper tecladista que grabó importantes trabajos con la legendaria banda de rock progresivo: Yes), Oliver Wakeman formaron junto con una gala de grandes músicos un gran trabajo discográfico conceptual basado en éste mítico poema de Lewis Carroll bajo el título del mismo (The Jabberwocky). The Jabberwocky es un impresionante álbum perfectamente pensado para poder incluir estrofas del poema entre las canciones (narradas por Rick Wakeman), el contenido musical de álbum desarrolla perfectamente las letras del poema en magníficos arreglos sonoros sobretodo por el destacable y tremendo trabajo de los dos tecladistas dentro de todas las canciones. El álbum logra atrapar perfectamente la escencia del poema, si conoces la historia y conoces algunas imágenes y estrofas importantes de ésta podrás alinear muy bien momentos de la obra musical con la obra literaria, porque además de la narración de Rick Wakeman algunas personas interpretan textos de los personajes más importantes del poema como: Bob Catley (The Boy), James Plumridge (The Jabberwock), Tracy Hitchings (The Girl) y Paul Allison como "The Tree".

El sonido de el trabajo discográfico concentra su escencia en las influencias del Rock Progresivo de 1970 de Oliver Wakeman y las poderosas tendencias del Neoprogresivo de Clive Nolan, el sonido captura cierto aroma fantástico medieval.En cuanto a la estructura, la ejecución, y la composición musical puedo opinar que me parece fantástica (músicos de calidad), el trabajo en los teclados es impresionante, el trabajo vocal es sutíl y armonioso, el manejo sinfónico es espectacular, la técnica en la ejecución de los arreglos de guitarra Peter Banks (primer guitarrista de Yes) es indiscutible aunque ligeramente escaso.El álbum contiene una estructura musical tan similar entre las canciones, que el álbum puede pasar como una sólo pieza musical de larga duración, es decir es un excelente trabajo conceptual aunque creo que para algunas personas podría parecerles algo pesado o tedioso de escuchar. Para mí es un albúm impresionante sobre todo porque conosco el contexto de la obra de Carroll,es un trabajo bastante interesante y creo que es un maravilloso tributo musical a la impecable e importante obra de éste escritor.

                                         TRABAJO MUY RECOMENDADO.

Chick Corea

Return To Forever, 1972.                                                           
Jazz/Fusion

Siendo uno de los mejores Pianistas que se han involucrado de una manera arriesgada con el Jazz y las impresionantes fusiones impresas en éste género, Chick Corea ha sido uno de los más grandes músicos que han puesto sus pies sobre la tierra.Desde muy temprana edad Corea empezó a involucrarse dentro del mundo musical y siendo más específicos, dentro del Piano.Las influencias Jazzísticas que Corea tomó fuerón posteriormente importantes para la colaboración en el desarrollo de un subgénero que, desde mediados de los 60' y principios de 1970 brillaba con intensidad: Jazz/Fusión (o bien, "Jazz Rock") el nombre de éste género fué propuesto por primera vez por el productor discográfico y crítico Denis Preston.El subgénero adjudica la fusión de ya desarrollado y conocido Jazz (Bebop, Hardbop, Cool, etc.) con algunas de las influencias de éste como la Bossa Nova o como el denominado HOT, ritmos latinos con influencias primitivas Africanas ésta fusión o mejor dicho: éste retomar de géneros primitivos acentúan el olvido del Swing que fué lo que le dió el sabor al Jazz que ya conocemos de Art Blakey, Guillespie o Charlie Parker entre muchos más músicos.

En 1971 Chick Corea y su asombroso virtuosísmo, decíde formar una súper agrupación con músicos de gran calidad: Return To Forever, una banda que estaba dispuesta a la tremenda fusión del Jazz y sus raíces junto con una improvisación destacable y muy apegada al Rock Progresivo. La agrupación estaba formada originalmente por el bajista Stanley Clarke, Joe Farrel en los vientos (sax, flauta), Airto Moreira en la batería y la colaboración vocal de Flora Purim (esposa de Moreira) que es la especialidad que retoca finalmente la música de la banda para darle el toque latino, todos ellos liderados por su puesto por el impresionante teclado de Chick Corea. Posteriormente la banda sufrió importantes cambios en la alineación con un guitarrista (Bill Connors) y el cambio de baterísta por el impresionante Lenny White; Connors fué posteriormente sustituido por la maravilla de músico Al Di Meola que le daría a Return to forever & Chick Corea una alineación legendaria.

Éste trabajo discográfico de título homónimo fué el primer álbum grabado con la alineación original de Chick Corea.Musicalmente el álbum es maravilloso, los ambientes musicales van desde largas y complicadas experimentaciones hasta cabales rítmicos sumamente interesantes con toques de Bossa Nova e influencias latinas, instrumentaciones sincopadas del Saxofón y la Flauta de Farrel, claras influencias Jazzísticas en la batería de Moreira, una hermosa voz de Flora que acentúa perfectamente los hermosos arreglos de Corea.En general es un álbum que refleja la imponente serendidad y al mismo tiempo la complejidad del arriesgado subgénero, un trabajo fantástico, muy disfrutable y sin duda bastante interesante.

                           TRABAJO INTERESANTE Y MUY RECOMENDADO


También recomendados (posteriormente reseñados):
_Light as Feather, 1972.
_Hymn To The Seventh Galaxy, 1973.
_Romantic Warrior, 1976.

Charlie Parker

Jazz/Bebop 

1920-1955

Creo que todo aquel que en algún momento de su larga o corta vida a abordado el atrevimiento de poder declararse amante o bien "gustoso" del Jazz, ya debió entonces aquella persona haber escuchado a uno de los más, influyentes, impresionantes y magníficos músicos de Jazz o de Bebop (más específico) que han puesto los pies sobre el campo de la maravillosa música...

Charles Christopher Parker, Charlie Parker alias el respetado "THE BIRD".Charlie Parker fué un jóven que desde sus más tempranos años de vida estuvo educado con una impresionante cultura musical por parte de sus padres y por parte de todo el contexto musical que en New York se desenvolvía ya para 1930 y claro que me refiero a el Jazz y al Swing, además de su posteriormente desarrollada pasión por el instrumento (Saxofón Alto) ;Charlie fué convirtiendose en un gran y respetado músico gracias a su dura y pasional rutina de práctica a la que se sometía; claro que Charlie Parker no tenía una vida fácil pero en base a esto se convirtió en una gran figura.Su asombroso y veloz estilo al momento de ejecutar el Sax impresionó a los grandes músicos con los que tuvo oportunidad de codearse: el impresionante Bud Powell y Dizzy Guillespie que en conjunto con el genio Parke fueron los inciadores del subgénero del Jazz: Bebop, que se caracterizó por la impresionante velocidad de ejecución y la improvisación completa que se oponía a el estructural Swing; Charlie llegó incluso a tener colaboraciones musicales con Miles Davis y con Thenolious Monk. Lamentablemente Charlie declinó absurdamente su carrera musical que para la primera mitad de 1940 estaba en pleno esplendor debido a su ya arraigada adicción desde la adolescencia con la Heroína.

El artísta del Saxofón, una leyenda, uno de las personas más creativas y geniales musicalmente hablando que indudablemente vale la pena escuchar si es que piensas convertirte en amante del Jazz y que debiste haber escuchado si te dices ya amante de éste, uno de los géneros más imprescindibles para la historia de la música.

Recomendaciones discográficas:
_The gratest jazz concert ever, 1953.
_The quintet'.
_The Essential Charlie Parker (unofficial).